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El 22 de junio de 1936 nació en Brownsville, Texas, el actor, compositor y cantante country Kris Kristofferson, Su éxito como actor en el cine y la TV ha tendido a oscurecer sus considerables aptitudes como cantante y compositor. De hecho, fue como empezó su carrera: escribiendo y cantando música country. Sus afligidas letras -por las que ha sido llamado el 'trovador de los perdedores'- y sus sencillas melodías ayudaron a finales de los años sesenta a definir el nuevo sonido 'progresivo' de Nashville, al mismo tiempo que emergían nuevos artistas como Johnny Cash, Waylon Jennings y Willie Nelson, con los que Kris estableció una amistad y complicidad musical, formando con ellos el grupo de 'outlaws' (fuera de la ley) del country.
Su imagen rebelde y de 'outlaw' es un producto de sus años adultos, ya que en su juventud fue lo que se puede denominar el hijo modelo de una típica familia norteamericana del sur. Nieto de inmigrantes suecos e hijo de un general retirado de las fuerzas aéreas, fue un aplicado estudiante con magníficas notas y el ganador de un concurso literario de historias cortas, además de boxeador amateur. Sus buenas calificaciones le hicieron merecedor de una beca para estudiar en la universidad británica de Oxford. El futuro de Kris parecía prometedor, pero hubo algo que se cruzó en su camino hacia el tipo de vida conservador al que oarecía estar destinado: su afición por el country, especialmente las canciones de Hank Williams, que a Kris le gustaba cantar acompañado de una guitarra durante su estancia en Inglaterra, donde llegó a actuar en pequeños locales como Kris Carson e incluso apareció en la TV británica.
Kris de paracaidista
La vida académica no le satisfizo y, desilusionado con Oxford, en 1960 vuelve a Estados Unidos y se alista en el ejército. Durante un tiempo parece decidido a seguir los pasos de su padre y se entrena como paracaidista y piloto, llegando a ser un consumado piloto de helicópteros. Finalizado su servicio, se reengancha otros tres años y es destinado a una base aérea en Alemania. Allí forma un grupo y actúa en los clubs de las localidades vecinas a la base. Un día un amigo lo convence para que envíe sus canciones a un editor de Nashville. En 1965, de vuelta en Nueva York, Kris estaba a punto de aceptar un puesto como instructor en la academia militar de West Point, pero a última hora, y contra el deseo de sus padres, viajó hacia Nashville con unas cuantas canciones escritas como único equipaje.
Los siguientes cuatro años fueron una constante lucha por sobrevir y seguir escribiendo. Trabajaba como camarero y de conserje nocturno en los estudios de Columbia Records, al tiempo que ofrecía sus canciones a las estrellas del country del momento. Dos de ellos respondieron a su persistencia y a su talento: Johnny Cash y Roger Miller. Miller fue el primero en grabar en 1969 un tema de Kristofferson, el célebre 'Me and Bobby McGee'. Cash tomó su 'Sunday mornin' comin' down' (una deliciosa oda a las resacas) y la convirtió en un gran éxito que fue nº1. En 1970, Kris fue el primer sorprendido cuando la Country Music Association la nombró Canción del Año.
Una Mañana de Domingo de Resaca
Me desperté el domingo a la mañana
sin encontrar la forma de aguantar mi cabeza para que no me doliera
y la cerveza que me tomé como desayuno
no estaba mal, así que tomé una más de postre.
Atravesé mi cuarto a trompicones
en busca de mi ropa, y encontré la menos sucia de mis camisetas,
me afeité y me peiné,
y bajé tropezando por las escaleras para encontrar el día.
La noche anterior me saturé el cerebro con el humo
de cigarrillos y canciones que escogí
pero me encendí el primero y observé a un chaval
maldiciendo la lata que estaba pateando.
Entonces crucé la solitaria calle y detecté
el olor dominical de alguien friendo pollo,
y eso me hizo recordar algo que,
de alguna manera perdí en alguna parte del camino
Caminando por la acera en una mañana de domingo,
deseando, Señor, estar colocado.
Porque hay algo en los domingos,
que hace que te sientas muy solo.
Y no hay nada excepto la muerte,
tan solitario como el sonido
silencioso de las calles de la ciudad dormida
durante una mañana de domingo de resaca.
En el parque ví a un padre con
una pequeña niña sonriente que se columpiaba
y me detuve junto a una escuela dominical
escuché la canción que cantaban.
Entonces me dirigí de vuelta hacia casa y
en algún lugar, a lo lejos, sonaba una campana
y su eco resonó a través del cañón
como los sueños del ayer desvaneciéndose.
Caminando por la acera en una mañana de domingo,
deseando, Señor, estar colocado.
Porque hay algo en los domingos,
que hace que te sientas muy solo.
Y no hay nada excepto la muerte,
tan solitario como el sonido
silencioso de las calles de la ciudad dormida
durante una mañana de domingo de resaca.
Para entonces, Cash y Kristofferson se habían hecho grandes amigos y Cash le sugirió a Kris que cantara sus propias canciones. El tejano firmó con Monument Records y en 1970 apareció su primer álbum 'Kristofferson' (más tarde, debido al éxito de Joplin, renombrado a 'Me and Bobby McGee'), que contenía sus propias versiones de 'Me and Bobby McGee' y 'Sunday mornin comin' down'. Incluía también otras magníficas canciones como 'Help me make it through the night','To beat the devil'y 'For the good times'. La publicación del álbum no tuvo mucha repercusión en las listas de ventas, sin embargo sus canciones comenzaban a ser interpretadas por cada vez más artistas no sólo de country, también de rock y pop.
Cuando Janis Joplin grabó y popularizó póstumamente su versión de 'Bobby McGee', convirtiendo la canción en un hit internacional, Kristofferson ya había publicado su segundo álbum, 'Silver Tongued Devil and I' (1971), con temas como 'Jody and the Kid', 'Lovin' her was easier (Than anything I'll ever do again)' y el que dió título al álbum, que fue disco de oro.
Por ésta época, Hollywood también había descubierto a Kristofferson y el cantante añadió su carrera como actor a su ya ocupada agenda de conciertos. Desde entonces ha intervenido en más de 100 films destacando sus papeles en 'Pat Garret y Billy the Kid' (1973), 'Traedme la cabeza de Alfredo García' (1974), 'Las puertas del cielo' (1980) y 'Blade' (1998).
Rita Coolidge y Kris
En 1973 Kris -tras sendos romances con Janis Joplin y Barbra Streisand- se casó con la cantante Rita Coolidge, con la que tuvo un hijo y permaneció siete años hasta su divorcio -el famoso 'seven-year itch'-, en 1980. Durante su relación grabaron juntos tres álbumes que destilaban tanto amor almibarado como autocomplacencia, 'Full Moon' (1973), 'Breakaway' (1974) y 'Natural Act' (1978). Sin embargo, fueron nominados a varios Grammy y la fama de Kris creció, algo que el músico no llevaba bien a causa de su miedo escénico y extremada timidez.
Kristofferson y Barbra Streisand
Su conflicto con la fama llegó a un punto máximo después del estreno del film 'A star is born' (1976), en el que por su papel protagonista junto a Barbra Streisand, recibió un Globo de Oro y fue nominado al Oscar. No fue capaz de digerir tanto éxito y se enganchó a la botella y en 1980 se divorció de Rita Coolidge. Tardó unos cinco años en volver a ser el mismo. Con su recién estrenada sobriedad se volvió a casar y retornó al mundo de la música country, donde se reencontró con sus amigos Cash, Jennings y Nelson que habían pasado por procesos similares.
The Highwaymen
Juntos formaron el supergrupo The Highwaymen y publicaron su primer álbum en 1985. En 1987 publicó un nuevo álbum, 'Repossessed', con el que recuperó el favor del público y la crítica, volviendo a realizar conciertos y giras. Repetiría la experiencia con los Highwaymen en dos ocasiones más, 'Highwayman 2' en 1990 y 'The Road Goes on Forever' en 1995. Kristofferson, que se definió como "un viejo alcohólico, que trata de vivir al día", además de su carrera cinematográfica, siguió publicando discos. En enero de 2013 se publicó el que hizo el álbum nº 21 de su carrera, 'Feeling Mortal' y en junio de 2016 apareció su más reciente álbum, el doble 'Cedar Creek Sessions'. Falleció en septiembre de 2024 a los 88 años.
El 31 de mayo de 1938 nació en Nueva York el músico folk estadounidense Peter Yarrow. En 1959 formó un trío junto a Mary Travers y Noel 'Paul' Stookey llamado Peter, Paul & Mary. En 1962 publicarían su primer LP que se mantuvo en el top10 más de diez meses con temas como 'Lemon tree' y 'If I had a hammer'.
Peter Yarrow
El hecho de que canciones de origen folk como las citadas rivalizaran en las listas de éxitos de principios de los sesenta con temas como 'The locomotion' de Little Eva o 'Sherry' de los Four Seasons, demostraba que algo estaba cambiando en la música. En su siguiente álbum incluirían versiones del joven Dylan que contribuyeron en gran medida al folk revival de los sesenta y a la 'explosión Dylan' de finales de la década.
Paul, Mary y Peter Yarrow
La carrera del trío comenzó cuando Albert Grossman los eligió en unas audiciones entre diversos cantantes de la escena folk neoyorquina con el fin de representarlos. Les buscó un trabajo en el Bitter End, un famoso café concierto de Greenwich Village y poco después grababan su primer álbum, que incluía temas como 'Lemon tree', '500 miles','Where have all the flowers gone?' y 'If I had a hammer', popularizada por Pete Seeger. El álbum fue un gran éxito, permaneciendo siete semanas en el nº1 y más de diez meses en las listas, vendiendo más de dos millones de copias.
Canciones con historia: 'Puff the Magic Dragon'
En 1958 el mundo y la vida en la Universidad de Cornell todavía se encuentran en orden. Los estudiantes llevan un adecuado corte de pelo, ninguno de ellos fuma y todos escuchan la música que les gusta a sus padres. Uno de esos alumnos es Leonard Lipton, que con 19 años recién cumplidos y como la mayoría de chicos de su edad, se hace preguntas acerca de su futuro, la madurez y la pérdida de la inocencia. Estas preguntas y las ideas que le surgen de ellas las plasma en un poema, a su vez basado en otro poema del americano Ogden Nash titulado 'Custard the Dragon', que trataba sobre un dragón domesticado.
El poema de Leonard cuenta una historia sobre un dragón mágico e inmortal llamado Puff y su amigo Jackie Paper con quien jugaba cuando era un niño, pero a medida que Jackie se iba haciendo adulto, iba perdiendo el interés por las aventuras imaginarias típicas de la infancia, dejando a Puff solo y deprimido. Unos años más tarde este agridulce pero inofensivo poema será acusado de 'incitar a la droga'.
Paul, Peter y Mary
Co-responsable de este error fue Peter Yarrow, tan ignorante e inocente como Leonard en el asunto drogas. Peter le añadió un par de estrofas y le puso una música adecuada y, en 1963 lo grabó con Mary Travers y Paul Stookey, con los que formaba el trío folk Peter, Paul & Mary. Lo que ninguno de ellos pudo imaginar sucedió: La canción que narra un cuento infantil cuyo protagonista es Puff, un dragón mágico, es confundida con un himno pro-marihuana. En cada línea y en cada estrofa, la comunidad hippie de los sesenta pretende encontrar un mensaje oculto que incita al consumo de 'maría': (Puff = dar una calada, fumar; Jackie Paper = papel; dragon/draggin' = colocarse),
El trío no se puede enfrentar a la rapidez con la que se propaga el error de interpretación, que se convierte en leyenda urbana. Quizás tampoco se esforzaron demasiado en negarlo, ya que el inmenso éxito de la canción infantil se debió precisamente a la polémica que suscitó.
Puff, el dragón mágico vivía junto al mar y retozaba en la niebla del otoño En una tierra llamada Honah lee. El pequeño Jackie Papel amaba aquel pillo dragón, Y le regalaba cordones y lacre Y otros extravagantes objetos.
Juntos viajarían En un barco con las velas hinchadas Y Jackie hacía de vigía encaramado En la gigantesca cola de Puff, Nobles reyes y príncipes se inclinaban a su llegada, Y barcos piratas arriaban sus banderas Cuando Puff rugía su nombre.
Puff, el dragón mágico vivía junto al mar y retozaba en la niebla del otoño En una tierra llamada Honah lee...
Un dragón vive siempre Pero no así los niños Alas pintadas y anillos gigantes Dan paso a otros juguetes. Sucedió una noche gris: Jackie Papel no vino más Y Puff el poderoso dragón, Cesó su feroz rugido.
Su cabeza estaba llena de dolor, y sus verdes escamas caían como gotas de lluvia, Puff ya no salía a jugar,
Por el camino de los cerezos. Sin su amigo de toda la vida, Puff ya no podía mostrarse valiente, Así que, Puff, el poderoso dragón se arrastró tristemente hacia su cueva
Puff, el dragón mágico vivía junto al mar y retozaba en la niebla del otoño En una tierra llamada Honah lee...
John Kerry y Peter Yarrow en 2004
Aunque años después -pasado el boom comercial de la canción- Yarrow aseguraba una y otra vez que el tema no estaba relacionado de ninguna manera con las drogas, su amigo John Kerry -en cuya campaña presidencial de 2004 participó Peter cantando 'Puff'- cuando comenzó a sonar la canción, jocosa e inevitablemente, hizo un gesto dando una calada a un joint imaginario.
Cerraron la década y la primera etapa del trío en 1970 con el primer y único nº1 de su carrera: un tema escrito por John Denver llamado 'Leaving on a jet plane'. Seguidamente, Peter Yarrow, Paul Stookey y Mary Travers continuaron sus carreras en solitario. Yarrow produjo y fue coautor del tema 'Torn between two lovers' de Mary MacGregor (nº1 en 1977) y asimismo se encargó de la producción de unos programas de TV infantiles basados en la historia de Puff, el dragón mágico. En 1978 se reunieron con motivo de un concierto para apoyar la campaña presidencial de McGovern. El éxito del concierto les animó a repetir de vez en cuando la experiencia y en 1981 volvían a actuar habitualmente como Peter, Paul & Mary. Grabaron seis álbumes más hasta la muerte de Mary Travers en 2009. Su último trabajo juntos fue el álbum 'In These Times' (2004). Yarrow murió en enero de 2025 a los 86 años.
El 26 de abril de 1938 nació en Lancaster (Carolina del Sur) el cantante de R&B y doo wop Maurice Williams quien en 1960 compuso y grabó con su grupo The Zodiacs el tema 'Stay', cuya particularidad es ser el tema más corto (1:38) en haber llegado nunca al nº 1 de las listas Billboard. The Four Seasons en 1964 y Jackson Browne en 1978 realizaron sendas versiones que alcanzaron el Top10.
Aunque considerado en la historia del rock como un 'one hit wonder', Maurice ya se había asegurado en cierto modo su futuro gracias a otra de sus composiciones, 'Little darlin'. Publicada sin éxito por uno de sus grupos anteriores, los Gladiolas, cedieron el tema a los Diamonds, quienes en 1957 lo convirtieron en nº2 de las listas Billboard y en un 'oldie' clásico del rock.
Posteriores grabaciones a 'Stay', como 'Come along', 'I remember' y 'May I' de 1961 pasaron prácticamente desapercibidas. A pesar de ello, Maurice y sus Zodiacs hsobrevivieron como grupo hasta nuestros días, adaptando a la corriente imperante en cada momento (beat, pop, hard-rock etc) la música de sus shows. En 1986, 'Stay' fue incluida en la banda sonora del film 'Dirty Dancing' y al final de esa década, Maurice recibió un disco de platino simbólico certificando unas ventas de más de ocho millones de copias de la canción. Williams murió en agosto de 2024 a los 86 años.
El 26 de abril de 1938 nació en Corning (New York) el guitarrista norteamericano Duane Eddy. Tuvo su momento de mayor popularidad entre los años 1958 y 1963, cuando los temas de rock instrumentales dominaban los mercados. Conocido por su personal estilo twang a la guitarra con el que fusionaba country, R&B y rock and roll, su éxito le permitió tomar parte en varias películas y componer música para el cine. Tras conseguir 15 hits en el Top40, Eddy desapareció de la escena, pero su influencia perduró. Su sonido 'twang' fue imitado por numerosos guitarristas. Duane continuó haciendo giras, aunque no volvió a obtener la misma atención, exceptuando Inglaterra, donde su popularidad permaneció.
Eddy comenzó a tocar la guitarra con cinco años y siendo un adolescente, su familia se trasladó a Phoenix (Arizona). Con 16 años dejó los estudios y comenzó a tocar en los clubs locales. En aquellos días su guitarra era una Gretsch modelo Chet Atkins que utilizaría durante años. Tocó con el guitarrista Al Casey y recibió lecciones de guitarra de jazz de Jim Wybele. En 1957, un disc-jockey local, Lee Hazlewood le consiguió un contrato discográfico y produjo su primer single.
Formaron una banda llamada los Rebels con Al Casey, Larry Knechtel y Steve Douglas y se publicó 'Movin' 'n' groovin', un tema instrumental en el que aparecía por primera vez su sonido twang, que conseguía tocando la melodía en las cuerdas graves y pasando el sonido resultante por un efecto de eco. Como el estudio de Phoenix carecía de cámara de eco, Hazlewood adquirió un depósito de agua de 7.500 litros en el que consiguieron el efecto deseado. El riff de entrada fue copiado años después por los Beach Boys en su hit 'Surfin' USA'
Su siguiente grabación 'Rebel rouser' (1958), alcanzó el puesto nº6 de las listas y se convirtió en su tema más conocido. Alcanzó la condición de disco de oro en un tiempo relativamente corto y les brindó la oportunidad de aparecer en el programa de TV American Bandstand, presentado por Dick Clark. Al acabar el programa, Clark le pidió a Eddy otro tema para cerrar el show a lo que Eddy respondió: "Bueno, podríamos tocar 'Ramrod', un tema que grabamos pero no llegó a publicarse". Duane y los Rebels interpretaron el tema mientras aparecían los títulos de crédito en la pantalla y el lunes siguiente había más de 150.000 pedidos de 'Ramrod' en el buzón de la compañía discográfica que, naturalmente, se apresuró a publicarlo.
Les siguieron 'Cannonball','The lonely one' y 'Yep' (1959). En 1959 publicó su segundo Top10, 'Forty miles of bad road', al que siguieron 'Bonnie came back' y 'Some kind-a earthquake', tema que posee la particularidad de ser el de menor duración (1:15) de la historia que ha figurado en las listas de éxitos. En 1960 grabó otro de sus temas más conocidos, 'Shazam!'. Su popularidad llegó a Inglaterra donde la revista musical New Musical Express lo eligió la personalidad pop más importante del año. Eddy rompió con Hazlewood y decidió hacerse cargo de la producción de sus discos.
Al mismo tiempo comenzó su carrera en el cine. Protagonizó el film 'Thunder of Drums' y la serie de TV 'Have Gun, Will Travel' y escribió la canción 'Because they're young' para el film del mismo título, con el que logró un Top5, su mejor posición en las listas americanas. Otros temas de éxito en 1960 fueron sus versiones de 'Peter Gunn' de Henry Mancini y 'Pepe', el tema de la película protagonizada por Cantinflas.
Mientras crecía su fama en las pantallas, sus producciones discográficas como 'Ring of fire' o 'Drivin' home' iban a menos, por lo que Eddy volvió a trabajar con Hazlewood y publicó '(Dance with the) Guitar man' (1962), uno de sus últimos hits en Estados Unidos.
Para 1964 Duane Eddy había publicado diez álbumes en los sellos Jamie y RCA. Los miembros de su banda, los Rebels, acabaron formando, entre otros, el famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew. A finales de la década, Eddy también trabajaba como músico de sesión, haciendo alguna gira que otra y grabando ocasionalmente un álbum. En una gira por Inglaterra descubrió que allí seguía manteniendo una sólida base de fans y se trasladó a Londres donde permanecería varios años. En los años setenta produjo trabajos de Phil Everly y Waylon Jennings. En 1975, su colaboración con los autores Tony Macauly y Keith Potger generó un hit internacional con el tema 'Play me like you play your guitar'
En 1986 grabó con el grupo Art of Noise un remake de la versión que grabó en 1960 de 'Peter Gunn', el tema de Mancini. El disco fue Top10 en numerosos países y logró ganar un premio Grammy por mejor tema instrumental de rock. Un año más tarde publicó el álbum 'Duane Eddy' bajo el sello Capitol. Contó con productores de la talla de Paul McCartney, Jeff Lynne, Ry Cooder y Art of Noise y entre los músicos invitados se encontraban John Fogerty, George Harrison, Paul McCartney, Ry Cooder, James Burton, David Lindley, Steve Cropper y los antiguos Rebels, Larry Knechtel y Jim Horn.
En 1994 fue admitido en el Salón de la Fama del Rock and Roll y contribuyó junto con Carl Perkins al álbum benéfico 'Red Hot + Country' con el tema 'Matchbox'. En octubre de 2010 ofreció un concierto en el Royal Festival Hall de Londres, en el que fue recibido con una ovación de diez minutos antes de que tocara una sola nota con su guitarra y en junio de 2011 actuó en el Festival de Glastonbury. El año 2018 hizo una mini gira inglesa con motivo de su 80 cumpleaños.
A pesar de su estrellato relativamente corto, Eddy tuvo un impacto inestimable en la música rock. John Fogerty comentaba en Musician: "En mi opinión, Eddy transformó el rock dándole una importancia al músico instrumentista, poniéndolo al frente del show". Su legendaria técnica con la guitarra se convirtió en un standard y muchos productores pedían a los guitarristas que sonaran 'como Eddy'. Y no solo en el rock se encuentran sus influencias. Las bandas sonoras que Ennio Morricone compuso para los 'spaguetti-western' están inspiradas en su sonido. Preguntado por cómo se sentía habiendo influido en varias generaciones de músicos, Duane comentó: "Es un como un premio inesperado que me hace sentir más importante. Es una confirmación, varios años después, de que tomé el camino correcto. Y entonces no teníamos ni idea ni referencias en las que basarnos. Esa fue la primera alegría y un gran motivo de satisfacción. Entonces, tiempo después, cuando ya creías que aquello se quedó como parte del pasado y el recuerdo, te llega un chaval y te dice: 'Tú hiciste que yo empezara con esto', y esa es la mayor satisfacción de todas". Duane falleció en abril de 2024, cuatro días después de cumplir 86 años.
El 14 de marzo de 1933 nació el director de orquesta, trompetista, productor de música y televisión, compositor y arreglista estadounidense Quincy Jones que brilló durante cinco décadas en la industria del espectáculo. Este ciudadano de Chicago que jamás condujo un coche, recibió 27 premios Grammy (de 79 nominaciones) y siete nominaciones a los Oscar, además de trabajar junto a los más grandes artistas del espectáculo, entre ellos, Ray Charles, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald y Michael Jackson.
Ray Charles y Quincy Jones
Quincy creció en Bremerton (Washington) donde conoció de adolescente a Ray Charles. Juntos formaron un pequeño grupo con el que actuaban por los clubs de jazz de Seattle. Con diecisiete años, Jones obtuvo una beca para asistir al Berklee College of Music de Boston, estudios que interrumpió en 1951 para unirse como trompetista a la banda de Lionel Hampton. Tras trabajar durante un tiempo como arreglista con Hampton, se estableció en Nueva York, donde siguió realizando arreglos para su amigo Ray Charles y otros como Count Basie, Sarah Vaughan, Duke Ellington y Gene Krupa.
This Is How I Feel About Jazz (1957)
En 1956 acompañó a Dizzy Gillespie como director de su orquesta en una gira por Oriente Próximo y Sudamérica. Un año después, firmó contrato con ABC-Paramount y publicó el primer disco bajo su nombre, 'This Is How I Feel About Jazz', con Herbie Mann, Zoot Sims, Charlie Mariano, Pepper Adams, Hank Jones, Charles Mingus y Shelly Manne. Ese mismo año se traslada a Paris, donde estudia composición con Nadia Boulanger y Olivier Messiaen, traba relación con Leonard Bernstein, Aaron Copland y Pablo Picasso y trabaja como director musical de Barclay Records donde también ejerce de compositor y arreglista para artistas como Jacques Brel, Henri Salvador y Charles Aznavour.
Quincy Jones
En 1958 dirige la orquesta en un concierto de gala de Frank Sinatra en Monaco. Este sería el principio de una duradera colaboración musical entre ambos. En 1959 y 1960 estuvo de gira por Europa con su propia orquesta The Quincy Jones Big Band y de vuelta en EE.UU realizó su último concierto con ella el 3 de julio de 1961 en el festival de Newport y debido a la pobre respuesta comercial del jazz, desistió de continuar con la banda. Otra de las razones pudo ser también su nombramiento como vicepresidente de Mercury Records, convirtiéndose en el primer afroamericano en acceder a semejante puesto de uno de los sellos punteros de la industria.
Fue muy popular en 1962 su hit 'Soul bossa nova', que originó el álbum 'Big Band Bossa Nova'. El tema fue utilizado por Woody Allen en 'Toma el dinero y corre' y, posteriormente, Mike Myers hizo lo propio en 'Austin Powers'.
Ahora, además de jazz, Jones producía música pop y a partir de 1963 compuso bandas sonoras para el cine y la TV. En 1965 graba la banda sonora de 'El prestamista', dirigida por Sidney Lumet, siendo también el primer negro norteamericano en componer para el cine. Otras películas para las que compuso la música fueron 'A sangre fría','En el calor de la noche' (1967), 'Un hombre para Ivy', 'El oro de McKenna','Un trabajo en Italia' (1969), 'Me llaman Mr Tibbs!' (1970), 'La huida' (1972) y 'El color púrpura' (1985). Para televisión compuso para series como 'Ironside'(tema que Tarantino usó en 2003 para la banda sonora de su primera entrega de la serie 'Kill Bill'), 'El show de Bill Cosby' y 'Raíces'.
Quincy Jones, Count Basie y Frank Sinatra en el estudio
En 1963 Jones obtuvo su primer Grammy por su arreglo de 'I can't stop loving you' de la orquesta de Count Basie, con quien trabajó también en el segundo álbum conjunto de Basie con Sinatra, 'It might as well be swing', el cual contenía la legendaria versión de 'Fly me to the moon' que sonó en 1969 durante el alunizaje de la nave Apolo XI. Entre 1964 y 1966 dirigíó la orquesta durante las giras que mantuvieron Basie y Sinatra y en ese tiempo surgió la grabación del álbum en directo 'Sinatra at the Sands' (1966). Dieciocho años después, Jones produciría el último álbum de Sinatra con temas originales, 'L.A. Is My Lady' (1984).
Influido por los conceptos de jazz fusión, edita 'Walking In Space' (1969) y 'Smackwater Jack' (1971). Otro artista con el que Quincy trabajó estrechamente fue Michael Jackson, a quien conoció a finales de los años setenta y produjo tres de sus mejores trabajos, 'Off the Wall' (1979), 'Thriller' (1982) y 'Bad' (1987), que entre los tres vendieron más de 200 millones de copias. También trabajó con Ella Fitzgerald, Aretha Franklin, Little Richard, Sarah Vaughan, Peggy Lee, Sammy Davis Jr., Herbie Hancock, George Benson y Miles Davis, entre otros.
En 1985 produjo la grabación del tema 'We are the world', compuesto por Michael Jackson y Lionel Richie para un coro de 42 estrellas de la música norteamericana, con el que se recaudaron 50 millones de dólares para una fundación de ayuda a Etiopía y al continente africano. En 1991 Quincy actuó en el Festival de Jazz de Montreaux en lo que supuso la última grabación de Miles Davis, 'Miles & Quincy Live at Montreaux'.
Desde entonces continuó con sus labores de producción de otros artistas y fundó con David Salzman una compañía de entretenimiento QDE, que se dedica a producir series de TV. En noviembre de 2010, Quincy publicó su último álbum, 'Q Soul Bossa Nostra', una selección de re-interpretaciones de temas asociados a él, con colaboraciones de artistas como Jamie Foxx, Jennifer Hudson, Mary J. Blige y Amy Winehouse. Jones murió en noviembre de 2024 a los 91 años.
El 11 de febrero de 1941 nació en Niteroi (Rio de Janeiro), el músico brasileño Sergio Mendes. Desde su aparición en escena con su grupo Brasil '66 hasta 2020, Sergio publicó tres docenas de álbumes con sus versiones de bossa nova cruzada con jazz y funk, como 'Mas que nada', 'The look of love', 'The fool on the hill' o 'Scarborough fair'.
Hijo de un médico, Mendes estudió música en el conservatorio de su ciudad, con la esperanza de convertirse en un pianista clásico. Cuando la corriente de la bossa nova llegó a Río, abandonó los estudios clásicos y comenzó a absorber las nuevas formas musicales junto a Antonio Carlos Jobim y Joao Gilberto. Por añadidura gigantes del jazz norteamericano como Stan Getz, Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge y Herbie Mann hacían visitas periódicas a Brasil y despertaron en el joven Mendes nuevos horizontes musicales que, en 1961, era líder de su propia banda, el Sexteto Bossa Rio. Ese mismo año grabó su primer disco, 'Dance Moderno', para Philips y al año siguiente se encontraba en Nueva York actuando en el Birdland, donde surgió una inesperada improvisación con Cannonball Adderley con quien Sergio grabaría posteriormente el álbum 'Cannonball's Bossa Nova' (1962) para Capitol Records.
Sus primeros trabajos, reflejados en los álbumes como 'Bossa Nova York', 'In a brazilian bag' y 'Girl from Ipanema', están muy influidos por la música de Jobim, en cuyos álbumes Mendes aportaba el piano. Fascinado por lo que había experimentado en la ciudad de Nueva Yok, se trasladó allí en 1964, en principio para trabajar con Jobim y Art Farmer, pero el año siguiente formó Brasil '65, y grabó un álbum para Capitol Records que no tuvo repercusión.
Sin embargo, en 1966, el grupo -ahora llamado Brasil '66- firmó contrato con A&M Records y algo pareció encajar repentinamente entre la banda y su audiencia. El grupo, en su primera formación, consistía en: Sergio Mendes a los teclados, Bob Matthews al bajo, João Palma a la batería, Jose Soares a la percusión y la parte vocal la cubrían Janis Hansen y Lani Hall, la esposa de Herb Alpert, co-fundador y co-propietario del sello discográfico. John Pisano (guitarra) era un miembro no oficial. Su primer álbum bajo el nuevo nombre, que se publicó con el título de 'Herb Alpert presents... Sergio Mendes & Brasil '66', fue un gran éxito en parte basado en el hit 'Mais que nada', una versión de un tema de Jorge Ben.
Su mezcla de jazz ligero, ritmos de bossa y melodías de pop contemporáneo calaron en un sector de público, mientras que otros lo denominaban 'música de ascensor'. Su segundo álbum contenía éxitos menores como 'Constant rain (Chove chuva)', 'Night and day' y 'For me'.
Su momento clave fue en la ceremonia de entrega de los Oscar en 1968, cuando interpretó en directo uno de los temas nominados ese año, 'The look of love', canción compuesta por Hal David y Burt Bacharach, nominada al Oscar de 1968. Tras la transmisión del evento, la versión de Mendes alcanzó el top5 de las listas, eclipsando la versión de Dusty Springfield, de la banda sonora original de 'Casino Royale'. Su tercer álbum, 'Look Around', fue un nuevo éxito con los hits 'The fool on the hill' y 'Scarborough fair' y el siguiente, 'Crystal Illusions', en el que se produjeron cambios en la formación, contenía una versión del hit de Otis Redding'Sittin on the dock of the bay'.
En este periodo Mendes también realizó varias grabaciones para Atlantic Records, dirigidas a una audiencia de jazz, acompañado por músicos como Jobim, Art Farmer, Phil Woods, Hubert Laws y Claire Fisher que no alcanzaron ni remotamente el interés o el éxito de ventas de sus trabajos con Brasil '66. Sus últimos álbumes con A&M Records, con temas como 'Wichita lineman' (1969), 'Chelsea morning' y 'For what it's worth' (1971), no despertaron el mismo interés. El grupo se cambió al más modesto sello Bell Records en 1973 y a continuación Mendes firmó con Elektra donde graba su primer álbum en solitario, 'Sergio Mendes' (1975). Dos años después formó Sergio Mendes & Brasil '77, con escaso éxito y en 1982 volvió a A&M Records.
El álbum tras la vuelta al sello que lo lanzó a la fama, también titulado 'Sergio Mendes' (1983) fue su primer trabajo en alcanzar el Top40 tras quince años de carrera discográfica y contenía el mayor hit de su carrera, 'Never gonna let you go'. Otra de sus obras destacables es el álbum 'Brasileiro', aparecido en 1992 y grabado casi íntegramente en Brasil en el que retorna a sus sonidos de los años setenta, con enérgicas fusiones de ritmos brasileños cantados por su esposa, Gracinha Leporace.
En los noventa Mendes actuaba con su nueva banda, Brasil '99 y más recientemente Brasil 2000, con los que estuvo integrando los sonidos del hip hop brasileño en su música, como en 'Timeless', aparecido en febrero de 2006 y producido por will.i.am.. En él Mendes contó con colaboraciones de Stevie Wonder, Q-Tip, Erykah Badu, Marcelo D2 y Black Eyed Peas, con quienes grabó una nueva versión de 'Mais que nada', utilizada en campañas publicitarias de Nike Football, Joga Bonito y los videojuegos EA Sports Live 07 y 2066 FIFA World Cup. En 2008 apareció el álbum 'Encanto' con nuevas colaboraciones de will.i.am,Black Eyed Peas, Herb Alpert, Natalie Cole y Carlinhos Brown. El año 2010 se publicó 'Bom Tempo' , en junio de 2014 'Magic', y su entrega más reciente fue el disco doble 'In the Key of Joy', en 2020. Sergio murió en septiembre de 2024 a los 83 años.
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