Giuseppe Verdi

El 10 de Octubre de 1813 nació en Le Roncole (Italia), Giuseppe Verdi, el más notable compositor de ópera italiana y puente entre el “bel canto” de Rossini, Donizetti y Bellini y la corriente del verismo y Puccini.

Casa natal de Verdi en Le Roncole

Giuseppe Verdi vino al mundo en el pequeño pueblo Le Roncole, vecino a la ciudad de Busseto, en las tierras bajas de Lombardía. En 1814, los austríacos expulsan a los franceses y ocupan todo el norte de Italia, y lo incorporan durante varios decenios a la monarquía Habsburgo. Gracias al patrocinio de su generoso mecenas, Antonio Barezzi, comerciante mayorista y promotor de músicos jóvenes, Verdi ingresa en el liceo de Busseto en 1823. Los domingos, Verdi toca el órgano en la pequeña iglesia de Le Roncole e inicia sus estudios de música con Ferdinando Provesi en Busseto.

En 1828 se representa 'El Barbero de Sevilla' de Rossini en Busseto, para lo cual se encomienda a Verdi componer y presentar una obertura de su propia creación. Junto con ella crea una serie de obras. En 1832, la Duquesa María Luisa de Parma, ex-emperatriz de Francia, le asigna una beca para proseguir sus estudios musicales en Milán. Pero el conservatorio de esa ciudad le rechaza por motivos nunca aclarados del todo. No obstante, permanece en Milán, encuentra en Vincenzo Lavigna, director de la Scala, a un excelente maestro y, con su ayuda, asiste a menudo a las funciones de este importante coliseo. Por esa época había compuesto su primera ópera, “Oberto”, la que estrenó en 1839 en La Scala, logrando un evento considerable.

Este éxito motivó al empresario Bartolomeo Merelli, a encargarle tres nuevas obras. Mientras componía la primera de ellas, titulada “Un Giorno di Regno”, Verdi sufrió la muerte de su esposa, tragedia que se sumó a las anteriores muertes de sus dos hijos, entre 1838 y 1840.
Estos hechos afectaron notoriamente la creación del trabajo que, por tratarse de una ópera bufa, no pudo tener el carácter adecuado y su estreno fue todo un fracaso. Aunque el músico no deseaba continuar componiendo, el empresario le impulsó a retomar su labor y le mostró un libreto de Temistocle Solera.
Atraído por el texto, Verdi concibió su primer gran éxito, “Nabucco”, una ópera en cuatro actos, basada en el Antiguo Testamento y la obra Nabuchodonosor de Francis Cornue y Anicète Bourgeois , (The Metropolitan Opera) cuyo estreno en La Scala de Milán, en 1842, tuvo un éxito sin precedentes. Este triunfo se repitió en La Scala en 1843 con su siguiente ópera, “Los Lombardos”.

Tal éxito se debió, en primera instancia, al profundo sentido de identidad nacional que ambas óperas promovían. Verdi se convirtió en un símbolo de la resistencia italiana al dominio austriaco y, siendo un ferviente patriota, supo formular un estilo con el que su pueblo se identificó plena e inmediatamente.

A diferencia de “Nabucco” y “Los Lombardos”, que todavía reflejan la influencia de Rossini, la siguiente creación de Verdi, llamada “Ernani”, dió el primer paso hacia la obtención de una identidad creativa y un intento por renovar las estructuras operísticas convencionales. “Ernani” fue compuesta para Venecia en 1844 utilizando un libreto de Francesco Maria Piave basado en la obra homónima de Victor Hugo: "Surta è la notte...Ernani! Ernani, involami" (Soprano, Dame Joan Sutherland).

Su estreno fue otro gran triunfo para Verdi y rápidamente alcanzó todos los teatros italianos;  casi al mismo tiempo obtuvo un éxito considerable en el resto de Europa, con la excepción de Francia, donde Víctor Hugo se opuso a su representación. Sólo en 1846, con un título diferente y habiéndose dado otra nacionalidad a sus personajes, la ópera pudo presentarse en la capital francesa. El éxito de “Ernani” atrajo numerosos encargos de diferentes teatros de Venecia, Nápoles, Roma y Florencia. En los siguientes tres años compuso cuatro obras (Los dos “Foscari”, “Juana de Arco”, “Alzira” y “Atila”) que tuvieron una aceptación relativa y no tan significativa como la de la ópera que se estrenó en 1847 en el teatro florentino La Pergola, “Macbeth” Acto IV, Escena 1 "Patria oppressa!" (Bruno Campanella & The Symphony Orchestra and Chorus of the Gran Teatre del Liceu)

Escena de Macbeth

Esta creación marca dos hitos significativos en la evolución de Verdi: por un lado, se trata de su primera realización basada en una obra de Shakespeare y, por otro lado, permite apreciar la dirección que toma su trabajo; ya cansado de batallas, soldados y tropas furiosas, el compositor comenzaría a preocuparse del "estudio del alma", centrando su interés en una psicología más profunda de sus personajes e intentando subordinar tanto el canto como la orquestación a las situaciones y a las tensiones de la trama.
No obstante, de las cuatro obras que siguieron a Macbeth, sólo “Luisa Miller” (Orchestra Gran Teatro "La Fenice" - Venezia / R.Abbado, Clarinete: Alessandro Fantini), logra continuar el estilo iniciado por esa obra.

A pesar de mantener la forma operística tradicional, su partitura logra superar las convenciones y ocupa una posición central en la creación verdiana, marcando el final de su primera etapa artística.

Después de “Luisa Miller”, Verdi sufrió el peor fracaso de su carrera con la ópera “Stiffelio”, un error que fue corregido, por así decirlo, con uno de sus mayores éxitos, “Rigoletto” - "La donna e mobile" (Alfredo Kraus, tenor), estrenada en 1851. Para su libreto, Francesco Maria Piave se basó en la obra teatral “El Rey se divierte”, de Victor Hugo, que había tenido en Francia algunos choques con la censura, opuesta a presentar en escena a un rey en situación libertina. Por motivos similares, la ópera de Verdi llamó la atención del gobierno militar de Venecia, que no quería dar su beneplácito a tal equívoco. Se hicieron negociaciones y se convino en que los personajes históricos dejaran sus puestos a otros imaginarios.

Con “Rigoletto” (Patricia Petibon & The Bayerisches Staatsorchester), sin ser del todo una ópera revolucionaria, Verdi puso en tela de juicio la noción académica y convencional del género, mostrando audacia antes que vanguardia. Su estreno en La Fenice se transformó en un triunfo sin precedentes que concedió al músico un renombre internacional y lo impuso de manera definitiva en el mundo artístico como un renovador de la ópera.
Siguieron dos obras igualmente trascendentales: La primera, “El Trovador”: “D'amor sull' ali rosee + Miserere d'un'alma già vicina” (Brigitte Hahn, soprano & The Nationaltheater-Orchester Mannheim).

La segunda, “La Traviata” (título original en italiano; en español, se ha traducido como “La descarriada” o “La extraviada”) es una ópera en tres actos con libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) “La dama de las camelias” (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon “Violetta”, por el personaje principal. (María Callas, soprano, Orchestra sinfonica di Torino della RAI, dir. Dir. Gabriele Santini, 1953) las que a pesar de estar aún basadas en las formas del antiguo drama italiano, su lenguaje y diversidad expresiva otorgan al canto un nuevo significado, dejando a los sentimientos el lugar que, hasta entonces, era ocupado por los efectos vocales artificiosos vacíos.

Con "La Traviata"- Obertura (Orchestra & Chorus of The Royal Opera House, Covent Garden, dir. George Solti), compuso uno de los trabajos más ricos y perfectos, en todo el teatro romántico, respecto a la penetración psicológica de los personajes y a la naturalidad con la que se suceden sus escenas.

Giuseppina Strepponi

Por ello, muchos críticos deploraron a Verdi al verlo tan decidido a deshacer las tradiciones, pero fue el público quien premió su labor acogiendo con enorme entusiasmo estas tres óperas, sin duda, las más populares del compositor.
Durante los años en que nacieron “Rigoletto”, “El Trovador” y “La Traviata”, el músico estaba viviendo con una soprano llamada Giuseppina Strepponi, quien era reconocida como una de las cantantes italianas más importantes y había participado en algunas de sus óperas.
Ambos tenían una relación amorosa bastante liberal que originó muchas polémicas, e incluso escándalos, sobre todo después de que en 1848 comenzaran a convivir; Verdi replicó con dureza a las críticas y, a la vez, sintió como un deber demostrar públicamente sus sentimientos a Giuseppina, encontrando en la ópera el medio perfecto para ello. Después de componer “Rigoletto”, “El Trovador” y “La Traviata”, Giuseppe Verdi comenzó a variar su estilo; sus obras cobraron mayor amplitud y sonoridad, transformándose en partituras más extensas y ambiciosas.

Verdi con Giuseppina y unos amigos

El primer paso hacia estas nuevas proporciones fue dado por “Las vísperas sicilianas” "Merce, dilette amiche" Acto 5 (Monserrat Caballé, soprano), estrenada en París en 1855 con gran éxito; aunque en Italia tropezó, al principio, con objeciones de la censura, esta ópera logró un evento similar, después que casi toda la península recobró su independencia política. Distinto fue el caso de “Simón Boccanegra” (Dmitri Hvorostovsky, Amelia Renee Fleming),ópera estrenada en La Fenice en 1857 y que, tal como le había sucedido a La Traviata cuatro años antes,tuvo un memorable fracaso.

Arrigo Boito y Verdi

Esta vez, sin embargo,se debió a su libreto, confuso y desordenado, el que provocó su fiasco. No obstante, algunos reconocieron ciertos elementos novedosos en la obra y Verdi, consciente de sus defectos y cualidades, decidió arreglarla dos décadas más tarde, utilizando un nuevo libreto redactado por Boito. Pocos meses después del estreno de "Simón Boccanegra", Giuseppe Verdi se dedicó a producir una versión revisada de Stiffelio, titulada “Aroldo”, y a negociar con el teatro San Carlo de Nápoles la representación de una nueva ópera. El libreto elegido se basaba en uno de Scribe sobre el asesinato del rey Gustavo III de Suecia en 1792, pero la censura napolitana no autorizó el proyecto, debido a que trataba un asunto histórico. Sabiendo que la censura romana era mucho más flexible y conciliadora, Verdi aceptó el ofrecimiento de un empresario de Roma para montar la ópera en el Apolo, aunque tuvo que trasladar la escena de la obra de Estocolmo a Boston y transformar al monarca en conde.

A pesar de todas estas dificultades, “Un Baile de Máscaras”: “Forse la soglia attinse... Ma se m'è forza perderti” (Acto III) (Franco Corelli) logró un acontecimiento memorable y desde su estreno, en febrero de 1859, se convirtió en una de las creaciones más finas de Verdi.

En ella el compositor desarrolla una renovada concepción del drama musical: primero, al asociar un elemento cómico que acusa la verdad humana de la acción; segundo, al otorgar mayor unidad temática, y tercero, al confiar a los instrumentos roles expresivos que los mezclan de manera individual a la trama, dando más colorido y variedad a la partitura.
Durante los años que siguieron al estreno de “La Fuerza del Destino” en San Petersburgo, Giuseppe Verdi efectuó varios viajes por Europa. Con ocasión de una corta visita a París el músico recibió un encargo: componer una ópera para la Exposición Universal de 1867. Se tituló “Don Carlos”: “Tu che la vanitá” (María Callas, soprano) y fue estrenada con moderado éxito en la Opera de París, debido a que no era una obra fácil, aún cuando posee todos los temas predilectos de Verdi: la patria, el amor, la libertad y la amistad.

Las diferentes corrientes que la recorren, una longitud desacostumbrada y un desarrollo simultáneo de los elementos que conforman la acción, la transforman en una ópera bastante confusa y compleja. Sin embargo, “Don Carlos” es una creación importante y abre un nuevo camino en la evolución estilística del compositor. Inmediatamente después del estreno de Don Carlos, el director de la Academia Imperial de Música propuso a Verdi la composición de una nueva obra para la reapertura de la Opera de París.
El maestro declinó la oferta y retornó a su país; en los siguientes años su creación disminuyó en cantidad pero se enriqueció con partituras logradísimas. Esta última etapa, influida directamente por “Don Carlos”, representa tanto la síntesis del estilo “verdiano”, como la suma y el resultado de tres siglos de arte lírico italiano.

El primer trabajo de este periodo fue comisionado por el gobierno egipcio para las festividades organizadas con motivo de la inauguración del Canal de Suez; habían pasado cuatro años desde la creación de Don Carlos, el mundo musical cambiaba rápidamente y, sin embargo, Verdi sorprendía, nuevamente, con una grandiosa composición, “Aída”. La ópera no pudo ser presentada en la ocasión prevista y tuvo que esperar hasta diciembre de 1871 para su estreno; tanto esta representación, como aquella que le siguieron, lograron un enorme éxito, demostrando que el maestro había alcanzado la plenitud de su arte.
Los sentimientos patriotas de Verdi encontraron una nueva expresión en el “Réquiem”: “Dies Irae” (Wiener Philharmonic, dir. Georg Solti, Joan Sutherland Soprano, Luciano Pavarotti, Tenor), que compuso en 1874 para Alejandro Manzoni, un poeta que había jugado un rol importante en el periodo del "Risorgimento".

Para comenzar la composición, Verdi empleó un “Libera Me” (Orchestra and Chorus of la Scala Milan, dir, Herbert von Karajan) que había escrito para una obra colectiva realizada tras la muerte de Rossini en 1868. El resto de la partitura fue tomando un carácter grandioso y lírico que, al momento de ser estrenada, fue criticada como excesivamente teatral.

Arrigo Boito

El arte y la personalidad de Verdi marcaron profundamente este Réquiem que, sin evocar problemas precisos de orden religioso, o incluso metafísico, revelan la espiritualidad del compositor al adquirir la verdadera conciencia de su condición humana. Después de componer este Réquiem pasaron 14 años antes de la aparición de la siguiente obra importante de Verdi. Aunque continuaba siendo una figura central en la música italiana y participaba activamente en la política de un país que, por fin, podía gozar de la anhelada unificación, se pensó que Verdi había dejado de crear. Sin embargo, Arrigo Boito, libretista y compositor, lo entusiasmó con un nuevo y ambicioso proyecto, basado en el Otello de Shakespeare.

Tres años demoró Verdi en la realización de esta ópera. A los 74 años, el afamado maestro reveló al mundo la más grande de todas sus óperas trágicas, una sublime creación que fusiona perfectamente la palabra, la acción y la música. Verdi contó con el mejor libreto que nunca antes se le ofreciera, y volcó en el una combinación de drama, éxtasis y compasión sin precedentes ni siquiera en su propia obra. Con todas sus innovaciones, “Otello”: “Ave María” es una continuación lógica de la evolución del estilo verdiano desde Nabucco hasta Aída.

Fue su última ópera, “Falstaff” Final (The Metropolitan Opera), la que sí constituyó un verdadero quiebre y una absoluta novedad. Esta comedia era la más ligera, fina y alegre que la música italiana había presenciado durante todo el siglo, mostrando una combinación muy diferente de música y poesía, donde todo es sutil, dinámico y desbordante de humor. Así lo entendió aquel público que la acogió, con una tormenta de aplausos, al momento de su estreno en La Scala, en febrero de 1883. Aunque todavía le quedaban algunos años de vida, Verdi se despidió con esta gran obra de la creación lírica.

En 1899, Verdi funda en Milán la “Casa di riposo”, un hogar para ancianos y casa de reposo para músicos. El 27 de enero de 1901 fallece Verdi a los ochenta y ocho años en Milán. Su hija adoptiva Maria Carrara cumple lo que al parecer fue su última voluntad: quemar sus cartas privadas y recuerdos. Sus restos son sepultados provisionalmente. El 26 de febrero, su ataúd y el de Giuseppina son trasladados con los máximos honores y con enorme participación popular, a la Casa di riposo de Milán, donde recibieron sepultura definitiva.

    Obras Destacadas:

• Obras Operísticas

- “Un Giorno di Regno” Obertura (Russell Harris & The Philharmonie Südwestfalen).

- “Nabucco”: “Scena ed aria di Abigaille” 

“Duetto Abigaille e Nabucodonosor”-"Donna chi sei", “Va Pensiero” (Orchestra y coro del teatro de la ópera de Roma & Riccardo Muti)

- “I Lombardi alla Prima Crociata” (1843) (Orquesta y Coro del Teatro La Fenice & Daniel Harding), “Te, Vergin santa" (María Callas & Orchestra de la Société des Concerts du Conservatoire & Dir. Nicola Rescigno)

- “Ernani” (1844) (Salvatore Licitra, Daniela Dessi, Thomas Hampson, Carlo Colombara y Nello Santi)

- “I Due Foscari” (1844) (Adriana Marfisi, Lucrezia - Miro Solman, Jacopo)

- “Giovanna d'Arco” Obertura (1845) (Royal Philharmonic Orchestra, & Andrea Licata), Acto III: “I Franchi!...Oh qual mi scuote rumor di guerra?” (Ambrosian Opera Chorus, Montserrat Caballé, James Levine, London Symphony Orchestra, John McCarthy & Sherrill Milnes)

- “Alzira” (1845) "Aria de Alzira" (Monserrat Caballé, soprano & Maja Sunara, mezzosoprano)

- “Attila” (1846) (Orchestra del Teatro alla Scala di Milano & Riccardo Muti)

- “Macbeth” (1847) (Claudio Abbado, Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano & Shirley Verrett)

- “I Masnadieri” (1847) (Richard Bonynge, dir.Welsh National Opera & Samuel Ramey)

- “Jérusalem” (1847) (José Carreras, Elaine Coelho, Samuel Ramey, Davide Damiani, Franz Hawlata & dir. Zubin Mehta)

- “Il Corsaro” (1848) Aria “Non so le tetre immagini” (Jessye Norman, soprano, Lamberto Gardelli, dir. & New Philharmonia Orchestra)

- “La Battaglia di Legnano” (1849) Aria "Quante volte come un dono" (Aprile Millo, soprano)

- “Luisa Miller” (1849) Dueto (Renata Scotto, S. Mildes)

- “Stiffelio” (1850) (Josep Carreras; Catherin Malfitano; Gregory Yusirich)

- “Rigoletto” (1850) (Riccardo Muti & Teatro de la Scala)

- “Il Trovatore” (1853) (The New Philharmonia Orchestra, Zubin Mehta)

- “La Traviata” (1853) Acto I : "Libiamo ne'lieti calici (Brindisi)" 

Acto II : “Dite alla giovine”, “Preludio”, "Alfredo, Alfredo, di questo core" 

Acto III: "Signora..." / "Che t'accadde?" - "Parigi, o cara, noi lasceremo" 

"Ah, non più!" - "Ah! Gran Dio! Morir sì giovine", "Prendi, quest'è l'immagine" (Anna Netrebko, Carlo Rizzi, Rolando Villazón & Wiener Philharmoniker)

- “Les Vêpres Siciliennes” (1855) Obertura (The Berliner Philharmoniker & Claudio Abbado)

- “Simon Boccanegra” (1857) (Boccanegra: Piero Cappuccilli, Fiesco: Nicolai Ghiaurov, Amelia: Mirella Freni, Gabrielle Adorno: Veriano Lucheti, Director: Claudio Abbado)

- “Aroldo” (1857) Obertura (Porta, Damato, Vassallo, Iori, Borin, Morandi Teatro Municipale di Piacenza)

- “Un Ballo in maschera” (1859)

- “La Forza del destino” (1862)

- “Don Carlos” (1867) "È dessa! ... Un detto, un sol" (Anja Harteros, Jonas Kaufmann & The Bavarian State Orchestra)

- “Aida” (1871) Dueto Parte 1, Dueto parte 2 (Marilyn Horne, Jose Carreras & Wiener Philharmoniker, dir. Herbert von Karajan)

- “Otello” (1887) “Ave María” (Renée Fleming, soprano)

- “Falstaff” (1893) - "Sul fil d'un soffio etesio" (Angela Gheorghiu, soprano)

• Obras No Operísticas
- “Suoni la tromba” (1848)

- “Messa per Rossini” (1869) (Satik Tumyan, Mezzosoprano)

- “Inno delle Nazioni” (1862)

- “Cuarteto de Cuerdas en Re Menor” (1873) Mov. 1 Allegro, Mov. 2 Andantino, Mov. 3 Prestissimo, Mov. 4 Scherzo/ Fuga (Delmé Quartet) 

- “Missa da Requiem” (1874) (Marina Poplavskaya - soprano, Mariana Pentcheva - mezzo-soprano, Joseph Calleja – tenor, Ferruccio Furlanetto – bajo & London Philharmonic Choir & BBC Symphony Orchestra)

- “Cuatro Piezas Sacras” (1889 - 1898) “Te Deum” (Orchestra e coro del teatro alla Scala & dir. Daniel Barenboim)

- “Canciones”

John Entwistle

El 9 de octubre de 1944 nació en Chiswick, Londres (Inglaterra) el músico John Entwistle, conocido por haber sido bajista de los Who. Su estilo endiabladamente rápido y ruidoso con el instrumento era tan importante en el sonido del grupo como la voz de Daltrey, las composiciones y la guitarra de Pete Townshend o la anárquica pero esencial batería de Keith Moon. Entwistle también tocaba la trompeta y el piano, cantaba y componía canciones. Su forma de tocar el bajo como si fuera una guitarra influyó a muchos bajistas como Geddy Lee, Phil Lesh o Billy Sheehan.

Fue el primer bajista en usar amplificadores Marshall, los cuales normalmente estaban reservados a guitarristas y asimismo fue el primero de los miembros de los Who en publicar un álbum en solitario: 'Smash Your Head Against the Wall' en 1971. Le siguieron 'Whistle Rhymes' (1972), 'Rigor Mortis Sets In' (1973), 'Mad Dog' (1975), 'Too Late the Hero' (1981) y 'The Rock' (1996). Bill Wyman de los Stones una vez lo definió como "el hombre más tranquilo en privado y el más ruidoso sobre el escenario" y está considerado uno de los mejores bajistas de rock de la historia.

John permaneció con los Who los más de treinta años que el grupo permaneció unido, tocando con su propia banda o con la de Ringo Starr en los descansos que se tomaba el grupo entre disco y disco. Aparentemente John no era una lumbrera administrando su dinero y en sus últimos años con The Who, fueron la amistad y caridad de Daltrey y Townshend las que mantuvieron el estado financiero de Entwistle a flote. En junio de 2002 un día antes de comenzar una gira, John Entwistle fue encontrado muerto a los 57 años en una habitación del Hard Rock Hotel de Las Vegas. La causa fue un infarto provocado por una sobredosis de cocaína.

John Lennon

El 9 de octubre de 1940 nació en Liverpool John Lennon. Como guitarrista y principal compositor junto con Paul McCartney, fue la visión y el liderazgo de Lennon lo que condujo a la transformación de la pequeña banda de skiffle de Liverpool en el mejor grupo de la historia.

Hijo de un Alfred y Julia Lennon, vivió con sus padres hasta los cinco años. Su padre Alfred, marino mercante que pasaba largas temporadas navegando, abandonó el hogar cuando en uno de sus regresos descubrió que Julia estaba embarazada de otro hombre. A partir de entonces se hizo cargo de él su tía Mimi, hermana mayor de Julia, que moriría en 1958 atropellada por un coche.

Lennon consiguió su primera guitarra con dieciséis años y en un año formó The Quarrymen. Al año siguiente (1958) conoció a Paul McCartney a quien invitó unirse al grupo y únicamente le bastó a Paul para ello conocer cuatro acordes y demostrar su habilidad afinando una guitarra. Con la incorporación de George Harrison y más tarde Ringo Starr, se convertirían en el grupo que a lo largo de la década siguiente cambió la historia de la música popular.

Con los Beatles fue la cara cínica, rebelde y agria del cuarteto en contraposición con el lado tierno, romántico -aunque para algunos superficial-, de Paul. Eso se notaba en sus composiciones en las que sus hábiles juegos de palabras le procuraron más de un problema por las malas o no tan malas interpretaciones de sus textos. Aunque firmaban sus canciones como Lennon/McCartney, la mayoría eran o de uno o de otro, habitualmente quien cantaba la voz solista era el compositor, así 'Please please me', 'It won't be long', 'A hard day's night', 'I feel fine', 'Help', 'Ticket to ride', 'Nowhere man', 'Rain', 'I'm only sleeping', 'Strawberry fields forever', 'All you need is love', 'I am the walrus', 'Happiness is a warm gun', 'Julia', 'Yer blues', 'Sexy Sadie', 'Don't let me down', 'Across the universe', 'Come together', 'I want you' o 'The ballad of John & Yoko', eran, sin lugar a dudas, 100% de Lennon.

Tras la ruptura en 1970, Lennon comenzó a grabar álbumes con su segunda esposa Yoko quien le acompañaba tanto en las grabaciones como en sus múltiples reivindicaciones y protestas pacíficas desde la cama de un hotel en Amsterdam, o enviando semillas a los principales dirigentes mundiales rogando a todos que le dieran una "oportunidad a la paz".

Yoko y John en Amsterdam

Temas como  'Give peace a chance', 'Cold turkey', 'Instant karma', 'Power to the people', 'Happy x-mas (war is over)' mantuvieron a Lennon vigente durante un tiempo en el que el mundo y la sociedad americana sufrieron profundos cambios. También Lennon sufrió transformaciones. Él y Yoko pasaron por la terapia primal con el Dr. Arthur Janov en Los Ángeles. Diseñado para liberar el dolor emocional de la niñez temprana, el tratamiento consistía en dos medios días a la semana con Janov durante cuatro meses.

Su primer álbum en solitario (sin contar las indescriptibles experiencias anteriores con Yoko 'Unfinished Music No.1: Two Virgins', 'Unfinished Music No.2: Life with the Lions' y 'Wedding Album') fue 'Plastic Ono Band', en el que arropado por viejos amigos como Klaus Voorman, Ringo Starr y Billy Preston ofreció una obra tremendamente personal en el que Lennon se confiesa públicamente y rompe con su pasado de Beatle, con temas como 'Mother', 'Working class hero', 'Love' y 'God'.
Se instaló en Nueva York con Yoko y en 1971 publicó 'Imagine', su trabajo más popular, que contenía una canción en la que descargó toda su rabia contra su ex-colega McCartney: 'How do you sleep', un tema muy duro con Paul en el que John únicamente le atribuía el mérito de 'Yesterday'. Otros grandes temas del álbum fueron 'Jealous guy', 'Oh my love' e 'Imagine' que, aunque popular en su momento, adquirió su verdadera fama internacional convirtiéndose en himno universal a partir de la muerte de John.

Continuaron una serie de trabajos menos homogéneos como el directo 'Some Time in New York City' (1972) y 'Mind Games' (1973).

John Lennon y May Pang

Estos discos precedieron a su separación de Yoko, su famoso 'lost weekend' acompañado de la asistente personal de Yoko, May Pang, en el que, a pesar de entregarse a la vida disoluta y a la botella junto a viejos amigos como Harry Nilsson y Phil Spector, logró firmar trabajos como 'Walls and Bridges' (que contiene 'Whatever gets you through the night', el único nº1 de su carrera en solitario, aunque compartido con Elton John) y 'Rock and Roll', con versiones de oldies de los cincuenta. Esta etapa de su vida, le sirvió para quitarse de encima ese complejo de apóstol de la cultura y misionero político que arrastraba, así como para recuperar viejas amistades y cerrar heridas, como su relación con Paul.

John, Sean y Yoko

De vuelta con Yoko, el día de su 35 cumpleaños nació su segundo hijo Sean al que dedicó cuerpo y alma, abandonando la música durante cinco años, mientras Yoko se encargaba de administrar y acrecentar la fortuna familiar. En noviembre de 1980 se publicó 'Double Fantasy' con magníficas críticas y el regocijo de sus fans, ya que Lennon en los cinco años que dedicó a la crianza de su hijo Sean no había vuelto a pisar un estudio. El álbum contenía temas como '(Just like) Starting over', 'Woman' y 'Beautiful boy'.

John firma un autógrafo al asesino

Tres semanas después, mientras celebraban todavía la buena acogida del disco, un perturbado, a quien poco antes había firmado un autógrafo, lo asesinó sin sentido disparándole cinco veces por la espalda cuando John salía de su casa en el edificio Dakota de Nueva York. Lennon tenía 40 años el día de su muerte, y a partir de entonces -aunque suene a tópico y relamido- el mundo no volvió a ser el mismo.
En 1984 Yoko Ono publicó un nuevo álbum acreditado a ambos: 'Milk and Honey' en el que se incluían seis temas grabados por John antes de morir, como 'I'm stepping out', 'Nobody told me' y 'Borrowed time'.

Olga Guillot

El 9 de octubre de 1922 nació en Santiago de Cuba la cantante conocida como 'la reina del bolero' Olga Guillot. Fue descubierta en 1954 cuando cantaba en los locales de La Habana y fue invitada a viajar a Nueva York donde Decca Records le ofreció un contrato discográfico.

Con motivo de la revolución cubana Olga se traslada a Venezuela y posteriormente a México. Su oposición al régimen de Castro hizo que su música fuera prohibida en la isla. En pocos años, Guillot conquistó al público con su manera apasionada de interpretar temas como 'Tú me acostumbraste', 'La gloria eres tú', y 'Miénteme', de Chamaco Rodríguez. Entre sus demás canciones destacan 'Soy tuya', 'No', 'La noche de anoche', 'Qué sabes tú', 'Voy', 'La mentira', 'La canción de mis canciones', 'Palabras calladas', 'Lágrimas negras', 'Campanitas de cristal', 'Contigo en la distancia' y 'Sabor a mi'.

Reconocida ya como una gran figura, el 31 de octubre de 1964 realizó su primer e histórico concierto en el Carnegie Hall de Nueva York siendo la primera artista de habla hispana en presentarse en ese prestigioso teatro. A lo largo de su carrera de más de cuarenta años obtuvo 20 discos de oro, 10 de platino y uno de diamante. Olga Guillot, considerada una de las exponentes musicales más relevantes de Cuba al igual que Celia Cruz, murió de un infarto en julio de 2010 a los 87 años.

Camille Saint-Saëns

El 9 de octubre de 1835, nació en París el compositor, director de orquesta, organista y pianista francés de música académica, Charles Camille Saint-Saëns. Perdió el padre cuando contaba solamente cuatro meses, y recibió la primera formación musical de su madre y de una tía; se mostró tan precoz en tal aspecto que a los cinco años pudo ya componer para el piano. Fue confiado entonces a la guía del pianista Stamaty, el cual lo presentó como pequeño virtuoso del piano en 1845.

El entrenamiento musical de Saint-Saëns comenzó tempranamente: a los dos años y medio comenzó a aprender piano con su tía- abuela, a los tres años compuso su primera pieza para piano. A los siete empezó a estudiar composición, y a los once ya estaba presentándose a tocar Bach y Mozart ante audiencias embelesadas. Saint-Saëns acabó convirtiéndose en un virtuoso del piano, aclamado por Franz Liszt como el mejor organista del mundo. Estudió órgano con Benoit y composición con Halévy. En 1852 ganó un concurso con una Ode à Sainte Cécile; en 1853 fue nombrado organista de St. Merry, y en el año 1857 alcanzó el mismo cargo en la Madeleine; en 1861 obtuvo la cátedra de piano de la escuela Niedermeyer. Su primera obra teatral, Le timbre d'argent (1864-1865), no pudo llegar a la escena.

Músico muy dotado —fue un virtuoso pianista y también un excelente improvisador al órgano—, espíritu curioso por todo, escritor, caricaturista, gran viajero, Saint-Saëns desempeñó un papel excepcional en la renovación de la música francesa, tanto por su enseñanza —tuvo como alumnos, entre otros, a Gabriel Fauré y a André Messager—, como, sobre todo, por su actividad en favor de la música nueva —fue uno de los fundadores de la «Société Nationale de Musique», destinada a tocar y difundir la música francesa. Puede considerársele un jalón esencial de la renovación que condujo a Claude Debussy y a Maurice Ravel.

Saint-Saëns fue un intelectual multifacético. Desde pequeño se dedicó al estudio de la geología, la arqueología, la botánica y la entomología (específicamente a la rama de los lepidópteros). Fue también un excelente matemático. Además de la actividad musical como compositor, intérprete y crítico, se dedicó a las más variadas disciplinas, y se entretuvo en discusiones con los mejores científicos europeos y escribió doctos artículos sobre acústica, ciencias ocultas, escenografía teatral en la Roma Antigua e instrumentos antiguos. Fue miembro de la Sociedad Astronómica de Francia, poseía un telescopio, y organizaba sus conciertos de tal modo que coincidieran con algunos acontecimientos astronómicos (como eclipses solares). También escribió una obra filosófica, Problemas y misterios, un volumen de poesía, “Rimes familières”, y la comedia “La crampe des écrivains”, que tuvo un gran éxito.

Su extensa obra —elaboró más de 400 composiciones, en las que abordó casi todos los géneros musicales— es muy ecléctica, de un gran clasicismo y de una perfección a menudo un poco forzada, lo que ha motivado que se la considere -sobre todo, en Francia- demasiado académica. Sin embargo, a menudo es una música de gran belleza, con una gran calidad de escritura. Fue también el primer gran compositor que escribió música para el cine.

En 1872 Saint-Saëns pudo ver finalmente satisfechas sus aspiraciones escénicas: aunque con escaso éxito, fue representada en la Opéra Comique su obra “La princesse jaune”. A esta misma época pertenecen también algunas de las producciones sinfónicas más importantes del músico en cuestión: los poemas “La rueca de Onfalia” (1871), “Phaéton” (1873) (Max McBride & The Sydney Youth Orchestra), “Danza macabra” (1874) (Ensemble Musica Nigella / Pas-de-Calais & dir. Takénori Némoto Violín solo, Lisa Schatzman) ó “La jeunesse d'Hercule” (1877), en el que puede percibirse una intensa influencia de las obras análogas de Liszt; y los Conciertos segundo, tercero y cuarto para piano, “en sol menor” (1868) (Georgii Cherkin - piano), “mi bemol mayor” (1869) y “do menor” (1875), cuyo virtuosismo pianístico alcanza un alto nivel de perfección en cuanto a la forma y a la estructura, y de acuerdo con esquemas imponentes y grandiosos, pero generalmente poco profundos. Su “Sinfonía nº 3 opus 78” en do menor (1886)  aparece entre sus mejores composiciones.

La infatigable actividad creadora de Saint-Saëns abarca todos los campos de la música y todas las combinaciones instrumentales y vocales posibles. Sin embargo, su gran aspiración fue siempre el teatro. Le dio ocasión a ello Liszt, su gran admirador, quien promovió en Weimar la representación de “Sansón y Dalila”, (Maria Callas & Georges Pretre), celebrada el 2 de diciembre de 1877; se trata de la mejor obra del músico, tanto por su vigoroso planteamiento como por la fuerza de los coros y la amplitud descriptiva del ambiente, y es la única aún hoy representada.

Ana Pavlova bailando El cisne.

Las composiciones posteriores de Saint-Saëns presentan bien valor académico y formal, dentro de una cuidadosa dignidad de construcción -así, el “Concierto para violonchelo en La menor Op. 33” (1872) Parte 1, Parte 2, Parte 3, (Cello: Jacqueline Du Pre, Orquesta: The Philadelphia Orchestra, Dir.: Daniel Barenboim), “Henri VIII” (1883), “Sonata para violoncelo y piano nº 2 OP. 32” (Christian Poltéra, cello, Kathryn Stott, piano), “Ascanio” (1890), “Déjanire” (1898), los dos conciertos: “Concierto para violín en do mayor” (1879) y “Concierto para violín en si menor” (1880) (Vadim Brodski, violín), "Sonata pata para violín y piano" Op. 75 (1885) (Frank Peter Zimmermann, violin, Enrico Pace, piano) “Sinfonía en do menor con órgano y dos pianos” (1886), y el quinto “Concierto para piano” (1895) (Sviatoslav Richter) -, o bien meramente descriptivo y agradable, como en su "fantasía zoológica". Camille Saint-Saens compuso “El Carnaval de los animales” en 1886, aunque mucho tiempo no la interpretó en sus conciertos y prohibió que se hiciera, tan sólo permitía la ejecución de “El cisne” (Yo-Yo Ma, chelo) porque le preocupaba que afectara a su reputación de compositor serio. Esta prohibición fue revocada en su testamento.

“El Carnaval de los animales” (1-7), (8-13) (Charles Dutoit, Christopher van Kampen, Cristina Ortiz, London Sinfonietta & Pascal Rogé), es una fábula musical, e incluso una sátira. La orquestación tan extraña como apropiada está interpretada por dos pianos, dos violines, una viola, un violonchelo, un contrabajo, una flauta, un clarinete, un acordeón y un xilófono.

Otras obras posteriores de gran elegancia son, entre otras, el “Cuarteto de cuerdas nº 1 Op.112” (1899) Parte 1, Parte 2, Parte 3 (Mathilde Milwidsky, Venetia Jollands, Emily Kay & Robert Max) o “Violines en la tarde” (según un poema de Anna de Noailles), para voz, violín y piano. (1907) (Philippe Jaroussky - contratenor, Jérôme Ducros – piano, Renaud Capuçon – violin) , entre otras.
También escribió música de escena para “Horace” (1860), “Antigone” (1893), “Lola” (1900), “Andromaque” (1903), “On ne badine pas avec l’amour” (1917); cantatas y oratorios, como “Le Déluge” (1875), “La Fiancée du Timbalier” (1887), “La Nuit persane” (1891) (Natalie Dessay, soprano), “Hymne à la paix” (1919), “Ivanhoé”; música religiosa: una “Messe” (1856) 2- Gloria (Roy Massey, organ Worcester Cathedral Choir & Donald Hunt), el “Oratoire de Noël” y su “Requiem” (l'Orchestre National d' Île de France', dir. Jacques Mercier & Michel Piquemal & 'Choeur Régional Vittoria d'Île de France)

Durante los últimos años de su vida Saint-Saëns fue interesándose cada vez más por la música popular árabe; pero su producción no anduvo, en este ámbito, más allá de un genérico orientalismo amanerado. Acariciado por el honor y la fama, terminó casi repentinamente sus días en Argel, donde pasaba el invierno desde hacía ya algunos años, poco después de la primera Guerra Mundial, en cuya época figuraba entre los nacionalistas más ardientes. Notables son también los artículos que publicó durante su vida en diversos periódicos y revistas, reunidos en los volúmenes “Harmonie et mélodie”, “Portraits et souvenirs” y, singularmente, “École buissonnière.”

Casino de Dieppe

El 6 de agosto de 1921, para celebrar sus 75 años de carrera como pianista, dio un concierto de sus obras en el Casino de Dieppe. El 21 fue a Béziers para dirigir una reposición de Antígona. De regreso a Argel, donde pasaba largas temporadas, trabajó en la orquestación de algunas obras. Camille Saint-Saëns falleció, víctima de sus afecciones pulmonares el 16 de diciembre de 1921, a los 86 años, en el Hôtel de l’Oasis, de Argel, en un día que pasó apaciblemente y en el que trabajó un poco e incluso cantó algunas arias de Verdi.

Sus restos mortales se trasladaron a París para celebrar el 24 de diciembre un funeral de estado, de una majestuosidad imponente, en la iglesia de la Madeleine. Se inhumaron en el cementerio de Montparnasse, al lado de los de su madre y de los de sus dos pequeños. Allí leyó un discurso Léon Bérard, Ministro de Instrucción Pública y Bellas Artes que finalizaba con las siguientes palabras: "Las obras maestras de Saint-Saëns son uno de los más gloriosos resplandores del genio francés."

Johnny Ramone

El 8 de octubre de 1948 nació en Nueva York el guitarrista norteamericano John Williams Cummings, Johnny Ramone. Fue uno de los fundadores de la legendaria banda de punk americana Ramones (1974-1996). Además del cantante Joey, Johnny fue el único miembro que permaneció desde la fundación hasta su fin en 1996.

El estilo agresivo de Johnny a la guitarra fue uno de los factores clave que hicieron de los Ramones uno de los grupos más influyentes del rock. Y en eso deben estar de acuerdo tanto la revista Rolling Stone como Time Magazine cuando ambas lo catalogan como uno de los veinte mejores guitarristas de todos los tiempos.

John Cummings creció como hijo único en una familia obrera del barrio neoyorquino de Queens. La educación autoritaria de su padre -albañil de profesión-, tendría bastante que ver en su formación, ya que la disciplina adquirida con él sería la que aplicaría más tarde dirigiendo a la banda. Sus primeras experiencias musicales las tuvo a mediados de los años sesenta como bajista del grupo escolar Tangerine Puppets. Aquí conoció a Thomas Erdelyi, el guitarrista de la banda escolar, que sería, bajo el nombre de Tommy Ramone, el futuro productor y batería de los Ramones.

También en la misma high-school (a la que según sus propias palabras no faltó ni un sólo día) trabó amistad con Douglas Colvin, más tarde conocido como Dee Dee Ramone. Asímismo entró en contacto con Jeffrey Hyman (futuro Joey Ramone), a quien consideró entonces un 'hippie'. Cuando terminó los estudios anduvo varios años mezclado en todo tipo de actividades delictivas, una época que años más tarde comentaría de este modo: "Era un chico malo; cada minuto del día. Desde que me levantaba hasta que me acostaba a dormir." Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, cambió de la noche a la mañana, abandonó el alcohol y las drogas y se propuso, haciendo acopio de toda la autodisciplina de la que fue capaz, llevar una vida recta, para lo que comenzó a trabajar de albañil, como su padre.
Unos años después, se reencontró con Douglas Colvin y ambos se compraron una guitarras para formar un grupo, el grupo que en febrero de 1974 se daría a conocer como Ramones.

La música de Ramones tomaba como modelos grupos como The Who, Kinks, Beach Boys, Stooges y MC5, además de los grandes del rock and roll de los años cincuenta. Típicas eran las estructuras y armonías simples, así como la ausencia de solos, introducciones o puentes.

Crearon de ese modo la antítesis de estilos como el rock progresivo o la fusión. Los temas tenían la característica de estar interpretados a gran velocidad y a gran volumen. Igualmente simples eran las letras, que muchas veces recordaban a rimas infantiles, aunque en ellas trataban problemas de temática social y se hacian las grandes preguntas existenciales de los setenta. Cuando Tommy Ramone dejó el grupo en 1978, fue Johnny el que tomó las riendas de la dirección artística del grupo. Comparaba el grupo con un equipo de base-ball, diciendo que él era el entrenador. Su papel autoritario en la banda dio lugar a una imagen equivocada de Johnny, que fue el más incomprendido del grupo.

Tampoco ayudaron a ello sus ideas políticas. Miembro de la Asociación Americana del Rifle y votante confeso de los republicanos, su ideología chocaba con la del resto del grupo. Más conflictos en el seno de la banda surgieron cuando Johnny le birló la novia a Joey Ramone, con la que se casaría a finales de los noventa. Joey descargó su rabia en el tema 'The KKK took my baby away' (El Ku KLux Klan se llevó a mi chica', haciendo referencia a la filiación política de Johnny). Desde aquel episodio Joey y Johnny permanecieron años sin hablarse, aunque continuaron tocando profesionalmente juntos en Ramones.

A lo largo de su carrera, los Ramones publicaron 14 discos de estudio y varias recopilaciones y discos en directo, haciendo un total de 21 álbumes y un total de 212 canciones. A pesar de su fama e influencia actuales, el grupo sólo consiguió un disco de oro gracias al recopilatorio 'Ramonesmania' en 1988 y sólo dos de sus álbumes, 'Rocket to Russia' (1977) y 'End of the Century' (1980) consiguieron sobrepasar el top 50 en el Billboard estadounidense. Ninguno de sus sencillos consiguió repercusión comercial y sin embargo ocupan con todo merecimiento un sitio de honor en el rock del siglo XX. La banda se disolvió en 1996 y Johnny murió en septiembre de 2004 a los 55 años.