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El 12 de octubre de 1872 nació en Down Ampney Gloucestershire el compositor británico Ralph Vaughan Williams, de gran popularidad en su país, donde es considerado una gloria nacional. La divulgación de su obra en otros países ha llegado principalmente gracias a la industria discográfica.
Su padre, Arthur, pastor anglicano de Down Ampney, en Gloucestershire, murió repentinamente cuando Ralph apenas tenía dos años de edad, por lo que su madre, Margaret Wedgwood, volvió con sus hijos al hogar familiar de Leith Hill Place, en la región de Surrey. Margaret procedía de una familia acomodada, emparentada con los Darwin, pues era hija de Caroline Sarah Darwin, hermana de Charles Darwin. Ralph estudió música e historia en la Universidad de Cambridge y posteriormente en Berlín con Max Bruch y en París con Maurice Ravel, lo cual dio a su orquestación lo que él definió como “un toque de lustre francés”.
Vaughan Williams (1938)
Como profesores tuvo, entre otros, a los compositores británicos Charles Hubert Hastings Parry y sir Charles Villiers Stanford, cuya ambición era renovar la música británica del siglo XX. A partir de 1903 se dedicó a recopilar canciones folclóricas inglesas a la vez que incorporaba los ritmos, escalas y esquemas melódicos de éstas a su propio estilo. Fue nombrado profesor en el “Royal College of Music” (RCM) en 1919 y recibió un año después el nombramiento como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Oxford, llegando a convertirse en el Director del Bach Choir y consiguiendo en los años veinte que su música fuese conocida en todo el continente europeo.
Adeline y Ursula Wood en 1938
Contrajo matrimonio con Adeline Fisher en 1897. Pocos años después de la boda, a Adeline se le diagnosticó una artritis progresiva, que acabó confinándola en una silla de ruedas. Fallecida su primera esposa en 1951, se casó con su asistente personal, Ursula Wood, en 1953. Ambos llevaban manteniendo una relación sentimental desde 1938, cuando se conocieron, al parecer con el consentimiento de la propia Adeline.
Su música suele describirse como "típicamente inglesa", del mismo género que las obras de Gustav Holst, Frederick Delius, George Butterworth, William Walton y otros.
Según el escritor Peter Ackroyd: «si el ser típicamente inglés en música puede ser encerrado en palabras de alguna manera, estas podrían ser: ostensiblemente familiar y común, aunque profunda y mística al tiempo que lírica, melódica, melancólica y nostálgica, aunque eterna». Por su parte, el crítico inglés Fuller Maitland describió el estilo de Vaughan Williams como: «nunca se está muy seguro de estar escuchando algo muy antiguo o muy nuevo».
La música de Vaughan Williams expresa una profunda consideración y fascinación por las melodías populares, buscando sublimarlas y hacerlas etéreas. A partir de 1903, Vaughan Williams comenzó a recoger canciones populares inglesas, de las que llegó recopilar más de 800. Esta actividad, iniciada con un mero espíritu etnográfico, consiguió imprimir un fuerte carácter al resto de su música (aunque más superficial, más como mera cita o paráfrasis que como integración profunda, como habían hecho otros compositores como Béla Bártok o Leos Janaceck). También son características de su música las referencias hacia el paisaje y las personas que en él habitan.
Trabajó como editor musical en el English Hymnal (1906), para el que escribió la melodía Sine Nomine con el texto “For all the Saints”, el poema para violín y orquesta “The Lark Ascending” (1914) (Eleonora Turovsky, violín) y también publicó “Songs of Praise” (1925), “The Oxford Book of Carols” (1928) y la serie de "Hymn-tune Preludes" (1936) 1. “Eventide”, 2. “Dominus regit me” (Northern Sinfonic of England, dir Richard Hickox).
La obra de Williams y todos sus recursos estilísticos y técnicos culminan con sus nueve sinfonías, las cuales suponen su cima en lo que se refiere a inspiración melódica y armónica.
Entre ellas destacan la “Sea Symphony” (nº 1, 1909) (London Philharmonic Choir & London Philharmonic Orchestra), grandiosa obra coral con poemas de Walt Whitman, cuya poesía era fuente constante de inspiración para él, la “London Symphony” (nº 2, 1924, revisada 1921), III mov. (City of Southampton Orchestra, dir.Daniel Bortholossi).
Su tercera sinfonía (1921), subtitulada “Pastoral Symphony” ; la “cuarta sinfonía” (1935), cuyos enérgicos ritmos y fuertes disonancias muestran una faceta poco conocida del compositor; la “Quinta sinfonía” (1943) y la “Sinfonía nº 8” (London Symphony Orchestra, dir. André Previn). Entre otras obras para orquesta, compuso:“In the Fen Country” (1904) y“Norfolk Rhapsody”(1906, rev. 1914), Nº 1 (London Philharmonic Orchestra, dir. Briden Thomson);
“Las avispas” (1909), Parte 3,4 y 5, suite de la música incidental para la obra teatral de Aristófanes del mismo título, una partitura de características chispeantes, hiperactiva en su ritmo y deliciosa por su contenido enraizado en la mejor tradición de las canciones populares inglesas. La Suite es un fino ejemplo de música ligera y porta las características del período de estudios de Vaughan Williams con Ravel, quien no sólo pulió las orquestaciones de su alumno sino que lo introdujo en la colorida música rusa de Borodin y Rimski-Korsakov, como lo muestra la “Obertura de la Suite”. La “Obertura de Las avispas” está llena de encanto y también intenta retomar (con gran acierto) mucho del humor inherente a la pieza teatral de Aristófanes.
Basta escuchar los primeros compases de ésta, después de los unos acordes de alerta, puede escucharse en las cuerdas y los metales un efecto parecido al del vuelo sobre nuestras cabezas de un avispero. “Fantasía sobre un tema de Thomas Tallis” (1910, rev. 1913 y 1919) (BBC Symphony Orchestra, dir. Andrew Davis). En esta obra, compuesta para cuarteto y doble orquesta de cuerda, se realiza una especie de meditación sobre un tema de este compositor inglés del siglo XVI. El desarrollo de la pieza se conduce explorando las distintas posibilidades armónicas de la melodía original. El resultado es de una radiante sonoridad e inspiración.
'Greensleeves' es una canción popular inglesa de la época de Enrique VIII. Según la leyenda fue compuesta por el propio rey para cortejar a Ana Bolena. De entre la gran cantidad de versiones que ha recibido esta bellísima melodía se encuentra la de Vaughan Williams “Fantasia on Greensleeves”(1934) (The Philadelphia Orchestra, dir.Eugene Ormandy).
Vaughan-Williams dijo una vez: “El conocimiento de nuestras canciones folklóricas no nos descubrirá tanto algo nuevo, cuanto algo que había estado escondido para nosotros.” En este sentido, este compositor redescubre algunas melodías inglesas tradicionales al escribir 8 de los movimientos de su obra “Suite para viola y orquesta” (1934) (BBC Symphony Orchestra, dir: Jiří Bělohlávek) con una técnica, que aunque él la llamaba “de principiante”, lo llevó a convertirse en el compositor inglés más amado en su generación.
Óperas: Nocturno de "Whispers of Heavenly Death"1908 (poeta Walt Whitman); “Hugh the Drover” (1910–20); “Sir John in Love” (1924–28), “The Poisoned Kiss” (1927–29; revisiones 1936–37 y 1956–57); “Riders to the Sea” (1925–32) y “The Pilgrim's Progress” (1909–51), basada en el libro de John Bunyan; “The Shepherds of the Delectable Mountains” (1921) (Corydon Singers, City of London Sinfonia, dir. Metthew Best); Ballets: “Old King Cole” (1923); “On Christmas Night” (1926); “Job” (1930) (London Symphony Orchestra, Adrian Boult); “The Running Set” (1933); “The Bridal Day” (1938–39).
Aunque Vaughan Williams se definía como agnóstico, tenía cierta inclinación por el misticismo al igual que su gran amigo Gustav Holst.
Ésta es otra de las influencias musicales que le permitieron desarrollar un personal lenguaje (sobre todo armónico), que se refleja en todas sus obras aunque en mayor medida en su extensa producción vocal y coral, en la que cabe destacar su “Misa en Sol menor” o la cantata “Dona Nobis Pacem”. Corales: “Toward the Unknown Region” (1906); “Five Mystical Songs” (1911); “Fantasia on Christmas Carols” (1912); “Misa en Sol menor (1922) para coro a cappella”; “Sancta Civitas” (1923-25), oratorio ; “Dona nobis pacem” (1936); “Serenade to Music” (1938, para 16 voces solistas y orquesta ); “The Voice out of the Whirlwind” Motete para coro y Orquesta (1947) (Royal Liverpool Philharmonic Choir and Orchestra). Cámara:“Quinteto en Re mayor” (1903) (The Nash Ensemble) ; “Cuarteto de cuerdas Nº 1” (1908); “Romance (Andantino) para viola y piano” (1914) “Seis estudios en canciones populares inglesas” (1926), para violonchelo y piano; “Cuarteto de cuerdas Nº 2” (1942–44); “Sonata para violín y piano” (1952);
Vaughan
Williams con Gustav Holst y sus asistentes en la St Paul's School
Arriba de izq. a dcha: Adeline Vaughan Williams, Nora Day, Vally Lasker y
Dorothy Langman.
James Muir Mathieson, un verdadero músico de cine, director del departamento musical de los Estudios Denham de Alexander Korda tuvo la idea de encargar la composición de las bandas sonoras de películas de propaganda no a los músicos en nómina de los estudios (aunque algunos eran excelentes) sino a las grandes glorias de la música británica del momento. Evidentemente, el nombre de Ralph Vaughan Williams fue uno de los primeros en aparecer, y fue a buscarlo a su casa de campo, donde encontró a ese hombre de casi 70 años recogiendo chatarra con su carrito. El anciano, en cuanto Mathieson le propuso su idea, se sintió orgulloso de responder a esa particular «llamada a las armas» y poder hacer algo por su país.
Y así, a una edad tan tardía, el mejor músico británico del siglo XX se puso manos a la obra con la que sería su primera banda sonora. Fue para la película «Los Invasores» («49th Parallel»), en 1941, de Michael Powell y Emeric Pressburger, una película que narraba las tropelías de la tripulación de un submarino alemán que huía a través de Canadá después de que su navío naufragase en aquellas costas, con el objetivo de llegar hasta la aún neutral Estados Unidos.
Williams sorprendió a todos con su energía y su inventiva, y se tomó el trabajo muy en serio. Leyó el guión, vio los copiones y ajustó cada nota a cada escena en donde iba a ir, llegando a modificar la partitura incluso durante las sesiones de grabación. También fue él quien propuso hacer algo que hoy es muy común en las bandas sonoras, especialmente para televisión: usar la misma música en diferentes momentos pues, según él decía, la misma pieza o frase musical, acompañando a una imagen diferente, podía cobrar un sentido nuevo. O, en el otro extremo, para marcar el impacto de una explosión, bien se podía usar el mismo efecto musical que se había empleado para un choque u otra explosión.
«Los invasores» fue todo un éxito en el Reino Unido y en Estados Unidos, llegando a ganar un Oscar a la mejor historia original. Luego continuó componiendo música para otras películas de propaganda y programas de la BBC, y también pudo componer música para el cine pues, acabada la guerra, aún siguió colaborando en otras películas.“The Flemish Farm” (Jeffrey Dell )(1943), una incursión de comandos en Europa en la Segunda Guerra Mundial.
Su interés y pasión vienen especialmente ilustrados con lo que le ocurrió con la banda sonora de «Scott en la Antártida» (1948), una película sobre la gesta de este explorador. El proyecto le interesó desde el principio y, ya mientras se estaba escribiendo el guión, comenzó a documentarse y, por su cuenta, a escribir música. Había compuesto 18 temas para una banda sonora muy larga y, en la película, sólo se usan la mitad de ellos. Posteriormente, el propio Williams, reescribiría la música usada en la película para su «Sinfonía Antártica». Sin embargo, más de la mitad de los 18 temas originales no llegaron a ser interpretados en esa época.
Ralph Vaughan Williams en 1958
En 1957, ya con 85 años, compuso su última banda sonora para el documental «La Inglaterra de Isabel». Moriría al año siguiente, el 26 de agosto en Londres, habiendo trabajado casi hasta el último día de su vida. Fue enterrado, como un héroe nacional, en la Abadía de Westminster, y sus cenizas reposan muy cerca de las de su admirado Henry Purcell y otros compositores ingleses como Herbert Howells y Charles Villiers Stanford.
El 11 de octubre de 1932 nació en McMinnville (Tennessee) la cantautora country Dottie West. En los años sesenta fue una de las pocas cantantes de country que se defendían en una industria hasta entonces dominada por hombres, iniciando el camino para futuras artistas como Lynn Anderson, Crystal Gayle, Dolly Parton y Tammy Wynette.
Tuvo una infancia difícil como la mayor de diez hermanos en un hogar extremadamente pobre con un padre violento y alcohólico, que además, abusaba de ella. Sus únicos momentos de felicidad los tenía escuchando por la radio los conciertos del Grand Ole Pry. A pesar de todo, Dottie logró finalizar la secundaria y recibió una beca para estudiar música en Tennessee. Allí comenzó a tocar en los locales de música country, donde conoció al guitarrista Bill West, con quien se casó en 1953. Una vez finalizados sus estudios se trasladaron a Cleveland, donde West actuó ocasionalmente en la TV local.
En 1961, ya con tres hijos, se mudó a Nashville, donde dos años más tarde, Dottie consiguió que Jim Reeves cantara una de sus canciones. Jim le facilitó la firma de un contrato con RCA Records y su primer single -haciendo dúo con Reeves-, 'Love is no excuse', -producido por Chet Atkins-, alcanza el Top10 de las listas country. Le siguió otra de sus composiciones, 'Here comes my baby' (1964), por la que obtuvo un Grammy, siendo la primera artista femenina de country en conseguirlo en la historia. En los setenta Dottie compuso una canción para la compañía Coca-Cola, 'Country sunshine', muy popular en Estados Unidos.
Dottie West y Kenny Rogers
A finales de la década grabó una serie de dúos con Kenny Rogers que llevó su carrera en otra dirección más orientada hacia el pop. 'Every time two fools collide'fue su mayor éxito juntos. En 1980 West consigue su primer nº1 en solitario en las listas country con 'A lesson' in leavin'. Aunque siguió siendo una artista muy popular, en 1990, tras divorciarse, atravesó graves problemas económicos. Cuando estaba preparando un disco de dúos con diversos cantantes country para recuperarse, sufrió un accidente de automóvil el 30 de agosto de 1991. Murió a causa de las heridas internas cinco días después. Dottie tenía 58 años.
El 11 de octubre de 1948 nació en Madrid la cantautora española Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia. Era hija de diplomáticos, por lo que pasó una infancia itinerante (Reino Unido, EEUU, Jordania y Portugal) y fue educada por una monja estadounidense que la animó a cantar y tocar la guitarra.
Ya en España, tras licenciarse en Derecho, decidió dedicarse de lleno a la música y a componer sus propias letras, que poseían una calidad poética y literaria notable, muy por encima de lo habitual en su tiempo. Sus primeras composiciones son en inglés, pero posteriormente se inclina más a componer en su idioma materno, el español, cosechando así sus grandes éxitos. En 1970 forma el grupo Expresión, grabando un single ('Have you ever had a blue day?'y 'Try catch the sun').
En 1971, es contratada por la multinacional americana CBS (hoy Sony-Music), y como el nombre de 'Eva' ya existía en el mercado discográfico, eligieron 'Cecilia', que coincidía con el hit de Simon y Garfunkel, publicado esos días por el mismo sello. Graba un primer single 'Mañana' y en la cara B 'Reuníos', dedicada esta última a los Beatles. El disco pasa bastante desapercibido, pero en 1972 graba su primer álbum 'Cecilia' y empieza a cosechar sus primeros éxitos con canciones como 'Dama dama', 'Fui','Señor y dueño' o 'Nada de nada'.
En 1973 se publica su segundo trabajo, 'Cecilia 2', con un aire más intimista y más maduro con temas como 'Andar', 'Un millón de sueños','Mi ciudad' y'Canción de amor'. Es en 1975, después de editar varios singles cuando publica el álbum 'Un Ramito de Violetas', cuyo tema homónimo la consagró para siempre. En este mismo disco se encuentra la canción 'Mi querida España', con la que meses antes había tenido también un gran éxito. Este disco está además ilustrado con dibujos hechos por la propia artista, uno por cada canción.
Como muchos otros artistas, Cecilia tuvo algunos problemas con la censura franquista. Algunas letras tuvieron que ser modificadas, ciertos temas fueron descartados de los discos y algunas de sus portadas fueron sustituidas. La canción 'Dama, dama' fue suavizada en los versos que dicen "Puntual cumplidora del tercer mandamiento, algún desliz en el sexto" quedando el final del mismo "... algún desliz inconexo". El tema 'Mi querida España' tuvo que ser modificado, quedando eliminadas las referencias a las Dos Españas ("Esta España viva, esta España muerta, esta España blanca, esta España negra"). Sin embargo, el texto fue publicado sin censura en la carpeta del LP. En algunas de sus actuaciones en vivo Cecilia interpretaba los textos originales. Entre los temas descartados para su publicación se encuentra la canción 'Soldadito de plomo', una crítica al ejército, que nunca vio la luz en vida de Cecilia.
El álbum más problemático fue 'Cecilia 2'. Su título iba a ser 'Me quedaré soltera' y una fotografía ilustraría la portada, con una Cecilia mostrando su embarazo. La compañía discográfica desechó la idea, cambiando el título al disco y utilizando una fotografía más discreta. El tema 'Un millón de sueños' supuso a Evangelina pasar por el juzgado. Su título original era 'Un millón de muertos' en referencia a la novela homónima de José Maria Gironella. Su alusión a la Guerra Civil española era directa. Cecilia declaró que se trataba de un tema acerca de la Guerra de los 6 días que ella misma vivió en persona, y el tema no fue modificado salvo en el título, si bien recibió el calificativo de 'no radiable' de los censores y quedó fuera de las emisoras de radio por un tiempo. (Wikipedia)
También en 1975 representó a España en el Festival de la OTI, quedando en segundo lugar con 'Amor de medianoche'. En 1976, mientras trabajaba en su siguiente disco dedicado a poemas de Valle Inclán, publicó el single 'Tú y yo', de gran éxito durante ese verano. El 2 de agosto, el coche en el que viajaba de vuelta de un concierto en Vigo, se estrelló de madrugada contra una carreta de bueyes que no llevaba luces de posición, muriendo ella en el acto junto con el batería de su grupo. Cecilia tenía 27 años.
Tras su fallecimiento se publicó un nuevo single a modo de homenaje, compuesto por las canciones 'El viaje' y 'Lluvia'. Siete años después en 1983, se editó un álbum con canciones inéditas, donde cabe destacar 'Doña Estefaldina', un tema con música inspirada en un vals y letra de Valle Inclán, que hubiera formado parte de su nuevo álbum en 1976.
En 1996 se publicó un doble álbum, 'Desde que tú te has ido', con 6 dúos (Miguel Bosé, Merche Corisco, Julio Iglesias, Ana Belén, Manolo Tena y Sole de Presuntos Implicados) y un tema inédito, el que dio título al álbum, canción que hizo popular el grupo Mocedades años atrás.
En los últimos años (2011/13) el sello discográfico Ramalama ha publicado varios álbumes de la cantante con grabaciones inéditas, actuaciones en directo y maquetas de canciones que quedaron sin acabar con temas como 'Mi muñeca', 'Cíclope' y 'Día tras día'.
El 11 de octubre de 1919 nació en Pittsburgh (Pennsylvania) el baterista y director de banda de jazz norteamericano Art Blakey, conocido a partir de los años cincuenta como Abdullah Ibn Buhaina, 'Bu'.
Prácticamente sin infancia, se casó a los 14 años y a los 15 ya era padre de familia. Trabajaba de sol a sol en una fundición y alternaba ese trabajo con otro en una mina de carbón, pero el salario no le llegaba para sostener a su familia. Musicalmente hablando no tenía en su familia ningún antecedente musical y el piano lo aprendió a tocar de oído. Consiguió un trabajo como pianista y a base de propinas logró sobrevivir. Dejó el piano cuando en un ensayo el gran pianista Erroll Garner le dio a entender que ese no era su instrumento, por lo que se cambió a la batería.
En 1939, entra en la banda de Fletcher Henderson y de ahí a la primera bigband de la pianista Mary Lou Williams. En los años cuarenta, Art Blakey se introduce en los círculos del bebop y empieza a actuar en 1944 cuando el cantante Billy Eckstine, lo contrata para su orquesta. Allí entra en contacto con Parker, Dizzy, Thelonious Monk, etc. Es precisamente este último quien lo llama cuando el genial pianista firma un contrato con el sello Blue Note en 1947 participando en numerosas grabaciones en forma de trío, quinteto o sexteto.
Cuando fallece su mujer, Blakey se marcha por un periodo de dos años a África de donde regresa convertido al islamismo adoptando el nombre de Abdullah Ibn Buhaina. Vuelve a casa y se enrola en la banda del clarinetista,Buddy de Franco, donde permanece desde 1951 a 1953. A partir de aquí comienza la etapa mas fructífera, prolífica e interesante de toda su carrera cuando forma el grupo por el cual se le conocería e identificaría para siempre: Los Jazz Messengers, formación que fundó con el pianista Horace Silver en 1953, además de Hank Mobley y Kenny Dorham.
Tras la marcha de Horace un año después, Art se hizo cargo de la banda, que lideró a lo largo de cuatro décadas. Con ellos Blakey definió el hard bop, condimentando el bebop con las necesidades terrenales del blues, el gospel y el R&B.
La poderosa batería de Blakey impulsó a una banda que grabó docenas de álbumes con formaciones que cambiaban constantemente y en la que Art tenía la sana costumbre de ofrecer oportunidades a los jóvenes. "Prefiero músicos jóvenes a mi lado. Cuando éstos envejezcan, buscare otros más jóvenes para mantener vivas la creatividad y la energía."
Tras pasar ciertas dificultades en los años setenta con la fusión, Blakey volvió a revitalizar la banda en los ochenta gracias a la aparición de una corriente neotradicionalista del jazz. Durante un tiempo Wynton Marsalis fue el trompetista y director musical de la banda e incluso tras la marcha de Marsalis, Blakey reclutó a nuevas promesas como Johnny O'Neal, Philip Harper, Terence Blanchard, Donald Harrison y Kenny Garrett. Entre sus últimas grabaciones destacan 'Straight Ahead' (1981), 'Keystone3' (1982) y 'Live at Kimball's' (1985). Blakey continuó actuando con los Messengers hasta finales de los años ochenta y murió en octubre de 1990 a los 71 años.
El 10 de octubre de 1914 nació en Kirbyville (Texas) el cantante y compositor de R&B Ivory Joe Hunter,un artista que podía interpretar enérgicos y procaces boogies como Fats Waller, crear un swing elegante como Duke Ellington y cantar tiernas baladas como Nat King Cole. Más allá, Hunter incorporaba ya en los años cuarenta elementos country de su nativa Texas en sus baladas jazz y piezas de jump blues, por lo que fue otro de los que ayudaron a sentar las bases de la revolución musical contracultural que estaba por venir y se denominaría rock'n'roll.
Ivory Joe, fue uno de los 14 hijos (11 chicos y 3 chicas) de la pareja formada for Dave Hunter, un predicador y músico itinerante y una cantante gospel, por lo que no le faltaron estímulos musicales. Comenzó a estudiar piano clásico en Port Arthur (Texas), aprendizaje que fue complementado con la música gospel de la iglesia local y los sonidos más terrenales de Fats Waller y Duke Ellington. Trágicamente, los padres de Hunter murieron teniendo él once años. Esto le obligó a abandonar los estudios y ayudar a su familia con su música. Con trece años ya era un pianista de gran talento y adquirió experiencia profesional tocando en pequeños bares de las zonas de Galveston y Port Arthur. Tocando con un estilo stride, similar al de Fats Waller, grabó una versión del standard de folk-blues 'Stackolee' para la Librería del Congreso y el folclorista Alan Lomax en 1933.
Logró protagonizar brevemente su propio programa de radio en la emisora KFDM, donde se le presentaba como 'Ramblin' Fingers' Hunter. Unos años más tarde su sonido maduró y Hunter formó su propia banda en Houston donde se mantuvo cinco años como grupo residente del Uptown Theatre. El estallido de la Segunda Guerra Mundial hizo que la escena de la costa Oeste, con numerosos puertos y destacamentos militares, fuera una buena oportunidad para los músicos. Ivory Joe decidió trasladarse a California, una decisión que cambiaría notablemente su vida.
Trabajando en bares de Oakland, San Francisco y Los Angeles, Hunter trabó amistad con los Three Blazers (Charles Brown, Johnny Moore y Eddie Williams), quienes le acompañaron en su grabación 'Blues at sunrise', realizada en su propio sello, Ivory Records. Su versión del tema de Leroy Carr funcionó tan bien a nivel local, que los responsables de Executive Records lo distribuyeron en todo el país, logrando el tema el puesto 3º de las listas de R&B.
Siguieron grabaciones en otro sello de Hunter, Pacific Records, como 'Ivory Joe's boogie', 'She's a killer', 'Jumpin' at the Dew Drop' y en el sello 4 Star publicó su nº1 en las listas de R&B, 'Pretty mama blues'. Grabó con músicos como Pee Wee Crayton, Wardell Gray y Eddie Taylor, con los que capturó la cruda esencia del sonido de los sellos independientes de R&B de postguerra. La habilidad de Hunter de alternar ritmos de jump blues con sensuales baladas rápidamente le hicieron uno de los favoritos del público.
Rechazó la idea de grabar en su sello y en 1949 firmó con King Records, de Syd Nathan. Allí publicó una serie de hits, la mayoría compuestos por él, como 'Guess who', 'Don't fall in love with me', 'Landlord blues' y 'I quit my pretty mama', entre otros. Durante este fértil periodo, además de seguir produciendo boogie de primera clase, en temas como'Jealous heart' -previamente grabado por los artistas country Tex Ritter y Kenny Roberts-, comenzó a usar sonidos country años antes de que lo hicieran Fats Domino, Chuck Berry, Ray Charles o Solomon Burke.
En 1950 se cambia a MGM, donde Hunter consigue un nº1 con 'I almost lost my mind', un tema de blues que para entonces también sonaba muy country. La canción recibiría seis años más tarde una versión del cantante blanco Pat Boone, que conseguiría con ella un nº1 en el mercado pop. Le siguieron 'S.P. Blues'y 'I need you so', que sería versionada por Elvis. Pero la carrera de Hunter pareció estancarse hasta que en 1954 firmó con Atlantic, donde se encargaron de acentuar el estilo country de Hunter con arreglos orquestales y corales. 'A tear fell'y 'You mean everything to me' tuvieron ventas aceptables, pero fue la balada rock 'Since I met you baby' en 1956, la que fue un éxito millonario en ventas, siendo nº1 en las listas de R&B y nº12 en las de pop.
En 1957 repitió la fórmula con 'Empty arms' y 'Love's hurting game', pero no volvió a funcionar con posteriores publicaciones. 'Yes I want you' fue su última entrada en listas antes de dejar Atlantic. Durante los años sesenta y principio de los setenta, Hunter siguió grabando con escaso éxito comercial para una gran variedad de sellos, como Vee-Jay, Smash (donde regrabó sus viejos hits), Capitol, Veep, Paramount, Lion, Strand, Epic Stax, Goldisc, Teardrop, Sound Stage 7, Home Cooking y Home of the Blues. En 1970 apareció en el Festival de Jazz de Monterey, formando parte del Johnny Otis Show.
En 1969 el cantante country Sonny James publicó una versión de 'Since I met you baby' que se mantuvo tres semanas en el nº1 de las listas country. El mismo año, Jerry Lee Lewis hizo lo propio en Smash Records. Ambas versiones animaron a Hunter a entrar en el mundo del country y logró actuar regularmente en el Grand Ole Opry, donde se ganó el respeto de iconos del género como George Jones y Tammy Wynette. En 1974 grabó un álbum que mostraba su conversión musical: 'I've Always Been Country'. Incansable y prolífico -escribió más de 7.000 canciones- Hunter fue un músico querido y respetado hasta su muerte en noviembre de 1974 a los 59 años.
El 10 de octubre de 1917 nació en Rocky Mount (Carolina del Norte) el compositor y pianista de jazz Thelonious Monk, considerado uno de los 'gigantes' de la música americana. Monk, de formación autodidacta, tenía un estilo de improvisación único e hizo aportaciones memorables al repertorio standard de jazz.
Es el compositor de jazz cuyas obras han sido grabadas o interpretadas más veces en la historia además de las de Duke Ellington. La diferencia a tener en cuenta es que el 'Duque' compuso más de 1000 temas y Monk sólo 70. Muchas veces citado como fundador del bebop, la música de Monk se alejó de ese estilo más tarde. Sus composiciones e improvisaciones están llenas de armonías disonantes y cambios bruscos de melodía que el pianista hacía compatible con su poco ortodoxo empleo del instrumento que incluía ataques muy percutivos de las notas, así como silencios y dudas repentinas. En el aspecto visual, era conocido su gusto por los buenos trajes y sus apariciones con sombrero y gafas de sol. También se distinguía de otros artistas contemporáneos porque a veces, mientras el grupo seguía tocando, Monk paraba y daba unos pases de baile o giraba unos instantes sobre sí mismo en el sentido de las agujas del reloj para, a continuación, volver a sentarse al piano.
'Misterioso', 'maniático', 'excéntrico', 'impenetrable', 'extraño', 'estrafalario'... A quien se acercaba a Thelonious le resultaba muy difícil expresar con palabras la fascinación que producía encontrarse junto a una de las más importantes personalidades musicales del pasado siglo. Criado en Nueva York junto a su madre, fue ésta la que le animó a adquirir conocimientos de música. Pronto estaba tocando el órgano en los servicios religiosos o el piano en fiestas privadas, hasta que, con 18, se unió a un grupo de gospel que andaba de gira.
Monk y la banda frente al Minton's
De vuelta en Nueva York, recibió clases de teoría musical en la Juilliard School y a continuación actuó en varios clubs como Monroe's y Minton's. En este último formó la banda local residente junto con Kenny Clarke y Nick Fenton, que con sus jam-sessions contribuyeron al nacimiento y desarrollo del bebop. Su preferencia por las disonancias duras y traslaciones rítmicas fue muy bien aceptada por contemporáneos como Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Aún así, su estilo todavía estaba lejos del de un pianista de be-bop ideal, algo que cumplió a la perfección su aventajado alumno Bud Powell.Coleman Hawkins lo llamó para su cuarteto en 1944. Ese mismo año, Cootie Williams graba su tema 'Round Midnight' y en 1948 es Gillespie quien requiere sus servicios para su bigband.
Su periodo más fructífero grabando comenzó en 1952, cuando le fue retirada la 'Cabaret Card', por una falsa acusación de posesión de drogas y ya no pudo actuar en los locales neoyorquinos. A partir de 1955 como líder de bigband, así como con tríos y cuartetos grabó en Prestige Records y Riverside numerosos discos con formaciones que incluían a Sonny Rollins, Gerry Mulligan, Phil Woods, Coleman Hawkins, Max Roach, Art Taylor y John Coltrane. Coltrane también estaba en el equipo cuando en 1957 Monk celebró un regreso triunfal a los escenarios en el Five Spot.
Además de Wilbur Wave y Shadow Williams -los integrantes de su sección de ritmo- se añadirían más tarde Roy Haynes, Johnny Griffin y Charlie Rouse al grupo de sus acompañantes más habituales. En los años cincuenta, la escena del jazz, con su mirada retrospectiva al boogie y el blues y su anticipo del free jazz, se acercaba cada vez más al estilo de Monk. Miles Davis (1954) y Art Blakey (1957) lo contrataron para sesiones de grabación, las cuales, debido a su falta de compromiso y su personalidad imprevisible, quedaron como anécdotas en su carrera.
Su popularidad creció de tal manera, que en 1962 fichó por Columbia Records y en 1964 apareció en la portada de Time. Sin embargo, en 1970 disolvió su banda y tras registrar sus últimas grabaciones en Londres (1972) con los Giants of Jazz, se retiró a causa de profundas depresiones y esquizofrenia. Hay quien dice que un mal diagnóstico y consiguiente prescripción errónea de medicamentos también afectaron su salud mental, que se fue deteriorando hasta que murió de una apoplejía en febrero de 1982 a los 61 años.
«Los invasores» fue todo un éxito en el Reino Unido y en Estados Unidos, llegando a ganar un Oscar a la mejor historia original. Luego continuó componiendo música para otras películas de propaganda y programas de la BBC, y también pudo componer música para el cine pues, acabada la guerra, aún siguió colaborando en otras películas. “The Flemish Farm” (Jeffrey Dell )(1943), una incursión de comandos en Europa en la Segunda Guerra Mundial.
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