Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 9 de octubre de 1835, nació en París el compositor, director de orquesta, organista y pianista francés de música académica, Charles Camille Saint-Saëns. Perdió el padre cuando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de una tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.
El entrenamiento musical de Saint-Saëns comenzó tempranamente: a los dos años y medio comenzó a aprender piano con su tía- abuela, a los tres años compuso su primera pieza para piano. A los siete empezó a estudiar composición, y a los once ya estaba presentándose a tocar Bach y Mozart ante audiencias embelesadas. Saint-Saëns acabó convirtiéndose en un virtuoso del piano, aclamado por Franz Liszt como el mejor organista del mundo. Estudió órgano con Benoit y composición con Halévy. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d'argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.
Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré y a André Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa. Puede considerársele un jalón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel.
Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, y se entretuvo en discusiones con los mejores científicos europeos y escribió doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y organizaba sus conciertos de tal modo que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica, Problemas y misterios, un volumen de poesía, “Rimes familières”, y la comedia “La crampe des écrivains”, que tuvo un gran éxito.
Su extensa obra —elaboró más de 400 composiciones, en las que abordó casi todos los géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere -sobre todo, en Francia- demasiado académica. Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.
En 1872 Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: aunque con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra “La princesse jaune”. A esta misma época pertenecen también algunas de las producciones sinfónicas más importantes del músico en cuestión: los poemas “La rueca de Onfalia” (1871), “Phaéton” (1873) (Max McBride & The Sydney Youth Orchestra), “Danza macabra” (1874) (Ensemble Musica Nigella / Pas-de-Calais & dir. Takénori Némoto Violín solo, Lisa Schatzman) ó “La jeunesse d'Hercule” (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para piano, “en sol menor” (1868) (Georgii Cherkin - piano), “mi bemol mayor” (1869) y “do menor” (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos. Su “Sinfonía nº 3 opus 78” en do menor (1886) aparece entre sus mejores composiciones.
La infatigable actividad creadora de Saint-Saëns abarca todos los campos de la música y todas las combinaciones instrumentales y vocales posibles. Sin embargo, su gran aspiración fue siempre el teatro. Le dio ocasión a ello Liszt, su gran admirador, quien promovió en Weimar la representación de “Sansón y Dalila”, (Maria Callas & Georges Pretre), celebrada el 2 de diciembre de 1877; se trata de la mejor obra del músico, tanto por su vigoroso planteamiento como por la fuerza de los coros y la amplitud descriptiva del ambiente, y es la única aún hoy representada.
Ana Pavlova bailando El cisne.
Las composiciones posteriores de Saint-Saëns presentan bien valor académico y formal, dentro de una cuidadosa dignidad de construcción -así, el “Concierto para violonchelo en La menor Op. 33” (1872) Parte 1, Parte 2, Parte 3, (Cello: Jacqueline Du Pre, Orquesta: The Philadelphia Orchestra, Dir.: Daniel Barenboim), “Henri VIII” (1883), “Sonata para violoncelo y piano nº 2 OP. 32” (Christian Poltéra, cello, Kathryn Stott, piano), “Ascanio” (1890), “Déjanire” (1898), los dos conciertos: “Concierto para violín en do mayor” (1879) y “Concierto para violín en si menor” (1880) (Vadim Brodski, violín), "Sonata pata para violín y piano" Op. 75 (1885) (Frank Peter Zimmermann, violin, Enrico Pace, piano) “Sinfonía en do menor con órgano y dos pianos” (1886), y el quinto “Concierto para piano” (1895) (Sviatoslav Richter) -, o bien meramente descriptivo y agradable, como en su "fantasía zoológica". Camille Saint-Saens compuso “El Carnaval de los animales” en 1886, aunque mucho tiempo no la interpretó en sus conciertos y prohibió que se hiciera, tan sólo permitía la ejecución de “El cisne” (Yo-Yo Ma, chelo) porque le preocupaba que afectara a su reputación de compositor serio. Esta prohibición fue revocada en su testamento.
“El Carnaval de los animales” (1-7), (8-13) (Charles Dutoit, Christopher van Kampen, Cristina Ortiz, London Sinfonietta & Pascal Rogé), es una fábula musical, e incluso una sátira. La orquestación tan extraña como apropiada está interpretada por dos pianos, dos violines, una viola, un violonchelo, un contrabajo, una flauta, un clarinete, un acordeón y un xilófono.
Otras obras posteriores de gran elegancia son, entre otras, el “Cuarteto de cuerdas nº 1 Op.112” (1899) Parte 1, Parte 2, Parte 3 (Mathilde Milwidsky, Venetia Jollands, Emily Kay & Robert Max) o “Violines en la tarde” (según un poema de Anna de Noailles), para voz, violín y piano. (1907) (Philippe Jaroussky - contratenor, Jérôme Ducros – piano, Renaud Capuçon – violin) , entre otras.
También escribió música de escena para “Horace” (1860), “Antigone” (1893), “Lola” (1900), “Andromaque” (1903), “On ne badine pas avec l’amour” (1917); cantatas y oratorios, como “Le Déluge” (1875), “La Fiancée du Timbalier” (1887), “La Nuit persane” (1891) (Natalie Dessay, soprano), “Hymne à la paix” (1919), “Ivanhoé”; música religiosa: una “Messe” (1856) 2- Gloria (Roy Massey, organ Worcester Cathedral Choir & Donald Hunt), el “Oratoire de Noël” y su “Requiem” (l'Orchestre National d' Île de France', dir. Jacques Mercier & Michel Piquemal & 'Choeur Régional Vittoria d'Île de France)
Durante los últimos años de su vida Saint-Saëns fue interesándose cada vez más por la música popular árabe; pero su producción no anduvo, en este ámbito, más allá de un genérico orientalismo amanerado. Acariciado por el honor y la fama, terminó casi repentinamente sus días en Argel, donde pasaba el invierno desde hacía ya algunos años, poco después de la primera Guerra Mundial, en cuya época figuraba entre los nacionalistas más ardientes. Notables son también los artículos que publicó durante su vida en diversos periódicos y revistas, reunidos en los volúmenes “Harmonie et mélodie”, “Portraits et souvenirs” y, singularmente, “École buissonnière.”
Casino de Dieppe
El 6 de agosto de 1921, para celebrar sus 75 años de carrera como pianista, dio un concierto de sus obras en el Casino de Dieppe. El 21 fue a Béziers para dirigir una reposición de Antígona. De regreso a Argel, donde pasaba largas temporadas, trabajó en la orquestación de algunas obras. Camille Saint-Saëns falleció, víctima de sus afecciones pulmonares el 16 de diciembre de 1921, a los 86 años, en el Hôtel de l’Oasis, de Argel, en un día que pasó apaciblemente y en el que trabajó un poco e incluso cantó algunas arias de Verdi.
Sus restos mortales se trasladaron a París para celebrar el 24 de diciembre un funeral de estado, de una majestuosidad imponente, en la iglesia de la Madeleine. Se inhumaron en el cementerio de Montparnasse, al lado de los de su madre y de los de sus dos pequeños. Allí leyó un discurso Léon Bérard, Ministro de Instrucción Pública y Bellas Artes que finalizaba con las siguientes palabras: "Las obras maestras de Saint-Saëns son uno de los más gloriosos resplandores del genio francés."
El 8 de octubre de 1948 nació en Nueva York el guitarrista norteamericano John Williams Cummings, Johnny Ramone. Fue uno de los fundadores de la legendaria banda de punk americana Ramones (1974-1996). Además del cantante Joey, Johnny fue el único miembro que permaneció desde la fundación hasta su fin en 1996.
El estilo agresivo de Johnny a la guitarra fue uno de los factores clave que hicieron de los Ramones uno de los grupos más influyentes del rock. Y en eso deben estar de acuerdo tanto la revista Rolling Stone como Time Magazine cuando ambas lo catalogan como uno de los veinte mejores guitarristas de todos los tiempos.
John Cummings creció como hijo único en una familia obrera del barrio neoyorquino de Queens. La educación autoritaria de su padre -albañil de profesión-, tendría bastante que ver en su formación, ya que la disciplina adquirida con él sería la que aplicaría más tarde dirigiendo a la banda. Sus primeras experiencias musicales las tuvo a mediados de los años sesenta como bajista del grupo escolar Tangerine Puppets. Aquí conoció a Thomas Erdelyi, el guitarrista de la banda escolar, que sería, bajo el nombre de Tommy Ramone, el futuro productor y batería de los Ramones.
También en la misma high-school (a la que según sus propias palabras no faltó ni un sólo día) trabó amistad con Douglas Colvin, más tarde conocido como Dee Dee Ramone. Asímismo entró en contacto con Jeffrey Hyman (futuro Joey Ramone), a quien consideró entonces un 'hippie'. Cuando terminó los estudios anduvo varios años mezclado en todo tipo de actividades delictivas, una época que años más tarde comentaría de este modo: "Era un chico malo; cada minuto del día. Desde que me levantaba hasta que me acostaba a dormir." Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, cambió de la noche a la mañana, abandonó el alcohol y las drogas y se propuso, haciendo acopio de toda la autodisciplina de la que fue capaz, llevar una vida recta, para lo que comenzó a trabajar de albañil, como su padre.
Unos años después, se reencontró con Douglas Colvin y ambos se compraron una guitarras para formar un grupo, el grupo que en febrero de 1974 se daría a conocer como Ramones.
La música de Ramones tomaba como modelos grupos como The Who, Kinks, Beach Boys, Stooges y MC5, además de los grandes del rock and roll de los años cincuenta. Típicas eran las estructuras y armonías simples, así como la ausencia de solos, introducciones o puentes.
Crearon de ese modo la antítesis de estilos como el rock progresivo o la fusión. Los temas tenían la característica de estar interpretados a gran velocidad y a gran volumen. Igualmente simples eran las letras, que muchas veces recordaban a rimas infantiles, aunque en ellas trataban problemas de temática social y se hacian las grandes preguntas existenciales de los setenta. Cuando Tommy Ramone dejó el grupo en 1978, fue Johnny el que tomó las riendas de la dirección artística del grupo. Comparaba el grupo con un equipo de base-ball, diciendo que él era el entrenador. Su papel autoritario en la banda dio lugar a una imagen equivocada de Johnny, que fue el más incomprendido del grupo.
Tampoco ayudaron a ello sus ideas políticas. Miembro de la Asociación Americana del Rifle y votante confeso de los republicanos, su ideología chocaba con la del resto del grupo. Más conflictos en el seno de la banda surgieron cuando Johnny le birló la novia a Joey Ramone, con la que se casaría a finales de los noventa. Joey descargó su rabia en el tema 'The KKK took my baby away'(El Ku KLux Klan se llevó a mi chica', haciendo referencia a la filiación política de Johnny). Desde aquel episodio Joey y Johnny permanecieron años sin hablarse, aunque continuaron tocando profesionalmente juntos en Ramones.
A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 álbumes y un total de 212 canciones. A pesar de su fama e influencia actuales, el grupo sólo consiguió un disco de oro gracias al recopilatorio 'Ramonesmania' en 1988 y sólo dos de sus álbumes, 'Rocket to Russia' (1977) y 'End of the Century' (1980) consiguieron sobrepasar el top 50 en el Billboard estadounidense. Ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial y sin embargo ocupan con todo merecimiento un sitio de honor en el rock del siglo XX. La banda se disolvió en 1996 y Johnny murió en septiembre de 2004 a los 55 años.
El 7 de octubre de 1944 nació en Oakland (California) la cantautora estadounidense Judee Sill, redescubierta por muchos a comienzos de los años 2000, 25 años tras su muerte. Influida por las métricas y suites de Bach, sus canciones trataban sobre el éxtasis y la redención cristiana.
Judee pasó su infancia en el bar de su padre, que murió en 1952 de una infección pulmonar. Su madre, alcohólica crónica, se casó entonces con Kennetth Muse, un dibujante animador de la serie 'Tom y Jerry', que compartía con ella el amor por la botella. Judee intentó escapar del hogar a través de una boda apresurada, pero fue capturada y la boda anulada. Tras unos episodios en los que se vio involucrada en robos a mano armada, fue ingresada en un correccional. Una vez cumplida esta etapa, se matriculó en el Valley College de Los Angeles para estudiar música.
Al mismo tiempo se ganaba la vida tocando en bares y no tardó en consumir drogas y sucumbir a la heroína. Se casó con el también drogodependiente pianista Bob Harris, que murió en 1973 de una sobredosis. Para entonces, Judee ya había abandonado la relación que más de una vez la había llevado a robar y a prostituirse para conseguir droga. Tras una estancia en la cárcel y estar una vez a punto de morir de sobredosis, abandonó las drogas por completo.
Se enfrascó entonces en la lectura de libros religiosos y místicos y retornó a la costa oeste donde conoció a David Geffen, que había estrenado nuevo sello con Asylum y que contaba con otras cantautoras como Joni Mitchell y Carole King. Geffen le ofreció un contrato y Sill grabó el primer disco que publicó Asylum. Su primera grabación fue 'Jesus was a crossmaker', producida por Graham Nash. "Si no hubiera escrito esa canción, solo me quedaba el suicidio", comentaría Judee después. A continuación graba su primer álbum, 'Judee Sill', con temas como 'Crayon angels' y 'Lady O', que había compuesto dos años antes para The Turtles.
Su música, una mezcla de folk y country inyectado con piano gospel y cuerdas barrocas y madrigales medievales, hace que Judee Sill pase a formar parte de lo que de inmediato se conoce como Laurel Canyon Sound, delicadas pero duras canciones confesionales y
californianas. “Bach, Pitágoras y Ray Charles, en ese orden”, respondió Judee Sill una de
las veces que le preguntaron cuáles eran sus influencias. Sus cuidadas composiciones, y sus personales textos, llenos de referencias místicas y religiosas, así como su claro tono de voz ayudan a que sea rápidamente conocida en los círculos de folk y durante un tiempo acompaña a Graham Nash y David Crosby como telonera en sus conciertos.
En 1972 y 1973 actúa en Inglaterra donde aparece en directo por TV y en Radio One. Al año siguiente aparece su segundo álbum, 'Heart Food', grabado con la colaboración de músicos como Buddy Emmons, Spooner Oldham, Chris Ethridge, Jim Gordon y Doug Dillard. y en el que disfrutó de plena libertad creativa. Geffen satisfizo todos sus caprichos y dispuso de orquesta sinfónica y coros celestiales. Con temas como 'Soldier of the heart', 'The kiss' y 'The pearl', el espíritu es el mismo que en el primer álbum, pero composiciones litúrgicas como 'The donor' lo hacen aún más extremo en su intensidad evangélica y sexual.
Demasiado para lo que se escuchaba entonces. Una gira por Londres (donde, desde el escenario, rogaba al público que comprara sus discos para “no tener que seguir teloneando a bandas de mierda como la que tocará hoy después de mí”) apenas sirvió para darla a conocer. Desilusionada, Judee Sill se distancia de Geffen, a pesar de tener ya grabadas algunas canciones, nunca termina su tercer álbum, sale a conducir a toda velocidad por las noches de Beverly Hills y tiene varios accidentes de tráfico que afectaron su espalda y la engancharon a los calmantes.
Luego Judee Sill desapareció de los sitios que solía frecuentar, sitios, que también solían desaparecer habitualmente. Cuando en noviembre de 1979, se anunció su fallecimiento por "una aguda intoxicación de cocaína y codeína", todos se asombraron mucho. Les sorprendió su muerte porque en realidad pensaban que Judee Sill había o debería haber muerto varios años antes. 25 años después es redescubierta y en 2005 aparece al doble álbum 'Dreams come true', que contiene las ocho canciones acabadas en 1974, así como versiones alternativas y maquetas. Al año siguiente, bajo el nombre 'Abracadabra' se publica otro doble con sus dos únicos álbumes oficiales, y, finalmente, en 2007 se editan las grabaciones que Judee realizó en los estudios de la BBC entre 1972 y 1973, 'Live in London'.
El 7 de octubre de 1939 nació en Stafford (Inglaterra) el músico británico Colin Cooper, cantante solista y saxofonista del grupo inglés Climax Blues Band formado en 1968. Son a menudo incluidos en las listas de 'one hit wonders' por su éxito 'Couldn't get it right' de 1976.
Climax Blues Band
Fue Top10 en el Reino Unido y Top5 en las listas Billboard estadounidenses y aún hoy se puede escuchar en numerosas emisoras de pop-rock americanas. Lograron algún éxito menor más como 'Gotta have more love' (1980) y 'I love you' (1981).
`Tightly Knit' (1971)
The Climax Blues Band publicaron dieciocho álbumes hasta 2004, aunque no volvieron a lograr un éxito de ventas, pero sus álbumes mantuvieron un nivel de popularidad suficiente como para aguantar hasta nuestros días en los que la banda sigue funcionando. Entre ellos, destacan álbumes como 'Tighly Knit' (1971), 'Sense of Direction' (1974), 'Shine On' (1978) y 'Blues from the Attic' (1995). Cooper murió en julio de 2008 a los 68 años.
El 7 de octubre de 1927 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el cantante y actor italoamericano Al Martino. Al trabajaba de albañil en el negocio familiar de construcción antes de convertirse con el tiempo en uno de los crooners más queridos del público norteamericano. Con el aliento de su amigo de la infancia Mario Lanza, Martino comenzó a cantar en clubs locales lo que le llevó a presentarse en un concurso de talentos de la televisión que ganó.
Consiguió un contrato discográfico y desde 1952 comenzó a enlazar una serie de éxitos, incluido 'Here in my heart', que fue el primer nº1 de las listas inglesas el 14 de noviembre de 1952, listas oficiales de ventas iniciadas esa fecha por la revista musical New Musical Express. Su mayor éxito internacional en los años sesenta fue 'Spanish eyes' (1965) (composición de Bert Kaempfert, pensada en principio para el cantante austriaco Freddy), que destacó entre muchos otros como 'I love you because' (1963), 'I love you more and more every day' (1964) y'Mary in the morning'(1967).
En 1972 interpretó el papel del cantante Johnny Fontaine en la saga de 'El Padrino', que muchos entendieron como un guiño a la vida de Sinatra, aunque también guardaba similitudes con la propia vida de Martino. En los años setenta siguió grabando y colocando sencillos en las listas americanas y en 1975 consigue otro éxito internacional con su versión 'disco' de 'Volare'. Publicó más de 35 álbumes en su carrera
En 2005 protagonizó un corto sobre la vida de un crooner acabado en 'Cutout'. Tras pasar una temporada en el Reino Unido, Al Martino murió en octubre de 2009, seis días después de haber cumplido los 82 años.
El 7 de octubre de 1911 nació en Chicago el baterista de jazz Jonathan 'Jo' Jones. Nacido como Jonathan David Samuel Jones, se mudó a Alabama donde aprendió a tocar varios instrumentos como trompeta, saxofón y piano.
Sus primeras experiencias profesionales las tuvo como cantante y bailarín de claqué en los shows ambulantes y más tarde como vibrafonista en orquestillas de dixie. En 1930 se decidió finalmente por la batería y se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City y seguidamente en 1936, a Count Basie en Kansas City. Pocos músicos han definido a una big band sentados a la batería con tanta fuerza como Jonathan Jo Jones hizo con Count Basie. Cuando los primeros discos de Basie salieron en 1937, su sección rítmica era una revelación y una revolución al mismo tiempo.
Un maestro del charles (uno de sus apodos era 'Mr. hi-hat'), Jones sacaba de él un sonido relajado con acentos ligeros antes o después del ritmo fuerte. Sin tocar apenas el bombo, sonaba con un poderío y potencia increíbles, y se convirtió en líder de su generación. Sirvió de modelo para el estilo bebop de Kenny Clarke, Art Blakey y Max Roach. Permaneció con el 'conde' hasta 1948, exceptuando el periodo en el que tuvo que cumplir con el servicio militar (1944-46)
Posteriormente se estableció como freelancer, se le pudo ver en repetidas ocasiones con Jazz at the Philarmonic y en 1950 tocaba con Gene Ammons.
Teddy Wilson, Jo Jones y Lester Young
Ese mismo año comenzó a liderar grupos propios con Ray Bryant,Teddy Wilson y Bilie Holiday, entre otros. También grabó en esta época temas memorables con Lester Young. Adoptó el apodo 'Papa' Jo Jones' para distinguirse de 'Philly' Joe Jones.
En 1964 acompañó a Coleman Hawkins, en 1971 se unió a Slam Stewart y en 1972 a Benny Carter. Un año más tarde mostró en el legendario doble álbum 'The Drums' con su propia voz y ejemplos prácticos las diferentes técnicas y estilos a la batería. Al mismo tiempo se le podía ver regularmente con Milt Bruckner. En 1976 dirigió una banda de All Star con Harry 'Sweets' Edison, Roy Eldridge, Vic Dickenson, Eddie 'Lockjaw' Davis, Tommy Flanagan, Freddie Green y Sam Jones ('The Main Man')
Murió en septiembre de 1985 a los 73 años.
Otras obras posteriores de gran elegancia son, entre otras, el “Cuarteto de cuerdas nº 1 Op.112” (1899) Parte 1, Parte 2, Parte 3 (Mathilde Milwidsky, Venetia Jollands, Emily Kay & Robert Max) o “Violines en la tarde” (según un poema de Anna de Noailles), para voz, violín y piano. (1907) (Philippe Jaroussky - contratenor, Jérôme Ducros – piano, Renaud Capuçon – violin) , entre otras.
