Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 25 de marzo de 1934 nació en Memphis (USA) Johnny Burnette, uno de los pioneros del rockabilly. Compartió barrio con Elvis Presley de niño y con su Rock and Roll Trio grabó algunos discos de relativo éxito a finales de los cincuenta. Ya en solitario, su mayor hit fue 'You're sixteen' en 1960.
The Rock and Roll Trio
A Johnny y a su hermano Dorsey Burnette les gustaba tanto el boxeo como la música, destacando ambos en combates locales. Uno de sus contrincantes fue Paul Burlison, un ex-marinero de Tennesse que se dedicaba a tocar el contrabajo en sus ratos libres. Como no vieron futuro en el boxeo, formaron un trio con el que comienzan a tocar en los garitos de la zona. Como tampoco esto les daba para vivir, trabajan un tiempo en las barcazas del Mississippi y entran en la Crown Electric Company de Memphis, donde coinciden con un camionero de la compañía llamado Elvis Presley. Este les solicita ensayar con ellos pero lo rechazan.
El trío con Henry Jerome en 1956
Formado oficialmente en 1953, el Rock and Roll Trio intenta en vano conseguir un contrato con Sam Phillips, de Sun Records, pero no desisten y consiguen un trabajo en el Hideway Club de Middleton (Tennessee) donde tocan regularmente hasta febrero de 1956. A continuación se trasladan a Nueva York donde se presentan al programa Ted Mack Original Amateur Hour, un concurso de talentos. Lo ganan en tres ocasiones consecutivas con su sonido rockabilly salvaje, pero limpio, con dos guitarras, contrabajo y sin batería. Llaman la atención del director de orquesta Henry Jerome que decide convertirse en su manager.
Firman por el sello Coral con el que graban en mayo de 1956 el single 'Tear it up' / 'You´re undecided', que es un éxito en la zona de Boston y Baltimore, pero no logra entrar en las listas nacionales. Aparecen en los más importantes shows televisivos y sus siguientes temas 'Oh baby babe', 'The train kept a rollin´', 'Honey hush', 'Midnight train', además de su aparición en películas como 'Rock, rock, rock', convierten al trio en la banda de rockabilly más popular del país. No obstante, las ventas no acompañan al éxito popular y la publicación de un álbum con los magníficos temas 'Rockabilly boogie' y 'Your baby blue eyes' no mejora la situación económica del grupo. Además surgen celos entre los hermanos, al anunciarse el trio como Johnny Burnetteand the Rock and Roll Trio. En otoño de 1957 la banda se disuelve oficialmente.
Aunque una vez superadas sus diferencias volvieron a grabar juntos como los Burnette Brothers en 1958 ('Warm love' / 'My honey') y continuaron colaborando a la hora de escribir canciones para otros artistas, como 'Believe what you say', un éxito de Ricky Nelson de 1957, sus carreras artísticas fueron por separado.
Johnny ficha en 1958 por Freedom Records, filial de Liberty. Allí graba tres singles, 'Kiss me' (1958), 'Gumbo' y 'Sweet baby doll' (1959) que no obtienen éxito. Cuando Freedom Records se vio obligado a cerrar, Johnny pasó a depender del sello principal, Liberty Records donde la producción y la maquinaria promocional era más poderosa. Bajo la producción de Snuff Garrett sigue intentándolo y graba los singles 'Settin the woods on fire' y 'Patrick Henry' (1960) que logran ser hits regionales, pero siguen sin llamar la atención a nivel nacional.
Por fin su tercer single con Liberty, 'Dreamin' le hace popular entre millones de jóvenes que desconocían la existencia del Rock and Roll Trio. Alcanza el puesto nº 11 en las listas Billboard y el Top5 en el Reino Unido y tenía como cara B el tema 'Cincinatti Fireball'.
Su siguiente single, 'You're sixteen' / 'I beg your pardon' (1960), funcionó incluso mejor, alcanzando el Top10 en EE.UU y el puesto nº34 en el Reino Unido, además de un disco de oro.
Finalizado el contrato con Capitol, Johnny fundó su propio sello Sahara y en julio de 1964 publica 'Fountain of love' / 'What a summer day'. Como el nombre Sahara ya estaba registrado por otra compañía, Johnny renombró su sello a Magic Lamp y publicó un nuevo single, 'Bigger man' / 'Less than a heartbeat'.
Apartado de los escenarios a causa de la 'invasión británica' se dedicó a componer y a llevar una vida tranquila con su familia en el campo. En agosto de 1964, mientras Burnette se encontraba en el Clear Lake de California con su barca de pesca, un crucero lo embistió, cayendo Johnny al agua y muriendo ahogado a los 30 años.
El 25 de marzo de 1881 nació en Nagyszenmiklós, hoy Sinnicolua Mare, actual Rumania, el músico, compositor, pianista e investigador húngaro de música folclórica de la Europa oriental, Bela Bartók, el cual es considerado uno de los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y la musicología. Junto a su compatriota Zoltán Kodály, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.
Bartok en 1899
Hijo de un maestro de la Escuela de Agricultura de Nagyszenmiklós, los siete primeros años de vida del futuro músico transcurrieron en esta pequeña localidad, hoy perteneciente a Rumania. Fallecido su padre en 1888, su infancia se desarrolló en las diversas poblaciones húngaras a las que su madre, institutriz, era destinada. Aunque los primeros pasos de Bartok en el mundo de la música se decantaron hacia la interpretación pianística (en 1905 llegó a presentarse al prestigioso Concurso Rubinstein de piano, en el que fue superado por un joven Wilhelm Backhaus), pronto sus intereses se inclinaron decididamente por la composición musical. De trascendental importancia fue el descubrimiento del folclore húngaro que Bartók, junto al mencionado Kodály, estudió de manera apasionada de pueblo en pueblo y de aldea en aldea, con ayuda de un rudimentario fonógrafo y papel pautado.
Su influencia en su propia labor creadora sería determinante, hasta convertirse en la principal característica de su estilo y permitirle desvincularse de la profunda deuda con la tradición romántica anterior –en especial de la representada por autores como Liszt, Brahms y Richard Strauss– que se apreciaba en sus primeras composiciones, entre las que figura el poema sinfónico Kossuth. No sólo el folclore húngaro atrajo sus miras: también lo hicieron el eslovaco, el rumano, el turco o el árabe.
Con todo, no hay que pensar por ello que en sus obras se limitara a citarlo o a recrearlo, antes al contrario: era sólo el punto de partida para una música absolutamente original, ajena a los grandes movimientos que dominaban la creación musical de la primera mitad del siglo XX, el neoclasicismo de Stravinsky y el dodecafonismo de Schönberg, por más que en ocasiones utilizara algunos de sus recursos.
Si bien en algunas composiciones se conserva total o parcialmente la melodía original: Cuarenta y cuatro dúos para dos violines, “6 piezas dúo nº 44” (András Keller & János Pilz, violines), en otras, sobre todo en las más maduras, se asiste a la total absorción de los ritmos y las formas populares, de manera tal que, pese a no existir referencias directas, se advierte en todo momento su presencia.
Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets “El príncipe de madera” y “El mandarín maravilloso”, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son armónica y estructuralmente unas de sus más complejas piezas. Escribió su segundo cuarteto de cuerdas en 1917.
En 1927-1928 compuso el Tercero y el Cuarto cuarteto de cuerdas, considerados como unos de los cuartetos más importantes de la música clásica. En el Quinto Cuarteto de 1934 vuelve a un lenguaje armónico más simplificado y es más tradicional. Escribió su sexto y último cuarteto en 1939.
Páginas como las de la única ópera escrita por el músico, “El castillo de Barba Azul”; los ballets “El príncipe de madera” y “El mandarín maravilloso”; el “Concierto para piano n.º 1” y el “Allegro bárbaro para piano” (Balázs Szokolay, piano), contribuyeron a hacer de Bartok un autor conocido dentro y fuera de las fronteras de su patria, a pesar del escándalo que suscitaron algunas de ellas por lo atrevido de su lenguaje armónico, rítmico y tímbrico.
Profesor de piano en la Academia de Música de Budapest desde 1907 y director adjunto de esta misma institución desde 1919, en 1934 abandonó los cargos docentes para proseguir su investigación en el campo de la musicología popular, al mismo tiempo que, como pianista, ofrecía recitales de sus obras en toda Europa y continuaba su tarea creativa, con partituras tan importantes como “Música para cuerdas, percusión y celesta” y la “Sonata para dos pianos y percusión” (Murray Perahia- piano I, Sir Georg Solti - piano II, Evelyn Glennie - percusión, David Corkhill - percusión)
El estallido de la Segunda Guerra Mundial le obligó, como a tantos otros de sus colegas, a buscar refugio en Estados Unidos. Allí, a pesar de algunos encargos puntuales como la “Sonata para violín solo” o el “Concierto para orquesta”, Bartok pasó por serias dificultades económicas, agravadas por su precario estado de salud. A su muerte, a causa de una leucemia, dejó inacabadas algunas composiciones, como el “Concierto para piano n.º 3” y el “Concierto para viola” (Yuri Bashmet & Berliner Philharmoniker), ambas culminadas por su discípulo Tibor Serly.
Fue enterrado en el Cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York, pero en julio de 1988, sus restos fueron transferidos a Budapest a petición de sus hijos, Béla y Peter, donde recibió un funeral de Estado.
Sistema compositivo
Bartók nunca habló de su técnica compositiva. Fue el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el Sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a valorar, y el sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se basa por un lado en el sistema axial, y por otro en la proporción áurea.
1) El sistema axial
Se trata de la división de círculo de quintas en tres ejes dobles, uno de tónica, otro de dominante y otro de subdominante. Cada función tiene dos ejes, eje principal y eje secundario. A su vez cada eje tiene dos extremos, polo y antípoda. Aunque el parentesco entre un polo y su antípoda es menos cercano que con los puntos vecinos, cada polo puede ser sustituido por su antípoda, realizando la misma función. Por tanto, se mantienen las funciones tradicionales de I, IV y V. Una sucesión MI-LA-RE-SOL-DO-FA, en Bartók puede ser MI-LA-LAb-REb-DO-FA.
2) La proporción áurea
El método de Bartók, en su construcción formal, está estrechamente ligado a las leyes del Número Áureo. Éste constituye un elemento formal que es, al menos, tan significativo en la música de Bartók, como la cuadratura en el periodo clásico. La división áurea puede considerarse que sigue uno o dos cursos posibles, según aparezca primero la sección más larga o la más corta. Llamaremos sección positiva a la sección larga; la otra posibilidad será la sección negativa, la sección corta seguida de la larga. Un estudio analítico de varias obras de Bartók permite llegar a la conclusión de que la sección positiva va acompañada de intensificación, ascenso dinámico o concentración de material, mientras que la sección negativa de descenso y apaciguamiento.
El estudio de estas proporciones nos conduce inmediatamente a la cuestión del uso que hacía Bartók de acordes, escalas e intervalos. Estrechamente emparentada con la razón áurea (a la que tiende la razón de dos términos consecutivos) se encuentra la sucesión de Fibonacci. De modo intuitivo o consciente, esta serie numérica ha sido utilizada por las distancias proporcionales que guardan sus términos. Un ejemplo claro donde Bartók usó la serie para crear su "escala Fibonacci" es en su obra “Música para instrumentos de cuerda, percusión y celesta”, o en sus cuartetos de cuerda: Cuarteto nº 1, (Novák Quartet) un análisis de su fuga nos muestra la aparición de la serie y de la razón áurea.
Obras selectas
Sus obras se suelen citar siguiendo el catálogo preparado por el musicólogo András Szőllősy, añadiéndoles Sz delante del número de opus.
El 25 de marzo de 1699 nació en Bergedorf, cerca de Hamburgo el compositor alemán del barroco tardío y rococó, Johann Adolph Hasse, considerado como el máximo exponente de la ópera seria italiana del s. XVIII. Es autor de una de las obras más prolíficas de su tiempo: escribió 50 melodramas, una decena de intermezzos, 11 oratorios y un considerable número de obras sacras.
Johann Adolph Hasse
Creció en el seno de una familia de organistas y cantores, recibiendo su primera educación musical de su padre. Debido a que tenía una hermosa voz de tenor, pudo participar en el ensamble de ópera de Reinhard Keiser en 1718. Más adelante obtuvo el puesto de cantante en la corte de Brunswick-Lüneburg, donde también debutó como compositor con su ópera seria “Antioco”, en 1721. A los 20 años escribió su primer drama y al poco tiempo se trasladó a la capital de la llamada ópera moderna italiana para aprender las ideas napolitanas en boga. Estudió con Antonio Porpora y Alessandro Scarlatti. Debido a su amistad con este último, recibió su primer encargo como compositor en Italia: la serenata “Marc Antonio e Cleopatra” (Vivica Genaux & Isabel Bayrakdarian) para dos voces. Esta obra se ejecutó por dos de los más famosos cantantes italianos, Farinelli y Vittoria Tesi.
Faustina Bordoni
Compuso varias óperas e intermezzi y fue adquiriendo una reputación que pronto se extendió por todo Italia. Recibió encargos de teatros de Venecia, Milán, Turín y Roma. En ese periodo se le conoció como “Il Caro Sassone” (el querido sajón) y entabló una larga asociación con el "Ospedale degli Incurabili", uno de los principales conservatorios para jóvenes damas en Venecia. Alcanzó gran popularidad y en 1726, recibió el puesto de maestro de capilla en esa ciudad donde conoció a la muy reconocida mezzosoprano Faustina Bordoni, quien en 1730 se convirtió en su esposa. Ambos músicos recibieron una oferta muy generosa del elector Augusto II de Sajonia para trabajar en Dresde. Tras aceptar esta oferta, la pareja se mudó a la ciudad alemana, donde permaneció dos años. La ópera «Cleofide», fue escrita para su mujer, considerada una de las más grandes cantantes del siglo XVIII.
Después del enorme éxito obtenido con su ópera “Cleofide”- Generoso risuegliati(Película 'Farinelli, il castrato') en Dresden, la vida musical de la ciudad adquirió una inusual brillantez y Hasse inició en ella un fértil periodo creativo que duraría unos treinta años.
El compositor escribió en promedio dos óperas al año, además de cantatas seculares, música instrumental, oratorios y otras obras religiosas para la Capilla Real. Gracias a la generosidad de la corte, Hasse logró condiciones laborales muy favorables y pudo viajar con regularidad a Munich, Viena, Berlín, París, Varsovia y otras ciudades europeas. Desarrolló una cercana amistad con Pietro Metastasio y musicalizó casi todos los libretos del poeta. Ambos compartían los mismos puntos de vista sobre el teatro inspirados por la Edad de la Ilustración.
Dresden en 1750
En 1739, algunos años después de la muerte del elector Augusto II, la familia Hasse regresó a Dresde y Johann Adolph retomó el puesto de maestro de capilla. Fue en este tiempo cuando la capilla de la corte se convirtió en una de las mejores orquestas de Europa. En 1738, estrenó la segunda versión de su ópera “La Clemencia de Tito”- ''Se mai senti'' (Philippe Jaroussky - contratenor) cuya primera versión había estrenado en Pésaro (1735).
La Guerra de los Siete Años puso fin al esplendor de la vida musical en Dresden y a ese memorable periodo en la vida de Hasse. Fue despedido y junto a su esposa, decidió residir en Viena donde Johann Adolph continuó su actividad componiendo óperas como “Il trionfo di Clelia”, convirtiéndose en el compositor favorito de la emperatriz María Teresa I.
En 1771 compuso su última ópera “Ruggiero” (Bayerische Kammerphilarmonie / Reinhard Goebel), escrita para la boda del archiduque Fernando de Austria en Milán. En esta misma ocasión se presentó la serenata Ascanio in Alba de Wolfgang Amadeus Mozart, quien tenía en ese momento solamente 14 años. Sorprendido por la genialidad del joven Mozart, Hasse comentó que "este chico hará que nos olviden a todos".
Iglesia de San Marcuola (Venecia)
Los Hasse se trasladaron a Venecia, donde Johann Adolph pasó los diez últimos años de su vida dedicado a la enseñanza y a la composición de música sacra. Faustina murió en 1781 y Hasse, tras un periodo sufriendo artritis, murió dos años después a los 82 años. Sus restos yacen en la iglesia de San Marcuola de Venecia. Destacable es el Aria "Ah, che mancar mi sento" que compuso Hasse por la muerte de su esposa. Tras su muerte, Hasse cayó en el olvido debido a que la ópera seria rápidamente pasó de moda con sus formas musicales y personajes demasiado estandarizados. La naciente burguesía no tenía interés en los héroes operísticos con los que los monarcas absolutistas se identificaban. Sin embargo, Hasse sigue siendo un puente entre el barroco tardío y el clasicismo vienés muy importante.
Otras obras vocales
• “Miserere” en Re menor (Coro Femminile Euridice & Massimo Lombardi)
Obras instrumentales destacables
Es sabido que Johann Adolph Hasse adquirió la más notable de las famas como operista y compositor de obras vocales en general. Sus obras puramente instrumentales fueron, en comparación, claramente menores en número. Pero no por ello desmerecen ante las de cualquiera de sus contemporáneos.
El 25 de marzo de 1972 se publicó en el Reino Unido 'Machine Head', el sexto álbum de estudio del grupo británico de hard rock Deep Purple. Fue el disco de mayor éxito de la banda y fundamental en el desarrollo del heavy metal.
Casino de Montreaux
Cuando todo estaba previsto para grabar con la unidad móvil de los Rolling Stones en el Casino de Montreaux (Suiza), Ian Gillan, el cantante de la banda contrajo hepatitis. Esto hizo que se anulara la gira americana que estaba por venir pero no la grabación, en la que habían puesto una gran ilusión. El Casino de Montreaux era un gran complejo de instalaciones que permanecía cerrado unos meses de invierno, circunstancia que aprovechaban para alquilarlo como 'sala de ensayo y grabación'. Otro motivo no menos interesante era el fiscal, ya que les salía mucho más barato grabar en Suiza que en el Reino Unido.
Ian Paice
Deep Purple ya había actuado antes en el lugar, así como Pink Floyd y Led Zeppelin. Para empezar a desplegar su equipo solo debían esperar a que se celebrara el último concierto de la temporada: Frank Zappa y sus Mothers of Invention. La noche del 4 de diciembre de 1971 mientras el teclista de la banda de Zappa ejecutaba el solo de 'King Kong' en su sintetizador, algún imbécil del público lanzó una bengala que impactó en el techo, provocando un incendio que, aunque no provocó desgracias personales, destrozó la cubierta, que al desplomarse aplastó el equipo del grupo.
Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover, Ian Gillan y Ian Paice
Los miembros de Deep Purple vieron las llamas desde su hotel y como el humo resultante se posaba sobre el lago Geneva.
El casino en llamas
De ahí surgió el nombre del tema más emblemático del álbum 'Smoke on the water', cuyo famosísimo riff han intentado emular desde entonces todos los guitarristas de rock cuando daban sus primeros pasos. Al quedar el casino inservible, se buscó otra localización para la grabación y se trasladaron al teatro Pavillion, donde comenzaron a grabar por fin. Cuando todo parecía resuelto, las quejas de los vecinos acerca del volumen provocaron que la policía pusiera fin a la sesión. Finalmente acabaron en el Gran Hotel de Montreaux, donde se finalizaron todas las tomas de 'Machine Head'.
Ritchie Blackmore
Ritchie Blackmore recuerda: "Teníamos la cabina de control del estudio móvil de los Rolling Stones afuera en la nieve con los cables entrando en el hotel a través del pasillo de entrada, después por una habitación, a través del baño, luego salía por la ventana y entraba un piso más arriba por otra ventana a las habitaciones donde estábamos con los instrumentos. Esto le dio espontaneidad al trabajo, ya que, cuando vimos lo que costaba ir al control para oir como había quedado, dejamos de ir y dábamos por bueno lo que nos parecía bien sin oirlo demasiado".
Roger Glover
'Highway star' surgió en un viaje en el autocar de la banda, en el que les acompañaba un periodista. Ante la pregunta de éste de cómo componían las canciones, Ritchie agarró una guitarra y comenzó a tocar un riff mantenido en Sol. Gillian no tardó en unírsele improvisando y, esa misma noche, pulieron y acabaron la canción. Blackmore le dijo al organista Jon Lord que su solo tenía que sonar a 'Bach'. El solo de guitarra de 'Highway star' es otro clásico del instrumento y la velocidad del tema lo convierte en uno de los primeros temas de 'speed metal', un sub-género del heavy metal.
Jon Lord
'Maybe I'm a leo', es un tema de Roger Glover, que compuso el riff tras oir 'How do you sleep?' de John Lennon. Es quizás el tema del álbum que peor ha resistido el paso del tiempo. La letra de la atronadora 'Pictures of home' rezuma paranoia de estudio y morriña de hogar. El riff principal vino inspirado por algo que escuchó Blackmore en una emisora turca de onda corta. A la funky 'Never before' le sigue un trío explosivo: la ya mencionada 'Smoke on the water', el órgano gradual y el crescendo de la percusión de Ian Paice en 'Lazy', y la vertiginosa 'Space truckin'. El álbum alcanzó el nº1 del Reino Unido donde se mantuvo en el top40 unas 20 semanas. En EE.UU. alcanzó el nº7 de las listas de álbumes y permaneció 118 semanas en el Billboard200.
En las mismas sesiones se grabó también el tema 'When a blind man cries' que no pudo incorporarse al álbum y se editó como cara B del single 'Never before'. Sí se incluyó en la reedición de 1997 que conmemoraba el 25 aniversario con nuevas remezclas.
El 24 de marzo de 1681 nació en Magdeburgo, actual Alemania, el compositor barroco -aunque su obra también tuvo características de principios del clasicismo- Georg Philipp Telemann. Constituye una buena muestra de la música de su tiempo, pues sintetiza el contrapunto alemán y el concierto italianizante, así como la danza francesa (suite) y la ópera de Lully. Su actividad como director y compositor, estrechamente vinculada a la sociedad cortesana de la época, eclipsó en buena medida los nombres de J. S. Bach y Haendel, hasta el extremo de que éste se fue a Inglaterra; pese a ello, ambos músicos profesaban por Telemann una sincera amistad y admiración. Tan prolífico que nunca fue capaz de contar el número de sus composiciones, viajó mucho, absorbiendo diferentes estudios musicales e incorporándolos a sus propias composiciones. Consiguió una serie de cargos importantes, culminando con el de director de música de las cinco iglesias más grandes de Hamburgo, desde 1720 hasta su muerte, en 1767. Le sucedió su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.
Hamburgo en 1700
Su familia no tenía particular interés en la música, ya que únicamente un bisabuelo había sido cantor en Halberstadt, y ningún otro familiar había tenido relación con ella. El padre falleció en 1685, dejando a cargo de la viuda la educación del joven Telemann. Contaban con empleo en la iglesia local y constituían una familia de clase media alta. El niño comenzó a descubrir la música a los 10 años de edad, mostrando enseguida talento al componer su primer opus a los 12 años. Sin embargo, esta aptitud no contó con el apoyo de su familia; temiendo que Telemann siguiera una carrera musical, su madre le quitó todos los instrumentos y lo envió en 1693 a una nueva escuela en Zellerfeld, con la esperanza de que este cambio orientara al muchacho hacia una profesión más lucrativa.
Los factores clave para que Telemann se convirtiera en el más famoso músico de su época en Alemania fueron su sentido del humor, una personalidad amigable, una tremenda confianza en sí mismo y una productividad increíble desde temprana edad. La estrategia materna finalmente falló porque el director de la escuela observó el talento musical del nuevo alumno y permitió que Telemann siguiera componiendo y expandiendo sus conocimientos en forma autodidacta. Para la época en que completaba sus estudios en Hildesheim, Telemann había aprendido a tocar casi sin ayuda la flauta dulce, el órgano, el violín, la viola da gamba, la flauta traversa, el oboe, el chalumeau y el trombón bajo entre otros instrumentos musicales. Sus viajes le permitieron asimismo conocer nuevos estilos musicales, siendo sus primeras influencias Johann Rosenmüller y Arcangelo Corelli.
En 1701, Telemann ingresó en la Universidad de Leipzig con el fin de estudiar leyes, posiblemente a petición de su madre. El nuevo intento no duró más que lo que tardó su talento en ser descubierto, y enseguida le encargaron componer música para las principales iglesias de la ciudad.
Al poco tiempo, fundó un “collegium musicum” de 40 miembros para dar conciertos de su música. Al año siguiente lo nombran director de la Ópera de Leipzig y cantor de una de sus iglesias. Su creciente fama comienza a inquietar al compositor mayor Johann Kuhnau, cuya posición como director musical de la ciudad se ponía en riesgo, al ser nombrado Telemann "cantor".
Thomaskirche en Leipzig (1720)
Telemann también ocupaba a muchos estudiantes en sus producciones operísticas, restándoles tiempo para participar en la música sacra promovida por Kuhnau. Finalmente, Kuhnau denunció a Telemann por «músico de ópera», pero aún después de la partida de este último, no logró recuperar a los intérpretes que había perdido. Telemann abandonó Leipzig en 1705 para actuar como maestro de capilla en la corte del conde Erdmann II en Sorau. Allí se familiarizó con el estilo francés de Lully y Campra, componiendo varias oberturas y suites durante los dos años que estuvo en el puesto.
La invasión de Alemania por los suecos obligó a la corte de Erdmann a evacuar el castillo. Se cree que Telemann visitó París en 1707 y luego fue nombrado jefe de cantores en la corte de Eisenach, donde conoció a Johann Sebastian Bach. El principal cargo obtenido por Telemann fue su nombramiento en 1721 como director musical de las cinco principales iglesias de Hamburgo, puesto que mantendría el resto de su vida.
Hamburgo en 1740
Allí escribió dos cantatas para cada liturgia dominical, así como otra música sacra para ocasiones especiales, además de enseñar canto y teoría de la música, y dirigir otro collegium musicum, que realizaba uno o dos conciertos por semana. Telemann también dirigió la ópera local durante unos pocos años, pero esto le significó una quiebra financiera. Cuando el puesto de Kuhnau en Leipzig estuvo vacante, Telemann se presentó como candidato, resultando aprobado por el consejo de la ciudad entre seis postulantes. Sin embargo, rechazó el nombramiento, aunque no sin antes usarlo como excusa para obtener un aumento de sueldo en su cargo de Hamburgo. Ante la persistencia de la vacante, el consejo de Leipzig seleccionó a Christoph Graupner, quien tampoco aceptó el nombramiento. Finalmente asumió el puesto Johann Sebastian Bach. Telemann incrementó además sus ingresos en Hamburgo con varios cargos menores en otras cortes, y con la publicación de volúmenes de su propia música.
Su producción musical comenzó a declinar a partir de 1740 y se enfocó más enérgicamente en escribir tratados teóricos. Durante esta época trabajó además con algunos jóvenes compositores, como Franz Beda y su ahijado, Carl Philipp Emanuel Bach. Al morir su hijo mayor Andreas en 1755, Telemann asumió la responsabilidad de criar a su nieto Georg Michael Telemann, iniciando la educación musical del futuro compositor. Muchos de sus oratorios provienen de esta época. En los últimos años su vista empezó a deteriorarse, y este problema le llevó a disminuir su actividad a partir de 1762. A pesar de ello, siguió componiendo hasta su muerte, el 25 de junio de 1767.
El libro Guinness de los récords menciona a Telemann como el compositor más prolífico de todos los tiempos, con más de 800 obras acreditadas. Estudios recientes, por ejemplo, el catálogo temático de sus obras publicado en la década de 1980, muestra que se conocen más de 3000 composiciones de su autoría, aunque muchas se han perdido.
Varias de estas piezas perdidas fueron descubiertas recientemente por musicólogos de relieve, como Jason Grant. Muchos de los manuscritos fueron destruidos durante la Segunda Guerra Mundial.
Telemann fue muy famoso durante su vida y por muchas décadas después de su muerte. Sin embargo, para principios del siglo XIX sus obras se interpretaban con menor frecuencia.
La última presentación pública de importancia de una de sus obras, “Der Tod Jesu”, (Ensemble vocal Ex Tempore, Le Mercure Galant) hasta ya avanzado el siglo XX se efectuó en 1832. Además, la edición de 1911 de la Enciclopedia Británica, que incluye largos artículos sobre Bach y Händel, no menciona a Telemann.
Instrumentos barrocos
El interés por la obra de Telemann renació a principios del siglo XX, junto con la recuperación de los instrumentos musicales barrocos y la renovada atención sobre la música de cámara. Actualmente numerosos conjuntos en todo el mundo interpretan su música, que está además disponible en incontables grabaciones.
En 1728 Telemann fundó “Der getreue Musikmeister”, un periódico quincenal de cuatro folios donde incluía lecciones de música, composiciones propias y de otros autores, tales como Keiser, Pezold, Görner, Bonporti, Zelenka, Ritter y Stoltzer. Se considera que es una de las primeras publicaciones periódicas de música que han existido, incluyendo la particularidad de que muchas sonatas, suites y otras composiciones de cierta longitud continuaban su desarrollo en la siguiente edición, obligando así a los melómanos a adquirir el próximo ejemplar. Esta estrategia comercial adelanta lo que varios siglos después sería una práctica común. Solamente se conservan 25 ediciones de esta publicación. La mayoría no está fechada, por lo que se desconoce con exactitud la cantidad total de ejemplares que se publicaron, ni el tiempo que duró tan ingeniosa experiencia periodística.
• Suite en La-para flauta y cuerdas, TWV55:a2 (Bedrich Tylsar)
• Suite en Re para Viola da Gamba y 2 Oboes, TWV55:D6 (Marion Verbruggen, Sarah Cunningham, Monica Huggett & Orchestra of the Age of Enlightenment)
• Wasser Obertura en Do, por 2 flautas, flautas, 2 oboes, fagot, cuerdas y bajo continuo ('Hamburger Ebb und Fluth'), TWV55: C3 IV: “Der verliebte Neptunus” ;VIII. Minueto (Collegium Pro Musica, dir. Stefano Bagliano)
Otros trabajos de cámara
• Bourrée alla polacca, para guitarra (o el teclado) (Sven Lundestad)
• "Heldenmusik", 12 marchas para 2 instrumentos y bajo continuo TWV50:31-42 (Empire Brass & Michael Murray, organ)
• "Tafelmusik", colección de 18 obras de cámara para varios conjuntos organizados en 3 producciones. 1.VII; 2.IV; 3.I (Pieter-Jan Belder & Musica Amphion)
Obras vocales
El catálogo de las obras de Telemann registra 406 composiciones sacras, que incluyen 13 cantatas, 23 cantatas fúnebres, 60 oratorios y pasiones, 32 salmos, 16 motetes, varias de las cuales se han perdido.
Entre este género de composiciones, se detallan algunos ejemplos:
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