Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 7 de febrero de 1934 nació en Fort Worth (Texas) el saxofonista de soul, jazz y R&B King Curtis, que además de ser un virtuoso de los saxos tenor, alto y soprano, fue director de banda, productor y director musical.
Con diez años ya tocaba el saxo alto y seguidamente se pasó al tenor, tocando en varias bandas del instituto. No lo debía hacer mal, ya que en 1952, Lionel Hampton lo sacó literalmente del aula para incorporarlo a su orquesta. Tras su estancia en la banda de Hampton, durante la cual aprendió a tocar la guitarra y a escribir arreglos musicales, se instaló en Nueva York donde trabajó como músico de sesión para sellos como Prestige, Enjoy, Capitol y Atco. Decidido a ganar más dinero como músico de rock grabó bajo su nombre y acompañando a otros artistas como los Coasters ('Yakety Yak') o Buddy Holly ('Reminiscing').
En 1962 publicó su mayor éxito, 'Soul Twist', al que siguió 'Soul Serenade' (1964). En 1965 fichó por Atlantic Records, donde grabó nuevos éxitos con su grupo los Kingpins como 'Memphis Soul Stew' y'Ode to Billie Joe'. Curtis además ejercía labores de producción junto a Jerry Wexler y participó en numerosos temas de Aretha Franklin, de cuya banda terminó siendo director musical.
Su última entrada en las listas fue en 1971 con su versión de 'Whola lotta love' de Led Zepelin. El mismo año, Curtis grabó los solos de saxo en los temas 'It's so hard' y 'I don't wanna be a soldier, mama' de John Lennon. Publicó más de veinte álbumes bajo su nombre antes de morir trágicamente a los 36 años.
En la noche del 13 de agosto de 1971, durante una ola de intenso calor en Nueva York, Curtis estaba transportando un aparato de aire acondicionado hacia su apartamento cuando se topó con un par de yonquis que se estaban pinchando en las escaleras de su edificio. Curtis les increpó para que se fueran y la discusión acabó en pelea, recibiendo Curtis varios navajazos. Murió una hora después en el hospital a los 37 años. El día de su funeral Atlantic Records cerró sus puertas y durante la ceremonia Aretha Franklin y Stevie Wonder interpretaron una canción en su honor.
El 7 de febrero de 1934 nació en Nueva Orleans el cantante y guitarrista norteamericano Earl King, una de las más importantes e influyentes figuras del R&B de Nueva Orleans. Compuso varios clásicos como 'Come On' (versionado por Hendrix) y 'Big Chief' (éxito de Professor Longhair).
Earl King comenzó a tocar la guitarra con quince años y pronto comenzó a presentarse a los concursos de talentos que organizaban los clubs de la zona, como el Drew Drop Inn y el club Tijuana. En este último conoció a su mentor y principal influencia Guitar Slim y ambos se hicieron grandes amigos. Todavía como Earl Johnson, el guitarrista debutó grabando en 1953 en el sello Savoy con el tema 'Have you gone crazy', en el que le acompañaba Huey 'Piano' Smith, que sería uno de sus colaboradores más habituales.
Firmó con Speciality Records , que pretendía cambiarle el nombre artístico a King Earl, pero un error tipográfico invirtió los nombres, por lo que se quedó en Earl King. Su estreno en el sello fue un tema de Guitar Slim, 'A mother's love', producido por Johnny Vincent, quien poco después inauguraría su propio sello, Ace Records, llevándose a King con él como artista principal. Su primer single en Ace, 'Those lonely nights', fue un hit en las listas de R&B nacionales, al que contribuyó de nuevo Smith con su piano. King permaneció en Ace Records el resto de la década, grabando una serie de magníficos temas de R&B de Nueva Orleans, hasta que en 1960 se pasa a Imperial para trabajar con Dave Bartholomew, con quien graba su clásico 'Come on (Let the good times roll)' el humorístico 'Trick Bag' (1961) y otra entrada en las listas, 'Always a first time'.
Durante toda la década de los sesenta, King compuso numerosas canciones para Fats Domino, Professor Longhair y Lee Dorsey. En 1972, grabó con Toussaint el álbum 'Street Parade', que al no encontrar sello para distribuirlo, permaneció sin publicar hasta 1982. En los años noventa rejuveneció su carrera firmando con Black Top Records donde grabó dos álbumes magníficos, 'Sexual Telepathy' (1990) y 'Hard river to cross' (1993). No paró de grabar y actuar hasta el día de su muerte en abril de 2003 a los 69 años.
El 6 de febrero de 1945 nació en Nine Mile (Rhoden Hall, Saint Ann Parish), una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, el músico, guitarrista y compositor Robert Nesta Marley Drum, más conocido como Bob Marley. Hijo de Cedella Booker, una afro-jamaicana de 18 años y de Norval Marley, un jamaicano blanco de ascendencia inglesa de mediana edad, Bob creció en un ambiente pobre y rural para convertirse, no sólo en un artista que vendía millones de copias de sus discos y que llenaba estadios por donde quiera que se presentaba, sino en prácticamente un líder espiritual, cuyos cantos en pro de la hermandad y la justicia mundial han adquirido categoría de himnos.
Marley a principio de los 60
Al morir el padre de Bob, teniendo él 10 años, Cedella y Bob se trasladaron a Kingston, donde cuatro años después Marley deja la escuela y entra a trabajar en un taller de reparación de bicicletas. Poco más tarde, decide hacer carrera como músico y se reúne bajo la tutela de Joe Higgs, cantante local y devoto seguidor de la doctrina Rastafari, con otros músicos, entre ellos, su amigo de la infancia Bunny Wailer y Peter Tosh, con quienes aprende a tocar la guitarra y a cantar.
The Wailers en 1965
En 1962 graban su primer disco, 'Judge not' y 'One cup of coffee' en el sello del afamado productor Leslie Kong, que pasa desapercibido. Un año después forma con Peter Tosh, Bunny Livingston, Junior Braithwaite, Beverly Kelso y Cherry Smith el grupo The Teenagers, más tarde los Wailing Rudeboys y finalmente Wailing Wailers. En 1963 entran en el legendario Studio 1 del productor Coxsone Dodd y graban su debut, 'I'm still waiting'. Cuando Braithwaite y Smith abandonan el grupo, Bob se hizo cargo de la voz solista y a principios de 1964 publican 'Simmer down', que alcanza el nº1 de las listas jamaicanas. Le siguieron temas como 'Let him go (Rude boy get gail)', 'Dancing shoes', 'Jerk in time', 'Who feels it knows it' y 'What am I supposed to do'.
Bob y Rita
En total, los Wailers grabaron cerca de 100 temas para Dodd, copando las listas de éxitos de Jamaica, antes de separarse en 1966, año en el que Bob se casa con la nacida en Cuba Rita Anderson, vocalista de las Soulettes. Pasa el resto del año con su madre en Newark (Delaware) donde había emigrado Cedella con su nuevo marido. Allí Bob trabajó por un tiempo como Donald Marley en el turno nocturno de la planta de automóviles Chrysler.
Cuando volvió a Kingston, Bob abraza definitivamente la doctrina Rastafari y eso comienza a reflejarse en su música y su aspecto. Empieza a dejarse crecer el pelo en rastas y vuelve con Peter y Bunny para continuar con la banda. Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado 'Pied piper', una versión de una canción pop inglesa. Mientras tanto, en Jamaica, la frenética ola del ska había dado lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady (futuro reggae). Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, Wail’N’Soul. A pesar de conseguir algunos éxitos, como 'Bend down low', el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967.
Lee 'Scratch' Perry
El grupo sobrevive componiendo canciones para una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en 1972 tendría un gran éxito con la canción 'Stir it up', compuesta por Bob. Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee 'Scratch' Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como 'Soul rebel', 'My cup', 'Duppy conqueror', '400 years', 'Soul almighty', 'Kaya' y 'Small axe', clásicos del reggae, grabados con el acompañamiento de The Upsetters, recogidos en los álbumes 'Soul Rebels' y 'African Herbsman'.
Uno de los miembros de The Upsetters, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, los cuales, finalizada su relación con Perry por una disputa económica, fundan un nuevo sello independiente, Tuff Gong (uno de los apodos de Bob), bajo el cual siguen publicando singles de gran éxito en el Caribe.
Catch a Fire (1973)
Sin embargo, The Wailers continuaban siendo desconocidos en el resto del mundo. Durante una visita a Inglaterra para promocionar su single 'Reggae on Broadway', Marley conoce a Chris Blackwell, fundador de Island Records, único sello que había mostrado interés por la música jamaicana. Blackwell, que conocía a los Wailers, les ofrece cuatro mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical. El debut de The Wailers en Island Records, 'Catch a Fire', con temas como 'Concrete jungle', 'Stir it up' y 'Kinky reggae', fue el primero de sus álbumes grabados fuera de Jamaica y no fue un éxito inmediato, debido a las letras socialmente comprometidas de Bob. Blackwell les organizó una gira por Inglaterra y EE.UU, otra novedad para una banda de reggae.
La cubierta de las primeras 17.000 copias del vinilo original, diseñada por los artistas gráficos Rod Dyer y Bob Weiner, simulaba un mechero Zippo. La parte superior del 'encendedor' se abría y se podía extraer el disco. Sin embargo, requería manipulación manual, lo que no permitía fabricarlo a gran escala ya que iba a incrementar sensiblemente el precio de un producto que debía ser para consumo masivo, por lo que, finalmente, se eligió la portada en la que Marley aparece fumando un enorme joint. En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum en el sello Island: 'Burnin', un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más populares, como 'Duppy conqueror', 'Small axe' y 'Put it on', junto a temas nuevos como 'Get up, stand up' y 'I shot the sheriff'. Fue justamente este último el que dio a conocer a Bob Marley a un público más amplio, gracias a Eric Clapton, cuya versión alcanzó el nº1 en la listas Billboard de Estados Unidos.
Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda se llamara a partir de entonces Bob Marley & The Wailers. Para la grabación del álbum contó por primera vez con las I-Threes, grupo vocal compuesto por Rita Marley, Marcia Griffitths y Judy Mowatt. Con la nueva formación Bob realizó una gira mundial antes de publicar 'Natty Dread', el álbum que le abriría las puertas al estrellato internacional y que contenía su primer Top40 en el Reino Unido: 'No woman no cry'.
Con el siguiente álbum, 'Live!', grabado durante los exitosos conciertos que dio en el London Lyceum y el álbum 'Rastaman Vibration' (1976), que fue Top10 en Estados Unidos y contenía el single de Marley más popular allí, 'Roots, rock, reggae', el único de su discografía que alcanzó el Hot100 (nº51), se constató que la música de Marley había logrado hacerse un hueco definitivo en el mundo del pop.
Por muy grande que fuera su fama en el mundo, en Jamaica traspasaba las fronteras de lo racional, siendo visto allí como una figura de proporciones místicas, un poeta y un profeta cuyas palabras eran recogidas por el oído colectivo del pueblo como las de un Mesías. Aunque declarado pacifista y apolítico, su poder de convocatoria fue visto como una amenaza en algunos círculos y en diciembre de 1976 fue herido en un intento de asesinato por pistoleros desconocidos en su domicilio de Jamaica, dos días antes de participar en el 'Smile Concert', celebrado en Kingston como acto de apoyo al primer ministro del país, el socialista Michael Manley, el cual atravesaba momentos políticos difíciles con enfrentamientos violentos entre socialistas y conservadores. Bob sufrió heridas leves en el pecho y un brazo, su esposa Rita en la cabeza y el mánager Don Taylor también recibió un disparo por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo
Exodus (1977)
Dos días después del atentado, Bob subió al escenario y cantó. Cuando le preguntaron porqué, declaró: "La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Iluminemos la oscuridad". Fue su última presentación en Jamaica en los 18 meses siguientes. Temiendo otro atentado, dejó el país para instalarse en Londres, donde grabó su siguiente álbum, 'Exodus', uno de los más importantes de su carrera y del reggae, con temas como 'Jammin', 'Waiting in vain', 'Three little birds' y 'One love/People get ready'.
El álbum permaneció 56 semanas en las listas inglesas y le siguió 'Kaya' con más éxitos como 'Is this love' y 'Satisfy my soul'. En la gira consiguiente, Marley pasó por primera vez por España, actuando el 28 de junio de 1978 en la plaza de toros de Ibiza. Ese año volvió a Jamaica donde volvió a ser cabeza de cartel en el 'One Love Peace Concert' en el que consiguió que Michael Manley y su rival político, el conservador Edward Seaga estrecharan manos en el escenario.
Uprising (1980)
Otro gran álbum en directo 'Babylon by Bus' (1978), precedió el lanzamiento de 'Survival' (1979) y 1980 parecía ser su gran año. Comenzó con un concierto en la recién liberada Zimbabwe y en mayo se lanzó el álbum 'Uprising', producido por Chris Blackwell, conteniendo temas como 'Could you be loved?', 'Coming in from the cold' y 'Zion train'. Era su obra con mayor contenido religioso y en 'Redemption song', Bob Marley parecía estar aceptando su condición de mortal.
La banda concluyó una importante gira por Europa, dentro de la cual dieron el 27 de junio su concierto más multitudinario, en Milán, al que acudieron cerca de 120.000 espectadores, una cifra que, para un concierto rock, sigue siendo un récord en Italia. Tres días después actuaron en Barcelona.
Tras la gira, Marley regresó a los Estados Unidos, donde ofreció dos conciertos el mes de septiembre en el Madison Square Garden como parte del Uprising Tour, que iba a continuar por todo el país. Pero su salud comenzó a deteriorarse y practicando jogging por Central Park, sufrió un colapso y fue hospitalizado. Tres años antes se le había diagnosticado un melanoma maligno en uno de los dedos gordos del pie, el cual se había lastimado jugando al fútbol -deporte al que era muy aficionado- durante su estancia en Londres. Al ser seguidor de la doctrina rastafari que no permite ninguna mutilación del cuerpo, no quiso someterse a cirugía y buscó otros remedios alternativos. Todos los médicos consultados en EE.UU no le daban más de un mes de vida, por lo que ingresó en la clínica bávara de Josef Issels, en Alemania, y comenzó un controvertido tratamiento que consistía en evitar ciertos alimentos, bebidas y otras sustancias. Logró sobrevivir unos meses más de lo pronosticado, pero para entonces el cáncer ya se había propagado por todo su cuerpo, afectando a pulmones y cerebro. Murió la mañana del 11 de mayo de 1981 en un hospital de Miami. Sus últimas palabras, dirigidas a su hijo Ziggy, fueron: "El dinero no puede comprar vida". En Jamaica se celebró un funeral diez días después, como si se tratase de un jefe de estado. Una semana después nacía, Makeda, la última de los doce hijos (siete de ellos ilegítimos) que tuvo. Bob fue enterrado en una pequeña capilla cerca del lugar donde nació junto a su guitarra roja, un balón de fútbol, una bolsa de ganja y una Biblia.
Legend (1984)
Se publicaron obras póstumas como el álbum 'Confrontation' (1983) y el recopilatorio 'Legend' (1984), que con más de 20 millones de copias vendidas, es el álbum de reggae más vendido de la historia. Poco después de la muerte de Bob, su viuda Rita tuvo un hit con 'One draw' pero, pese al subsiguiente éxito de singles como 'Many are called' y 'Play play', dejó los escenarios hasta finales de los ochenta para dedicarse a sus hijos. El mayor de ellos, David, más conocido como Ziggy, tuvo un éxito considerable como líder de los Melody Makers, un grupo formado con sus hermanos, cuyo 'Tomorrow people' (1988) fue Top40 en EE.UU, una hazaña que su padre no logró. Aunque Bob Marley no fue -según los expertos- el más grande del género, sí fue su figura más trascendental e icónica y la persona que lo dio a conocer al mundo.
El 14 de febrero de 2024 se estrenará el biopic musical 'Bob Marley: One Love', dirigido por Reinaldo Marcus Green.
El 6 de febrero de 1818 nació en Londres el pianista y compositor romántico Henry Litolff, hijo de un violinista de procedencia alsaciana que había sido deportado a la capital británica en calidad de prisionero durante la Guerra de la Independencia Española (1808-1814). Fue fundador de la editora musical Litolff, muy importante para la difusión de autores clásicos y contemporáneos de la época.
Litolff recibe sus primeras enseñanzas musicales de parte de su propio padre y del pianista Ignaz Moscheles, demostrando unas cualidades extraordinarias para el instrumento. De tal forma, da muestras de su incipiente precocidad tanto al ofrecer sus primeros recitales a la edad de catorce años como al pasar por la vicaría a los diecisiete de la mano de una jovencita de que apenas había cumplido los catorce, Elisabeth Etherington. Como era de esperar, el matrimonio, que se había instalado en París, constituye un sonado fracaso y Litolff huye hacia Bruselas y posteriormente hacia Varsovia, donde inicia su actividad como director de orquesta.
Viaja posteriormente hasta Alemania y alterna su actividad de concertista y director con la enseñanza. Entre sus alumnos destaca un aventajado llamado Hans von Bülow. En 1842 regresa a Inglaterra con la intención de solicitar el divorcio de Elisabeth, aunque la aventura no acaba bien y el compositor es encarcelado. Consigue fugarse de la prisión y huye hacia Holanda, donde conoce a la que será su segunda esposa, Julie Meyer, viuda de un reputado editor de obras musicales. Tras siete años de matrimonio, Litolff y Julie se divorcian en 1858, regresando Henry de nuevo a París y estableciéndose definitivamente en la ciudad francesa como editor musical hasta su muerte, acontecida el 6 de agosto de 1891 a los 72 años.
Los cuatro conciertos para piano que se conservan de los cinco que compuso son realmente dramáticos y apasionados, encajando más dentro de la forma de sinfonía concertante que de concierto para piano propiamente dicho. La música de Litolff es colorista, un tanto ostentosa, presentando un cierto carácter de improvisación para el instrumento solista. No deja de reflejar, en opinión de los expertos, su agitada vida. Escribió también varias óperas y operetas como:
• “Catherine Howard” (1847);
• “Die Braut vom Kynast” (The Swabian Symphony Orchestra & Bernhard Kontarsky), grand opéra romántica basada en Ernst August-Friedrich Klingemann, (1847);
• “Chant des Belges” op.101 (1858) (The Rheinland-Pfalz Philharmonic Orchestra & Pierre Stoll)
• “Les Girondistes” Ouverture op.80 (1870) (The Rheinland-Pfalz Philharmonic Orchestra & Bernhard Kontarsky)
• “La Boîte de Pandore”, opéra bouffe en tres actos, con libreto de Théodore,
• “Héloise et Abélard”, opéra comique, (1872);
• “La Mandragore”, drama lírico en tres actos. Libreto de M. Brésil, basado en –“Joseph Balsamo” de Alexandre Dumas (padre) y Auguste Maquet ;
• “L'Escadron volant de la reine”, opéra comique, (1888) y
• “Le Roi Lear” su última ópera.
La influencia y admiración mutua entre Franz Liszt y Litolff es evidente. Ambos músicos eran grandes pianistas y compositores. Se conocieron en 1840, mantuvieron amistad y Litolff se convirtió en un gran defensor e intérprete de la música pianística de Liszt, quien le dedicó su “Concierto para piano y orquesta n.º 1 en mi bemol mayor”. Tanta fue su relación que algunos historiadores atribuyen a la influencia de Litolff el que Liszt denominara esta obra como “concerto symphonique” en la versión manuscrita de la partitura, aunque luego se ha demostrado que Liszt ya usaba este término con anterioridad a conocer a Litolff. En 1854 Litolff estaba en plena gira de conciertos y visitó a Liszt en Weimar, donde le enseñó su manuscrito del Concierto sinfónico n.º 4 (Shura Cherkassky, Adrian Boult & London Philharmonic Orchestra) que causó en Liszt gran impresión. Litolff invitó a Liszt a participar en los festivales de música que organizaba en Brunswick.
Las obras principales de Litolff son los cinco Conciertos Sinfónicos para piano y orquesta, una suerte de sinfonías con piano solista.
• “Concierto Sinfónico n.º 1 en re menor”. No se conserva íntegro y sólo quedan de él algunos fragmentos.
El 6 de febrero de 1967 Columbia Records publicó en Estados Unidos el cuarto álbum del grupo The Byrds, 'Younger Than Yesterday', en el que, al igual que en el anterior, siguieron incorporando elementos de rock psicodélico a su música, usando instrumentos de viento y grabaciones al revés.
Crosby, McGuinn, Clarke y Hillman
Además Chris Hillman se incorporó al grupo de compositores, que se había quedado cojo tras la marcha de Gene Clark, aportando cuatro temas al álbum, dos de ellos, 'Time between' y 'The girl with no name', con inequívocas influencias de country & western, indicadores del rumbo que iban a tomar los Byrds en sus últimos álbumes impregnados de country rock. También tuvo que ver el estilo country de la guitarra de uno de los músicos de sesión que tocaron en el disco, Clarence White, que a partir de 1968 se convertiría en miembro oficial del grupo.
Hillman también comparte créditos con Jim McGuinn en el primer single que se extrajo: 'So you want to be a rock'n'roll star', una crítica agridulce de los grupos manufacturados tipo Monkees, en la que Hugh Masekela toca la trompeta. Otro tema de Hillman es 'Thoughts and words' influido por el LSD con fraseos de guitarra grabados al revés y sonidos de sitar. Su cuarta aportación, 'Have you seen her face', fue considerado un tema suficientemente comercial como para publicarlo como single. 'CTA-102', escrito por McGuinn abunda en el tema extraterrestre que ya tocaron en 'Mr Spaceman' y plantea el contacto con vida de otros planetas utilizando efectos de estudio simulando voces del más allá y un oscilador eléctrico.
Hillman, Crosby, Clarke y McGuinn
En 'Renaissance Fair', de Crosby y McGuinn, inspirada en una feria medieval que se celebraba en California, se percibe la facilidad de Crosby para crear atmósferas musicales que más tarde se harían patentes en temas como 'Guinnevere'. Otra aportación de David Crosby fue 'Everybody's been burned', compuesta en 1963 en la que realiza una de sus mejores interpretaciones vocales. Su ego creativo crecía y tuvo sus más y sus menos con McGuinn a la hora de incluir una nueva versión de Dylan en el álbum. 'My back pages' (de su letra saldria el título del álbum: "Ah, but I was so much older then / I'm younger than that now") era la cuarta canción que grababan procedente del 'Another side of Bob Dylan' y a Crosby le parecía excesivo.
McGuinn, Hillman, Clarke y Crosby
A cambio logró imponer dos de sus temas: 'Mind Gardens', un tema que McGuinn repudiaba ("No tiene, ni métrica, ni ritmo ni rima") pero que supuso una de las incursiones experimentales de los Byrds más interesantes y 'Why', que ya había aparecido como cara B de 'Eight Miles High' once meses antes y que se regrabó con un tratamiento distinto para el álbum. 'Younger than Yesterday' no fue un disco que se vendiera mucho en su día. Sólo llegó al puesto 24 de las listas Billboard, pero en retrospectiva se revela como uno de los mejores trabajos de los Byrds, quizás uno de sus legados más perdurables.
'So You Want to Be a Rock 'n' Roll Star' (Hillman, McGuinn)
'Have You Seen Her Face' (Hillman)
'C.T.A.-102' (McGuinn, Robert J. Hippard)
'Renaissance Fair' (Crosby, McGuinn)
'Time Between' (Hillman)
'Everybody's Been Burned' (Crosby)
'Thoughts and Words' (Hillman)
'Mind Gardens' (Crosby)
'My Back Pages' (Bob Dylan)
'The Girl with No Name' (Hillman)
'Why' (McGuinn, Crosby)
En 1996 se publicó una reedición en CD en la que se incluyeron varios temas: Un descarte,'It happens each day' (Crosby),'Don't make waves' (McGuinn, Hillman), que apareció como cara B de 'Have you seen her face' y dos temas que aparecieron como single en julio de 1967, tras la actuación del grupo en el Monterey Pop Festival y unos días antes de que Crosby fuera invitado a abandonar la banda, 'Lady friend' (Crosby) y 'Old John Robertson' (McGuinn, Hillman). Asimismo se incluyeron tomas alternativas de 'My back pages' y 'Mind gardens'.
Jim McGuinn – guitarra, voces David Crosby – guitarra, voces
Chris Hillman – bajo, voces Michael Clarke – batería
El 5 de febrero de 1945 nació en Londres Reg King, el que fuera cantante solista del grupo The Action, que -con permiso de Kinks, Small Faces y The Who- estaban considerados por muchos aficionados de la época los mejores de la escena 'mod' inglesa.
A pesar de grabar para Parlophone Records (el mismo sello que los Beatles) y gozar de la producción de George Martin, nunca llegaron a tener éxito comercial, lo que no fue un obstáculo para que sus fans (entre los que se cuentan Phil Collins y Paul Weller) siempre permanecieran leales. The Action ayudaron a popularizar el 'blue eyed soul' en el Reino Unido, gracias a sus versiones de los últimos hits del soul norteamericano de la época, como 'Land of the thousand dances' (1965) 'Baby you've got it', 'I'll keep holding on', 'Since I lost my baby' (1966), y también originales como 'Never ever', 'Shadows and reflections' y 'Something has hit me'.
Reg dejó el grupo en 1967 y trató en vano de desarrollar una carrera en solitario, publicando en 1971 un álbum, 'Reg King', que a pesar de contar con insignes colaboradores (Mick Taylor, Stevie Winwood, Doris Troy, Brian Auger) adoleció de una mediocre producción y fue un fracaso de ventas. Militó un tiempo en el grupo BB Blunder, efímero grupo que se deshizo a finales de 1971. Reg tocó un tiempo con su propio grupo hasta que, frustrado, desanimado y harto de la industria discográfica, se retiró.
En 1980 se editó una recopilación de los éxitos de The Action en Parlophone, con notas de Paul Weller en el interior, que resucitó el interés por la banda de King y se realizaron reediciones de sus discos. El año 2000 hubo reunión de la formación original para una serie de conciertos. Entre el público se encontraban Liam Gallgher y Robbie Williams que les solicitaron autógrafos. Phil Collins voló desde Suiza para actuar con ellos una noche. "Para mí fue como tocar con los Beatles", recordaba Phil. En 2005, Reg colaboró en un álbum de Andy Lewis, bajista de Paul Weller, en el que su voz aún sonaba en excelentes condiciones. Murió en octubre de 2010 a los 65 años.
