Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 2 de enero de 1936 nació en Fort Worth (Texas) el actor, músico, y cantante de country Roger Miller.
Roger con dos años
Huérfano de padre a temprana edad, su madre, incapaz de criar a los tres hermanos durante la Gran Depresión de los años treinta, envió a Roger a la granja de sus cuñados en Oklahoma. Creció en un ambiente extremadamente pobre y trabajaba recogiendo algodón. De carácter introvertido, solía escuchar por la radio los conciertos del Grand Ole Opry y, animado por el marido de su prima, Sheb Wooley, que le enseñó sus primeros acordes a la guitarra, decidió ser músico y cantautor de country.
Roger toca el violín en la banda del ejército (1956)
Tras un breve periodo en el ejército, en el que Miller se estrenó con un grupo, se trasladó en 1957 a Nashville, donde intentó conseguir en vano un contrato discográfico. Buscó trabajo como botones en un hotel para subsistir y comenzó a participar en varias grabaciones, entre ellas de Winnie Pearl y Faron Young, como músico de sesión, tocando la guitarra o el violín.
Con Paycheck en 1958
Tras casarse y tener un hijo, Miller aparcó su carrera en Nashville y trabajó durante un tiempo de bombero en Amarillo (Texas). Al mismo timepo tocaba en los clubs de country locales y comenzó a escribir canciones. Allí conoció a Ray Price, quien lo contrató como batería en su grupo los Cherokee Cowboys. En 1958, Price consiguió un Top10 en las listas country con un tema escrito por Miller,'Invitation to the blues'. También otros artistas estaban teniendo éxito con sus composiciones, como Ernest Tubb, con 'Half a mind', Faron Young con 'That's the way I feel' o Jim Reeves, que consiguió en 1959 un nº1 con 'Billy Bayou'. El éxito como compositor volvió a animarle a intentarlo como intérprete y, primero para Decca, donde grabó a dúo con Johnny Paycheck unas piezas de honky tonk y, poco más tarde para RCA, sello en el que grabó una serie de singles de cierto éxito como 'You don't want my love (In the summertime)'o'When two worlds collide', que alcanzó el Top10 de las listas.
The Wild Boy
La fama pareció cegarle, porque cambió repentinamente de vida, separándose de su mujer y dándose a excesos en fiestas nocturnas con los que se hizo acreedor del sobrenombre 'the wild boy'. RCA le rescindió el contrato y Miller se trasladó a Hollywood con la idea de ser actor. Allí ganó dinero con sus apariciones en shows televisivos, y en 1964 firmó un nuevo contrato con el sello Smash, en el que, con su primer single, consiguió el espaldarazo definitivo a la fama. 'Dang me'se mantuvo seis semanas como nº1 en las listas de country y consiguió un Top10 en las listas nacionales de pop.
También los siguientes singles, 'Chug-A-Lug' y 'Do-wacka-do', fueron muy populares, y en 1965 se publicó 'King of the Road', tema que desde entonces quedó ligado a su nombre como el mayor éxito comercial de su carrera.
Sus imaginativos textos, llenos de humor, introdujeron un nuevo estilo en las canciones country. Miller fue el primero en contar historias completas, iniciando una tradición que seguirían letristas como Kris Kristofferson o Tom T.Hall. 'King of the Road', -por el que recibió cinco premios Grammy- y el año 1965, fueron el cénit de su carrera y ese año obtuvo nuevos Top10 como 'Engine engine#9', 'One dyin' and one a buryn', 'Kansas City Star','England swings'y'Husband and wives'(1966).
A partir de aquí su popularidad como intérprete decayó, aunque conseguiría dos nuevos éxitos con 'Walkin' in the sunshine'(1967) y su versión de 'Little green apples' (1968), además de seguir componiendo para otros artistas. Fue de los primeros, en 1969 de publicar una versión del tema de Kristofferson'Me and Bobby McGee'.
King of the Road Hotel en Nashville
En los años setenta, su mayor hit fue'Tomorrow night in Baltimore'(1971) y en 1973 cambió de discográfica (Columbia) con la que siguió grabando pero, exceptuando su primera grabación con el sello, 'Open up your heart', que alcanzó el puesto 14 de las listas, ninguno de ellos se aproximó al éxito de su etapa a mediados de los sesenta. Se concentró principalmente en la gestión de su recién creada cadena de hoteles llamada muy apropiadamente 'King of the Road'.
Roger con su 'viejo amigo' Willie Nelson
Su último hit lo grabó en 1982 junto con Willie Nelson y Ray Price con la canción 'Old friends', un tema que Miller había escrito para su familia de Oklahoma. Tres años después, compuso un musical para Broadway,'Big River', con el que obtuvo dos premios Tony. A lo largo de su carrera, Miller fue galardonado con once premios Grammy, lo que había sido un récord hasta que llegó Michael Jackson y su 'Thriller'. Roger murió en Erick (Oklahoma), el sitio que lo vio crecer, a los 56 años en octubre de 1992.
El 1 de enero de 1923 nació en Detroit (Michigan) el vibrafonista de jazz Milt Jackson, conocido por haber sido el 'alma mater' de uno de los grupos de jazz más célebres de la historia, The Modern Jazz Quartet.
Fue, junto con Lionel Hampton y Red Norvo, uno de los tres grandes vibrafonistas del jazz. El enfoque de Jackson divergió de sus grandes predecesores, desarrollando un estilo lineal, rítmicamente influido por el bebop más que por el swing. Prefirió un vibráfono ligeramente mayor de lo habitual y ajustó el oscilador para darle un sonido cálido y característico.
The Modern Jazz Quartet
Sus primeros escarceos musicales los dio de la mano del trompetista Dizzie Gillespie en su big band de 1946. Posteriormente durante 1946 y 1948, trabajó con los grandes músicos de la era del bebop como Charlie Parker o Thelonious Monk. Gillespie lo reclamó nuevamente para su sexteto de 1950 y estuvo dos años con él, antes de fundar en 1952 el combo de jazz por el que será conocido internacionalmente y por el que pasará a la historia del jazz: The Modern Jazz Quartet formado originariamente en 1952 por el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath, el batería Kenny Clarke y Milt Jackson al vibráfono, con los que grabó magníficos álbumes como 'Django' (1953), 'Concorde'(1955), 'Fontessa' (1956) y 'Pyramid' (1959).
La discografía de Jackson es impresionante, tanto al frente del MJQ, como liderando otras bandas o trabajando para otros músicos. Aparece en cientos de grabaciones de músicos como Count Basie ('Jam session at Montreaux', 1975), Monty Alexander ('Soul Fusion', 1978) o Dee Dee Bridgewater ('Dear Ella', 1997), por sólo citar unos pocos y fue una gran influencia en jóvenes vibrafonistas como Bobby Hutcherson y Stefon Harris. Murió en octubre de 1999 a los 76 años.
El 1 de enero de enero de 1900 nació en Girona el músico, cantante, compositor, director de orquesta, caricaturista y actor Xavier Cugat.
Nacido en los primeros minutos del siglo XX, su familia se trasladó en 1904 a Cuba. El joven Xavier se adaptó pronto a La Habana, una ciudad donde las melodías aparecían en cada rincón. A los 7 años, cuando entró en el conservatorio Payreda para aprender a tocar el violín, ya demostró que era un alumno privilegiado. Después de las clases, actuaba en un pequeño cine, musicando las películas que en aquel tiempo todavía eran mudas. Tan sólo tres años más tarde, su profesor, que también era el responsable de la Orquesta Sinfónica Teatro Nacional, lo contrató como primer violín.
El trabajo en la orquesta le permitió estar al lado de los grandes profesionales que iban a cantar a Cuba como el tenor Enrico Caruso, que más tarde, cuando los Cugat se trasladaron a EEUU, consiguió que el joven pudiera estudiar con el director artístico del prestigioso Carnegie Hall e incluso que actuara con él. Cugat dio conciertos en varios países europeos y llegó a ser un respetado violinista en los círculos clásicos de la época, pero cuando descubrió los espectáculos de música cubana y antillana con la primera de sus cinco mujeres, la vocalista Rita Montaner, decidió dejar el violín para dedicarse a hacer bailar al público a ritmo tropical.
En 1929 dirige su primera banda, The Gigolos, una orquesta de tangos muy
popular en la ciudad, con la que popularizó el tema 'Estrellita'. También trabajó un tiempo como caricaturista en el 'Los Angeles Times', pero el músico dedicaba sobre todo
su tiempo a las actuaciones de la sala Coconout Grove, en el Hotel
Ambasador, donde Cugat, poco a
poco, introdujo en las pistas de baile la rumba, el tango, el mambo, la conga... y
bailarinas espectaculares que sabía que animarían al público a seguir el
ritmo.
En los años 30, Cugat comenzó una larga carrera de colaboraciones en producciones de Hollywood, como ‘Luces de la ciudad’, de Chaplin (1931), e incluso se atrevió a producir y dirigir un par de filmes.
Orquesta de Xavier Cugat en el Waldorf Astoria
Un año más tarde, consigue dirigir la banda del famoso hotel neoyorquino Waldorf-Astoria, donde permaneció quince años. Cugat ya era el rey de la noche y llenaba la pista de estrellas del cine como Rita Hayworth, Frank Sinatra o Greta Garbo. La orquesta tocaba temas como ‘El manisero’, ‘Copacabana’ o ‘Cielito Lindo’, y sus actuaciones se retransmitían por la radio. Su ejemplo fue muy pronto seguido por otras orquestas, como la de Pérez Prado. En 1940 grabó la canción 'Perfidia', que alcanzó un gran éxito y, con el tiempo, se convirtió en un clásico de la época.
El músico, a quien le gustaba sobre todo ser el centro de interés de la prensa, hizo amistad con Al Capone, de quien adoptó el gusto por los trajes a rayas finas que lucía, acompañándose de un chihuahua en sus actuaciones y apariciones en público. Entre sus amistades también se encontraba Louis B. Miller, propietario de la productora Metro Goldwyn Mayer, con quien participaría en una decena de films (1944-1949), como el clásico ‘Escuela de sirenas’ (1944) o 'La hija de Neptuno' (1949), con Esther Williams.
A menudo y al tratarse de películas de mucho colorido y de comedias
musicales románticas, Cugat aparecía pintando o dibujando frente a su
orquesta, que, a su vez, interpretaba una vigorosa rumba. En los años 50, apareció la cantante Carmen Miranda y Cugat incorporó sus ritmos brasileños. Más tarde fue Abbe Lanequien se cruzó en el camino del músico y se convirtió en su nueva esposa y la vocalista de la orquesta. La pareja compartió más de una década de una fructífera carrera. El final de la relación con Lane supuso, también, el lento declive de la carrera de Cugat.
En 1978 Cugat, a consecuencia de un problema de salud, se jubiló de la música; su banda fué dirigida por Tito Puente, y, más tarde, por la bailarina, música y cantante Ada Cavallo.
Ese mismo año, después de separarse de Charo, su quinta mujer, se trasladó a Barcelona. Allí murió, el 27 de octubre de 1990, a los 90 años de edad.Cugat participó en más de cincuenta películas, grabó decenas de discos y realizó innumerables actuaciones en la televisión y en la radio. Además de músico, fue un auténtico hombre de negocios, un catalán que 'hizo las Américas' y triunfó. Una de sus frases más recordadas fue: "Prefiero tocar 'Chiquita Banana'y nadar en mi piscina a tocar Bach y morirme de hambre"
El 16 de agosto de 1895 nace en Ajofrín (Toledo) uno de los más conocidos compositores de zarzuelas de los años 20 y 30, Jacinto Guerrero, protagonista importante de la última generación dedicada al género lírico español. Como compositor, trabajó en diferentes campos: desde zarzuelas y revistas, pasando por música para películas, hasta anuncios de radio.
Durante su infancia toca el bombo y platillos en la banda de música de Ajofrín, que dirigía su padre. A los 12 años compone un “Salve a cuatro voces”, que dirige en la procesión de la Virgen de la Esperanza de Toledo. Ejercerá también como capillero y lector de coro en la catedral; organista en la iglesia de San Justo, pianista en un café concierto de la calle del Hombre de Palo y en la primera sala de cine toledana en El Miradero. A los 19 años estrena en la plaza de toros un 'Himno a Toledo' que le permite obtener sendas becas de la diputación y Ayuntamiento para estudiar en el Conservatorio de Música de Madrid.
Ingresa como segundo violín en la orquesta del teatro Apolo. Dos años más tarde obtiene el diploma de primera clase de Armonía. En 1918 compone el sainete de costumbres madrileñas, “La de la cara de Dios”, su primera obra escénica y también la breve pieza sinfónica “Jhaía”, subtitulada Danza mora, que estrena ese mismo año. Al año siguiente se realiza su primer estreno teatral: “El camino de Santiago”, humorada sainetesca, compuesta en colaboración con Eduardo Fuentes y otro año más tarde obtiene el primer gran éxito con el sainete lírico “La pelusa o El regalo de reyes”, que se mantendría en cartel 100 noches seguidas en el Teatro de La Latina de Madrid.
A partir de este momento los estrenos son frecuentes y continuos: “La alsaciana” (1921) estrenada en el Teatro Tívoli en Barcelona, “La montería” (1922), “Los gavilanes” (1923) en tres actos, estrenado en el Teatro de la Zarzuela de Madrid, “La sombra del Pilar”, “El huésped del sevillano” entre otros.
“La rosa del Azafrán” (1930), es una de sus obras más completas, en dos actos estrenada en el Teatro Apolo de Madrid. En 1929 tras la clausura del Teatro Apolo, viaja a París en donde estrena la revista París-Madrid con Raquel Méller, un montaje de sus números más populares y otras canciones escritas para la cantante. Luego, a solicitud del director británico Georges Berthold Samuelson compone la música para el largometraje “La canción del día”, una de las primeras realizaciones sonoras en español.
Pedro Pérez Fernández, el maestro Jacinto Guerrero, el realizador inglés Georges Berthold Samuelson y Pedro Muñoz Seca
Participa como miembro fundador en la asociación Cinematografía Española y Americana (CEA), creada bajo la presidencia de honor de Jacinto Benavente, con intención de dedicarse a la producción y explotación de películas cinematográficas españolas, sonoras o mudas, de todas clases, incluyendo noticiarios y películas pedagógicas. A partir de entonces compondrá la música para diversas películas.
En 1944 estrenó “¡5 minutos nada menos!”, opereta cómica con la que alcanzaría las 1.890 representaciones consecutivas en el mismo escenario, el Teatro Martín de Madrid y luego compone la música para “Garbancito de La Mancha”, el primer largometraje español de animación. Fue presidente de la Sociedad de Autores (SGAE) y adquirió el modernista palacio de Longoria para ubicar la sede de dicha sociedad en el año 1951. Por su labor recibe la Medalla del Trabajo y el Ayuntamiento madrileño le regala una batuta de oro. Murió en septiembre de 1951 a los 56 años.
Su auténtica vocación y trabajo fue la música. Como compositor dejó un abrumador catálogo de obras en el que se incluye un buen número de composiciones todavía en repertorio. Son obras características de su tiempo, que caminaron de la zarzuela a la revista, de las realizaciones propias del género grande, tan de moda en las décadas previas a la Guerra Civil española, a la ligereza de géneros más dados a la inmediatez y la visualidad escénica.
El 27 de julio de 1781 nació en Bisceglie el compositor y guitarrista italiano, Mauro Giuliani. Su primer instrumento fue el violoncelo, un instrumento que nunca abandonó completamente a lo largo de su vida. Estudió también el violín, más tarde se dedicó a la guitarra y llegó a ser un virtuoso en poco tiempo.
En 1806 se mudó a Viena donde se hizo famoso, al igual que los mejores de los numerosos instrumentistas que actuaban en la capital austríaca a principios del siglo XIX. Viena es en esta época la capital europea de la música; Giuliani pronto se da a conocer, se introduce en los medios musicales de la ciudad, se relaciona con la nobleza, ejerce como profesor de guitarra, publica obras, da conciertos, es aplaudido y estimado por público, critica y músicos. Obtiene el favor de la archiduquesa María Luisa de Austria, segunda esposa de Napoleón, de quien es "Virtuoso Honorario de Cámara" y profesor de guitarra, y de quien más adelante recibirá el título de "Caballero del Lirio".
En 1815 actuó con el pianista Hummel (y más tarde con Moscheles), el violinista Mayseder y el violoncelista Merk, en una serie de conciertos de cámara en los jardines botánicos del Palacio de Schönbrunn. Esos conciertos se llamaron "Dukaten Concerte", por el precio del billete, que era de un ducado. En 1815, Mauro Giuliani era también el artista oficial de las celebraciones del congreso en Viena. Dos años antes, el 8 de diciembre de 1813, había formado parte (probablemente como violoncelista) de una orquesta para la primera ejecución de la séptima sinfonía de Beethoven. En Viena colaboró principalmente con el editor Artaria, que publicó la mayor parte de sus obras para guitarra, pero también tuvo relaciones con todos los demás editores locales, que difundieron sus composiciones por toda Europa. Consiguió fama de pedagogo y tuvo entre sus numerosos estudiantes a Bobrowicz y Horetzky.
En 1819 Giuliani se fue de Viena, principalmente por razones personales: su propiedad y sus cuentas bancarias fueron embargadas para pagar a sus deudores. Volvió a Italia, pasando por Trieste, Venecia, estableciéndose finalmente en Roma, donde tuvo poco éxito; publicó algunas composiciones y dió un concierto. A partir de julio de 1823 hizo frecuentes viajes a Nápoles para estar con su padre, que estaba enfermo de gravedad. En ese período, que podríamos llamar el período napolitano de Giuliani, actuó frecuentemente en dúo con su hija Emilia, que se había convertido en una buena guitarrista. A fines de 1828 la salud de Giuliani empezó a decaer y falleció en Nápoles el 8 de mayo de 1829 a los 47 años.
Guitarra Fabricatore que perteneció a Giuliani
Su obra encierra un enorme interés. Digamos ante todo que se le atribuye el haber sido el primero en escribir para guitarra "polifónicamente", es decir, dirigiendo las plicas de las notas en distintos sentidos con el fin de indicar con más precisión las diferentes voces de la obra a ejecutar. (A su hija Emilia se le ha querido atribuir la "invención" de los "armónicos" en guitarra).
Dejó 150 composiciones para guitarra. Entre sus obras más importantes figuran los conciertos para guitarra y orquesta, opus 30, 36 y 70; una serie de fantasías, opus 119-124, "Les Rossinianes", varias sonatas para violín y guitarra, un método, un quinteto, y algunos dúos para voz y guitarra.
Se ha dicho y escrito reiteradamente que Mauro Giuliani estuvo en Londres, en París, incluso en Moscú, pero todo ello no ha podido comprobarse; en cuanto al último dato, parece una clara confusión con su propio hermano que residía en Rusia. La noticia del óbito en el "Giomale del Regno delle Due Sicile" del 14 de mayo de 1829 le califica de "famoso suonator di chitarra, che si trasformava nelle sue mani in un istrumento emulo delVarpa, dolcemente molcendo i cuori".
En la Italia de la primera mitad del siglo XIX abundaron los excelentes guitarristas, entre ellos Carulli, Carcassi, Legnani, Molino, Zani de Ferranti, Regondi, etc., y quizás no sería exagerado considerar a Mauro Giuliani el mejor de todos; fue, cuando menos, el que más significación tuvo en la historia y evolución de la guitarra.
Como la mayoría de los guitarristas de esta época, se interesó también Giuliani por el aspecto pedagógico del instrumento; ya su op. 1 es un "Método pratico per chitarra en 4 partí" (1798). Muy prolífero, aparte de sus numerosos estudios y ejercicios, nos dejó un impresionante catálogo comprendiendo tanto obras para guitarra sola como para ésta incluida en la música de cámara y tres conciertos (en las camerísticas, algunas par "chitarra terza").
La obra completa de Mauro Giuliani está siendo hoy editada en facsímil por Tecla Editions, de Londres, recogida por Thomas F Heck.
Es éste sin lugar a dudas el mayor erudito sobre Mauro Giuliani, quien en 1970 elaboró una tesis en la Universidad de Yaie, en dos volúmenes con el título "The Birth of the Classic Cuitar an its Cultivation in Vienna, reflected in the Career and Compositions of Mauro Giuliani"; Thomas F. Heck prosiguió desde entonces sus investigaciones, publicando sus resultados en revistas especializada como "Guitar News", "Guitar Review", "Soundboard","!! Fromino", etc.
Un dato curioso: la primera revista guitarrística que conocemos editada en Londres en 1833, lleva por título "The Giulianiad", en homenaje al guitarrista italiano. Existe otra revista especializada de Alemania (1983) que se denomina "Nova Giulianiad".
El 27 de Julio de 1867 nació en Lérida el compositor y pianista español Pantaleón Enrique Joaquín Granados y Campiña, más conocido como Enrique Granados. Siendo todavía un niño murió su padre y un amigo de éste se encargó de su primera educación musical. Al trasladarse su familia a Barcelona ingresó en la escolanía de la Merced y tuvo a Joan B. Pujol como profesor de piano. A los dieciséis años conseguía su primer premio de la Academia Pujol interpretando a primera vista una sonata de Schumann. Estudió también armonía y composición con el maestro Felipe Pedrell. Por aquella época se vió obligado a alternar sus estudios musicales con un empleo como pianista en el antiguo café barcelonés de las Delicias.
En 1887 marchó a París donde convivió con el también pianista catalán Ricardo Viñés y llegaría a ser muy amigo de Satié, Debussy y tantos otros músicos franceses. La intención de Granados era ingresar en el conservatorio de la capital francesa, pero unas fiebres le impidieron presentarse a las pruebas de admisión.
Pasados los años de estancia en París, regresó a Barcelona y obtuvo en 1890 su primer triunfo con un memorable concierto ofrecido en el teatro lírico de la capital catalana. En 1912 empezó a componer para piano una serie de obras de corte romántico en los que puso de manifiesto su admiración por Schumann y Chopin. Su interés por la música popular española no tardó en despertarse, siguiendo con ello una inclinación que le estimularía el músico Pedrell. Así surgieron su “Álbum de piezas sobre aires populares” y su primera obra maestra: “las 12 Danzas españolas”, cuyo primer cuaderno apareció en 1892 suscitando los más elogiosos comentarios de músicos como Grieg, Saint-Säens, Béirot y Massenet, quien al referirse a él hablaba del “Grieg español”.
La serie completa de las 12 “Danzas españolas” (1890) para piano, se trata de una de las obras más importantes de Granados y tal vez la más célebre entre todas ellas. Es ahí donde se muestra por primera vez la personalidad genial del compositor catalán. El estilo pianístico resulta muy cercano a Chopin y muy impregnado de la música popular de las diversas regiones españolas que intentó evocar.
En 1900 fundó en Barcelona la “Sociedad de Conciertos Clásicos”, de cuya orquesta fue director. Su actividad como concertista era entonces muy intensa, dando recitales en París y en ciudades españolas. Actuó junto a Matats y Vidiella y colaboró en concierto con Joan Marén, J.E. Risten, Camille Saint Saëns, Jacques Thibaud y Pau Casals. Por estos años creó su propia Academia de Música en la que se han formado notables pianistas y figuras tan relevantes como Frank Marshall y Alicia de Larrocha. Su aportación quedó plasmada en un interesante “Método teórico-práctico para el uso de pedales del piano”.
Su colaboración en el mundo teatral catalán no fue nada despreciable. Ya en 1897 había puesto música a una pequeña comedia del fundador y director del Teatre Intim, Adriá Eval. En 1901 compuso una zarzuela catalana, colaboró además en “Follet” en el Liceo barcelonés en 1903 y en "Gaziel", poema dramático con el que se inauguraron en Octubre de 1906 los “Espectadores Granen”. Al año siguiente empezaría la composición de un poema sinfónico, “Dante”, inspirado en la “Divina Comedia” del poeta florentino, cuya versión inacabada se estrenó en sesión privada en el Palau de la Música Catalana.
Otras obras suyas para el teatro tuvieron “Petrarca” y el poema lírico “Liliana”- estrenado en el palacio de Bellas Artes de Barcelona - aparte de la ópera “Goyescas”, que sería finalmente estrenada en Nueva York. Pero donde demostró Granados mejores dotes como compositor fue en su producción pianística. El punto culminante de su carrera artística en este sentido lo constituyen las “Goyescas”, en su forma original para piano solo, y las “Tonadillas en estilo antiguo”, para soprano y piano.
La obra “Goyescas” consta de dos series. La primera fue estrenada por el propio compositor en 1911 en el Palau de la Música de Barcelona. El estreno parisiense de la obra completa fue en Abril de 1914 en la Salle Pleyel, junto con las “Tonadillas”, en un memorable concierto organizado por la Societé Musicale Indépendente.
El éxito fue tan rotundo que el director de la Ópera de París le pidió que transformara la suite en una ópera ofreciéndole su estreno en París. Granados se dedicó a esta misión desde su retiro en Suiza. Pero al final la ópera no llegó a estrenarse en París por culpa de la Guerra Mundial y el compositor aceptó la invitación del “Metropolitan Opera House” neoyorquino para que la obra se estrenara allí el 28 de enero de 1916. Se trata de una obra llena de ritmo y muy colorista, de estructura muy compleja. Intenta reflejar el ambiente de las clases populares del Madrid de fines de siglo XVIII; el mundo de los tapices de Goya y de los sainetes de Ramón de la Cruz, el mismo universo de “majos” y “majas” que estiliza en sus Tonadillas.
En cuanto a su obra de madurez, las “Tonadillas en estilo antiguo” se estrenó en el retenido concierto de la Salle Pleyel de París, corriendo a cargo de la soprano Madame Polack la parte del canto. Se trata de una obra íntimamente emparentada con “Goyescas”, de la que incluso recoge algunos temas melódicos. Compuso otras canciones con acompañamiento de piano. Destaquemos las “12 Canciones amatorias”, basadas en textos del Cancionero español, la “Elegía eterna”, en catalán, y el “Cant de les Estrelles”.
Tras el triunfal estreno de “Goyescas”, Granados fue invitado por el presidente Wilson a dar un concierto en la Casablanca, por lo que perdió su pasaje de regreso en un buque español y volvió a Europa en un barco de vapor inglés, el “Sussex”, que fue torpedeado por un submarino alemán en el canal de la Mancha, entre Folkestone y Dieppe, pereciendo Granados junto a su esposa bajo las aguas en la tarde del 24 de marzo de 1916.
“Bocetos” (1912) que comprende: “Despertar del cazador”; “El hada y el niño”; “Vals muy lento”; “La campana de la tarde”.
“Colección de canciones amatorias” (1915), para voz y piano. Comprende: “Descúbrase el secreto”; “Mañanica era”; “Mira que soy niña”; “Gracia mía”; “Iban al pinar”; “No lloráis ojuelos”, “Llorad corazón”.
“Goyescas”, ópera, 1916. (Fragmento del Intermedio de la ópera con la orquestación original de Granados); Transcripción violoncelo solo “Intermedio” Goyescas (Jacqueline du Pré):
“Seis Estudios expresivos”.
“Valses poéticos”, (1967) para piano, que comprende: “Introducción y nº1”, “Melódico”; nº2, “Tempo de vals noble”(Lourdes Ramírez piano); nº3, “Tempo de vals lento”; nº4, “Allegro humorístico”; nº5, “Allegretto” (elegante); nº6, “Quasi ad libitum” (sentimental); nº7, ”Vivo”; “Coda” (Alicia de Larrocha)
A partir de aquí su popularidad como intérprete decayó, aunque conseguiría dos nuevos éxitos con 'Walkin' in the sunshine' (1967) y su versión de 'Little green apples' (1968), además de seguir componiendo para otros artistas. Fue de los primeros, en 1969 de publicar una versión del tema de Kristofferson 'Me and Bobby McGee'.
