Johnny 'Guitar' Watson

El 3 de febrero de 1935 nació en Houston (Texas) el guitarrista y cantante de funk y blues Johnny 'Guitar' Watson, un llamativo showman y un guitarrista al estilo de T-Bone Walker que logró varios éxitos entre los años cincuenta y sesenta. En los setenta se reinventó con sonidos disco y funk y siguió grabando hasta los años noventa poco antes de morir en el escenario a los 61 años.

Su padre, que era pianista, le enseñó a tocar el instrumento, pero el joven Watson había descubierto con entusiasmo el sonido de la guitarra eléctrica a través de la música de T-Bone Walker y Clarence 'Gatemouth' Brown. Su abuelo, predicador, también era aficionado a la música y cantaba en la iglesia acompañado de una guitarra. Cuando Johnny cumplió once años, su abuelo le ofreció como regalo una guitarra con la condición de que no la usara para tocar la 'música del diablo'. "Fue lo primero que hice", recordaba Johnny años más tarde.

A los quince años, sus padres se separaron y se trasladó con su madre a Los Angeles. Para entonces, el pequeño prodigio de la guitarra ya había tocado junto a músicos como Albert Collins y Johnny Copeland y se presentó a varios concursos locales de jóvenes talentos, muchos de los cuales ganó sin oposición.

Esto le supuso trabajos estables como pianista, guitarrista y cantante con la banda de Amos Milburn y los Mellotones. Pronto estaba actuando como solista en los numerosos juke joints afroamericanos de la Costa Oeste, desarrollando una poderosa personalidad escénica y presentándose con ropa peculiar y llamativa. Su estilo a la guitarra, que tocaba sin púa- era muy intenso, muchas veces salvaje y rara vez terminaba la actuación con las seis cuerdas en su sitio.

Grabó su primer disco para Federal Records en 1952 y hasta 1954 se presentaba como Young John Watson. Ese año se estrenó en las pantallas el film 'Johnny Guitar', y así nació su nuevo nombre artístico. En su álbum 'Space guitar' (1954) fue pionero en el uso del feedback y la reverberación y su influencia en futuros guitarristas es más que evidente. En 1955 publicó su primer Top10 en la listas R&B, 'Those lonely lonely nights' y dos años más tarde aparecíó la primera versión de uno de sus temas más populares, 'Gangster of love', publicado  por King Records.

Realizó giras con su amigo Larry Williams, con quien grabó los temas 'Mercy, mercy, mercy' (1967) y 'Nobody' (1968), así como con Little Richard, Don and Dewey, The Olympics, Johnny Otis y, en los setenta, con David Axelrod. Tocó también con Sam Cooke, Herb Alpert y George Duke. Cuando la popularidad del blues cayó y llegó la era del soul en los sesenta, Watson pasó de ser un cantante de blues sureño a un cantante de soul urbano con sombrero de proxeneta. De hecho hay quienes afirman que la música no fue su única fuente de ingresos en aquella época. Su nuevo estilo escénico resultaba llamativo, no solo por los sombreros de ala ancha que solía lucir, sino por sus dientes de oro, sus enormes gafas de sol, la abundante joyería y los trajes -a cual más hortera- que vestía, que configuraron uno de los personajes más coloridos de la escena del funk de la costa Oeste.

También cambió su música y sus álbumes 'Ain't That a Bitch' (1976) (que contenía los éxitos 'Superman lover' y 'I need it') y 'A Real Mother For Ya' (1977) fueron hitos del funk de los años setenta. En 1978 grabó una nueva versión de su 'Gangster of love'

En 1980, la muerte de un disparo de su amigo Larry Williams y circunstancias personales llevaron a que se retirara de la vida pública el resto de la década. En 1994 publicó su último álbum, 'Bow Bow', que le dio más protagonismo y éxito del que había recibido jamás, siendo nominado a un Grammy. Murió de un infarto producido en escena, durante una gira por Japón en mayo de 1996 a los 61 años

Maestro de la Stratocaster comparado a menudo con Jimi Hendrix, ya tocaba la guitarra por encima de la cabeza antes que el de Seattle y solía disponer de un cable de más de treinta metros en su guitarra para poder acceder a cualquier zona del escenario. Frank Zappa afirmó que el tema 'Three hours past midnight' (1956) fue el que le inspiró a tocar la guitarra. Watson contribuyó a cuatro álbumes de Zappa, 'One Size Fits All' (1975), 'Them or Us' (1984), 'Thing-Fish' (1984) y 'Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention' (1985). Etta James dijo sobre Watson: "Lo tomé todo de Johnny.. fue mi modelo principal. Todo mi estilo con las baladas viene de imitar el de Johnny." Steve Miller realizó en 1968 una versión de 'Gangster of love', título al que vuelve a referirse en su hit 'The Joker', en el que aparece la frase "some call me the Gangster of Love".

Lil Hardin Armstrong

El 3 de febrero de 1898 nació en Memphis (Tennessee) la pianista, cantante y compositora de jazz Lil Hardin Armstrong, 2ª esposa del gran Louis.

Lil recibió clases de piano clásico en una escuela de música, estudios que completó en la Fink University. En 1918, Lil se traslada junto a su madre y su padrastro a Chicago y comienza a trabajar en una tienda de música llamada Jones Music Store, donde mediría sus aptitudes con pianistas como Jerry Roll Morton, asiduo del negocio. La propietaria, viendo su talento musical, anima a Lil a aceptar un trabajo en alguna de las bandas de jazz o swing de la ciudad. Arden entra a formar parte del grupo del clarinetista Lawrence Duhe con quien, tras recorrer varios clubes de jazz de Chicago, se asienta en The Dreamland, uno de los más visitados locales nocturnos de la ciudad.

Joe King Oliver le ofrece un puesto de pianista en su Creole Jazz Band y Hardin toca con ellos durante un tiempo en Chicago y en San Francisco, pero cuando la banda se traslada a Los Ángeles, Lil decide volver al Dreamland de Chicago, donde conocería a Jimmie Johnson, un cantante más joven que ella del que se enamoraría. Se casaron en 1922, pero se separarían poco después. Es entonces cuando la Creole Jazz Band regresa a Chicago y Joe King Oliver le vuelve a ofrecer el puesto de pianista.

Ese mismo año, Oliver había oído hablar del talento de un joven de New Orleans llamado Armstrong, a quien invita a unirse a la banda como segundo cornetista.

Cuando Louis llega a Chicago su aspecto y vestimenta resultan toscos y pueblerinos, pero Hardin lo toma bajo su protección y decide 'extirpar su lado rural', aconsejándole en el vestir y en el aspecto personal. Esta relación derivó en romance y se casaron en febrero de 1924. Aconsejado por Lil, que pensaba que su talento se estaba desaprovechando con Oliver, Armstrong se trasladó a Nueva York con la orquesta de Fletcher Henderson. Lil permaneció en Chicago con Joe King Oliver, hasta que decide formar su propia banda y en 1925 vuelve a asentarse por tercera vez en el club Dreamland.

Ese mismo año, regresa Armstrong, y gracias a la fama adquirida, Richard M. Jones convence a Okeh Records para grabar unas sesiones con él: Las clásicas sesiones de los Hot Five y Hot Seven, con Hardin al piano, Kid Ory al trombón, Johnny Dodds al clarinete, Johnny St Cyr al banjo, Pete Briggs a la tuba y Baby Dodds a la batería. Esta formación estelar (con Earl Hines en ocasiones) celebró su primera sesión el 15 de noviembre de 1925. Pocas grabaciones han sido tan veneradas como las que se realizaron desde entonces hasta finales de 1928. Lil compuso clásicos como 'Don't jive me' y 'Struttin' with some barbecue'.

Lil en 1957

En 1931, debido a las infidelidades de Louis, la pareja se divorcia y Lil dirige durante los años treinta una orquesta de mujeres y más tarde una big band mixta que recibe gran difusión radiofónica a través de la cadena NBC. También grabó para Decca como vocalista de swing y acompañó a numerosos cantantes al piano. Otros temas compuestos por Lil fueron 'Just for a thrill' y 'Bad Boy', que fueron hits en las voces de Ray Charles y Ringo Starr, respectivamente.

Continuó grabando y actuando hasta los años sesenta junto a grandes nombres del jazz. Cuando Armstrong murió en julio de 1971, Lil estaba destrozada. Aunque divorciados años atrás, asistió a su funeral como si fuese una más de la familia. Apenas seis semanas más tarde, mientras actuaba en un programa de TV en memoria de Louis, se derrumbó sobre el piano, perdiendo el conocimiento, muriendo horas después. Lil tenía 73 años.

Felix Mendelssohn

El 3 de febrero de 1809 nace en Hamburgo (Alemania) el compositor, director de orquesta y pianista de música romántica Félix Mendelssohn Bartholdy. Creció en el seno de una familia donde se cultivaban las artes, las ciencias y la filosofía. Su abuelo fue el filósofo Moses Mendelssohn (1729-1786) y su madre una pianista con profundos conocimientos musicales y de literatura alemana. En 1815 Félix comienza sus estudios serios de piano con Ludwig Berger, antes había estudiado brevemente en París con Marie Bigot, alumna de Beethoven.

Mendelssohn con 11 años

En 1818, a los 9 años de edad, está ya en condiciones de realizar su debut pianístico. Junto con su hermana mayor, Fanny, recibió una disciplina espartana que no permitía ni un momento de ocio y sus estudios no sólo abarcaban la música, sino también el resto de materias humanísticas. Su madre y su hermana le dan sus primeras clases musicales y Félix demuestra un talento innato para la misma, siendo capaz de tocar de memoria y perfectamente los “24 Preludios y fugas” de Bach con tan solo 11 años. Siendo importante la interpretación pianística, Mendelssohn encontró pronto más satisfacción en la composición, estudios que afrontó seriamente a partir de 1819 recibiendo lecciones de teoría musical y composición con Carl Friedrich Zelter.

Carl Friedrich Zelter

Precisamente Zelter será el que organice el encuentro entre el compositor y Goethe en 1821, iniciándose así una amistad que perduró durante toda su vida. En Félix también empieza a despertar una verdadera admiración por la obra de un casi desconocido Johann Sebastian Bach, circunstancia que posteriormente sería decisiva en el desarrollo de la historia de la música. Como toda aquella formación no parecía ser suficiente, su padre decide que reciba también clases de dibujo y pintura, modalidad artística en la que Mendelssohn también destacó, revelándose como un excelente acuarelista. Los estudios musicales de Mendelssohn se completaron con las lecciones de violín que recibió de Carl W. Hennig. En 1825 la familia Mendelssohn se traslada a Berlín, convirtiéndose su residencia en el principal salón cultural de la ciudad y posiblemente de toda Alemania.

Felix en 1831

En 1827 ingresa en la Universidad de Berlín, asistiendo a las clases de Hegel. Dos años después, inicia sus continuos viajes por todo el continente Europeo. A su vuelta consigue el puesto de profesor de música en la Universidad de Berlín, lo que no le impide iniciar un viaje a Italia (1832) y a Francia, donde conoce a Frederick Chopin. Es nombrado miembro de la Academia de Artes de Berlín, algo insólito en un artista de su joven edad. Puede asegurarse que Mendelssohn, por los testimonios de la época, fue el primer gran director de orquesta del Romanticismo, sentando las bases de la moderna escuela de dirección.

Cécile Jeanrenaud

De vuelta a Leipzig, en 1835 es nombrado director de la orquesta de la Gewandhaus, a la vez que recibe un doctorado honorario por la Universidad de la ciudad. En 1835 falleció su padre y el artista cae en una profunda depresión que se ve mitigada por su flechazo amoroso con Cécile Jeanrenaud, hija de un pastor protestante, con quién terminaría casándose en 1838, siendo su unión muy dichosa y feliz. Su etapa en el Gewandhaus fue extraordinaria, estrenando muchas obras contemporáneas - aunque Berlioz le reprochó “amar excesivamente a los muertos” - y creando un novedoso sistema de conciertos históricos para abonados donde se interpretaban obras antiguas caídas en desuso, sobretodo de Haendel y Johann Sebastian Bach, como por ejemplo “La Pasión según San Mateo”.

Gewandhaus, acuarela de 1836

Por lo tanto, se puede afirmar, sin ningún género de duda, que su labor fue fundamental en la historia de la música. La influencia de estos dos compositores es fundamental en la obra del hamburgués, como así lo muestra la modelación del estilo de Haendel que realizó Mendelssohn en sus oratorios. En 1841 recibe el ofrecimiento de Friedrich Wilhelm II -rey de Prusia- para hacerse cargo de las actividades musicales de Berlín. Mendelssohn acepta y compone música incidental para la puesta en escena de varias obras teatrales. Lamentablemente, el compositor no disfrutó en Berlín de la libertad artística que se le había prometido, y paulatinamente fue abandonando sus responsabilidades en aquella región.

En esta renuncia influyó también el proyecto para la creación de un conservatorio de Música en la ciudad de Leipzig, proyecto del que Mendelssohn fue su principal valedor. Una vez solventada la financiación, el Conservatorio se inauguró el 2 de abril de 1843.

Conservatorio de Leipzig

Su plantel de profesores estaba presidido por Robert Schumann, el propio Mendelssohn y Ferdinand Davis, a los que pronto se sumaron Clara Schumann, Niels Gade y Moscheles. Culminada la obra, Mendelssohn pasó una temporada de descanso en Soden, cerca de Frankfurt, donde compuso el célebre “Concierto para violín y orquesta en Mi menor opus 64” 1/2, 2/2 (Jascha Heifetz & The Boston Symphonic Orchestra), que figura hoy como la mejor obra concertante del compositor y uno de los hitos en la historia del concierto para el instrumento.

Fanny y Felix Mendelssohn

En el mes de mayo de 1847 la vida de Mendelssohn comienza a declinar. La muerte de su hermana Fanny, a la que estaba especialmente unido, lo sume en una depresión sin salida. Físicamente derrotado, aún tuvo fuerzas para componer alguna obra más. Finalmente, tras una etapa donde se repitieron unos fuertes dolores de cabeza que le provocaban desvanecimientos, falleció en Leipzig el 4 de noviembre de 1847, a los 38 años de edad.

La música de Mendelssohn, sobre todo la escrita entre los diez y los treinta años, goza del mismo entusiasmo que la de Schubert, haciendo gala de una extraordinaria destreza sonora. Le gustaban más las formas disciplinadas del siglo XVIII que las exploraciones expresivas a las que se dedicaron los románticos. Muestra influencias equivalentes de Bach (técnica fugal), Haendel (rítmica y progresiones armónicas), Mozart (caracterización dramática, formas y texturas) y Beethoven (técnica instrumental). Sin embargo, desde 1825 desarrolló un estilo característico propio, a menudo enlazado a elementos literarios, artísticos históricos, geográficos o emocionales.

Robert Schumann definió a Felix Mendelssohn como «el Mozart del siglo XIX, el músico más claro, el primero que ha sabido ver y conciliar las contradicciones de toda una época». No le faltaba razón: su música, de una gran perfección técnica y formal, es una espléndida síntesis de elementos clásicos y románticos. Romántico que cultivaba un estilo clásico o clásico que reflejaba una expresividad romántica.
A pesar de su incansable actividad como pianista, director y profesor, Mendelssohn fue un compositor prolífico. Su obra se compone de 12 sinfonías iniciales para cuerdas, 5 sinfonías, 5 oberturas, 2 conciertos para piano, 1 Rondó caprichoso para piano, 2 conciertos para violín, obras de cámara, gran cantidad de música para piano, donde destacan los 8 volúmenes de Canciones sin palabras (algunas atribuidas a su hermana Fanny), 2 oratorios, muchas canciones, fragmentos cantados para coro y música de órgano. Además 6 sonatas, 3 preludios y fugas, Andante y Variaciones en Re. Para teatro: “Die Hochzeit” des Camacho, Op.10, opera cómica (1825); Música incidental “A Midsummer Night's Dream”, Op.61 (1842); “Die Heimkehr aus der Fremde”, opereta, Op.89 (1829) y “Lorelei”, ópera inconclusa (1847).

• Sinfonías
La numeración que reciben sus sinfonías compuestas durante su madurez sigue aproximadamente su orden de publicación, en lugar de su orden de composición. El orden en el que las compuso fue: Primera, Quinta, Cuarta, Segunda y Tercera Sinfonía. La ubicación temporal de la Tercera es problemática debido a que trabajó en ella durante más de una década; comenzó los bosquejos poco después de la Quinta pero la completó después de finalizar tanto la Quinta como la Cuarta. “La Primera Sinfonía en do menor para orquesta” la compuso en 1824, cuando tenía 15 años. Ésta es una obra experimental, que muestra la influencia de Bach, Beethoven y Mozart. Durante 1829 y 1830 escribió su Sinfonía Nº 5 en Re mayor, conocida como “Reformación” (The Berliner Philharmoniker, dir. Herbert von Karajan) y que conmemoraba el 300 aniversario de la Reforma Protestante. Mendelssohn se mostró descontento con la obra y no permitió la publicación de la partitura.

Amalfi (Italia) acuarela de Mendelssohn, 1836

Los viajes de Mendelssohn a Italia lo inspiraron para escribir su Cuarta Sinfonía, conocida como “Italiana” en La menor, Opus 90 I. Allegro Vivace (Orchestra: New York Philharmonic, dir. Leonard Bernstein).  En 1840 Mendelssohn compuso la coral Segunda Sinfonía, subtitulada como “Lobgesang” (Himno de alabanza) Adagio religioso (Bergen Philharmonic Orchestra, dir. Andrew Litton) y su partitura fue publicada en 1841.

La Tercera Sinfonía, conocida como “Sinfonía escocesa” en La menor opus 56,"Andante con moto- Allegro un poco agitato" (The Berliner Philharmoniker & Pablo Heras-Casado), fue escrita y revisada intermitentemente entre 1830 y 1842. Esta pieza evoca la atmósfera de Escocia con el carácter distintivo del Romanticismo pero no emplea ninguna melodía identificable de la música tradicional escocesa.

• Otras obras orquestales
Mendelssohn compuso la obertura para concierto “Las Hébridas” (London Symphony Orchestra - Claudio Abbado), conocida también como “La gruta de Fingal”, en 1830, inspirada en sus visitas realizadas a Escocia alrededor de finales de los años 1820. Visitó la gruta en la isla hébrida de Staffa, como parte de su gran viaje por Europa y la impresión fue tal que garabateó el tema de apertura sobre el terreno, incluyéndolo en una carta que escribió a su hogar esa misma tarde. Compuso varias oberturas que son interpretadas incluidas en la obertura de “Ruy Blas” op. 95: “Meerestille und Glückliche Fahrt” (Mar calmado y próspero viaje, inspirado en un par de poemas de Goethe) y “La bella melusina”.

La música incidental para “El sueño de una noche de verano” (Op. 21), cuya Obertura (LGO & Masur) contiene un puñado de los sonidos más fantásticos y poéticos de la historia de la música, su “Scherzo” (Mariinsky Theatre Orchestra & Valery Gergiev), su “Nocturno” (London Symphony Orchestra), y su célebre “Marcha Nupcial”  (Slovak Philharmonic Orchestra & Oliver Dohnanyi) que sigue siendo poderosa, siendo compuesta en 1843, diecisiete años después de terminar la obertura.

• Ópera
Mendelssohn escribió algunos “singspiels” para interpretar ante su familia en su juventud. Su ópera “Die beiden Neffen” (Los dos sobrinos) fue ensayada por él en su decimoquinto cumpleaños. En 1827 compuso su obra más sofisticada, “Die Hochzeit des Camacho” (La boda de Camacho) Obertura (Philharmonia Orchestra, dir. Francesco d'Avalos), basada en un episodio de Don Quijote de la Mancha y producida en Berlín en 1827. Mendelssohn abandonó el teatro antes de la finalización de la primera representación y las siguientes fueron canceladas. Aunque nunca abandonó la idea de componer una ópera completa y contemplaba muchos temas (incluyendo el Cantar de los Nibelungos adaptado posteriormente por Richard Wagner) nunca escribió más de unas pocas páginas de bosquejos para cualquier proyecto. En sus últimos años el representante Benjamin Lumley intentó contratarlo para que escribiera una ópera sobre el libreto de “La tempestad de Eugène Scribe” e incluso lo anunció como próximo en el año de la muerte de Mendelssohn. El libreto fue usado finalmente por Jacques Fromental Lévy Halévy. Tras su muerte Mendelssohn dejó algunos esbozos de una ópera basada en la historia de "Lorelei".

• Conciertos
El “Concierto para violín de Mendelssohn en mi menor, Op. 64” (1844) (Violín : Hilary Hahn, The Frankfurt Radio Symphony Orchestra & Paavo Jarvi) fue escrito para Ferdinand David quien había trabajado estrechamente con Mendelssohn durante la preparación de la pieza y realizó el estreno del mismo con su violín "Guarnerius". Mendelssohn también escribió dos conciertos para piano, “Concierto para piano y orquesta No. 1, en re menor” Adagio (Gabriela Montero & The Simón Bolívar Youth Orchestra & dir Gustavo Dudamel) y un concierto doble para piano y violín. Además, existen varias obras para solista y orquesta en un movimiento. Las destinadas al piano son el “Rondó Brillante”, Op. 29, de 1834; el “Capricho Brillante”, Op. 22, de 1832 (Piano: Michael Ponti & Volker Schmidt-Gertenbach & The Berliner Symphoniker); la “Serenata y Allegro Giocoso” Op. 43, de 1838.

• Música de cámara
La producción musical de Mendelssohn en su madurez contiene numerosas obras de música de cámara, muchas de las cuales demuestran una intensidad emocional que algunas personas se cuestionan la carencia de obras más importantes.

En particular su “Cuarteto de cuerdas n.º 6 en Fa menor” Opus 80, 1/4, 2/4, 3/4, 4/4 (Cherubini Quartet), es destacable. Otras obras incluyen a dos quintetos de cuerdas, sonatas para clarinete, violonchelo, viola y violín, dos tríos de piano y tres cuartetos de piano. Para el “Trío de piano n.º 1” Opus 49 en re menor” 1/4, 2/4, 3/4, 4/4 (André Previn: Piano, Kyung Wha Chung: Violín y Paul Tortelier: cello), Mendelssohn excepcionalmente siguió el consejo de un compañero compositor, Ferdinand Hiller, y reescribió la parte de piano en un estilo más romántico, al estilo de Robert Schumann, aumentando considerablemente su efecto.

• Obras corales
Los dos grandes oratorios bíblicos, “Paulus” de 1836 y “Elijah” de 1846 (Kantorei Maulbronn & Members of the SWR Symphony Orchestra, dir. Jürgen Budday), están enormemente influenciados por Johann Sebastian Bach. La más abiertamente romántica “Die erste Walpurgisnacht” (La primera noche de Walpurgis) (Philharmonia Orchestra and Chorus, dir. Francesco d'Avalos), un arreglo para coro y orquesta de una balada de Goethe describiendo los rituales paganos de los druidas en las montañas del Harz en los comienzos del cristianismo, es sorprendentemente diferente. Esta destacable partitura ha sido vista por el estudioso Heinz-Klaus Metzger como una «protesta judía contra la dominación del cristianismo».

Mendelssohn también escribió muchas obras sacras para coro sin acompañamiento y para coro con órgano. Algunas fueron escritas y la mayoría han sido traducidas al inglés y siguen siendo sumamente populares. Quizás la más famosa de ellas es “Hör' mein Bitten” (Escucha mi plegaria) (Lydia Allert, Soprano & Chamber Choir of Europe) que en su segunda parte contiene «O könnt' ich fliegen» (Oh si pudiera volar). La obra está compuesta para coro completo, órgano y un tiple o soprano solista que presenta dificultad en su interpretación.

• Canciones
Mendelssohn escribió un gran número de canciones, tanto para voz solista como para duetos, acompañadas por piano. Canciones tales como «Auf Flügeln des Gesanges» («En las alas del canto») (Barbara Bonney, soprano) se han hecho muy populares.

• Piano y órgano
Son ocho ciclos que contienen seis piezas líricas cada una (2 fueron publicadas póstumamente). Son destacables: “Lieder ohne Worte“ (Canciones sin palabras) Op. 19 (1829), la romanza Op. 62: No. 6 (1843-44): Andante grazioso, "Spring Song" (Daniel Baremboin) y la “Song without words” op. 109 Op.109 (Jacqueline du Pré, violoncelo; Iris du Pré, piano).
Otras piezas para piano notables de Mendelssohn incluyen las “Variaciones sérieuses”, Op. 54 (1841) (Joel Hastings, piano), las “Siete piezas características”, Op. 7 (1827), el “Rondó Capriccioso” (Fischer Annie, piano) y el conjunto de los seis “Preludios y fugas”, Op. 35 (escritos entre 1832 y 1837) “Preludio y Fuga en re mayor para piano” (Benjamin Frith), op. 35 nº 2

Mendelssohn fue un entusiasta artista aficionado, incluyendo el dibujo, la acuarela y la pintura al óleo mostrando una gran sensibilidad para el color y una técnica depurada y avanzada. Su abundante correspondencia muestra que también pudo ser un ingenioso escritor en alemán e inglés, a veces acompañando su texto con dibujos humorísticos. Casa Museo de Félix Mendelssohn

Boceto de la Thomasschule en Leipzig

Eva Cassidy

El 2 de febrero de 1963 nació en Washington D.C. la cantante Eva Cassidy, conocida por sus excelentes interpretaciones de clásicos del blues, jazz, R&B y pop. De antepasados alemanes e irlandeses, desde muy pequeña mostró interés y talento para la pintura y la música.

Su padre y su hermano eran músicos aficionados y Cassidy tuvo como primeras influencias el folk de Bob Dylan, Pete Seeger y Buffy Sainte-Marie. A los nueve años aprendió a tocar la guitarra y comenzó a tocar para amigos y familiares, si bien Eva nunca mostró una ambición profesional. Formó parte de varios grupos en el instituto y en los años ochenta alternaba su trabajo en un vivero con actuaciones como miembro de la banda tecno pop Characters Without Names. En 1986 conoció al bajista y productor Chris Biondo, con el que inició una relación. Biondo le presento a Ed Dale, que se convertiría en su manager y en 1990 forman la Eva Cassidy Band, un cuarteto con el que Eva actuó frecuentemente en el área de Washington.

Chuck Brown y Eva

En 1992 graba con Chuck Brown, un conocido músico de la escena soul de la ciudad, el álbum 'The other side', con versiones de temas clásicos como 'Fever', 'You don't know me'  y 'Over the rainbow'. El disco gozó de buena acogida local, lo que propició que Cassidy recibiera todo tipo de alabanzas. La Washington Area Music Association la premió con dos premios Wammie, en la categoría de Vocalista de jazz y Cassidy recibió varias ofertas de discográficas para convertirse en cantante solista. Ella las rechazó todas ante la insistencia de éstas en que adaptara su estilo personal a un sonido más pop, a lo que ella se negaba. Continuó tocando con su banda en locales de la zona durante los años siguientes y viviendo en una granja a las afueras de Washington.

En 1996 Dale y Biondo deciden publicar un álbum con las mejores actuaciones de Cassidy grabadas en dos jornadas en el Blues Alley, club de jazz en Washington. Por un fallo de grabación sólo se pueden usar los temas grabados el segundo día y se publica 'Live at Blues Alley', con temas como 'Cheek to cheek', 'People get ready', 'Autumn leaves' y 'What a wonderful world'. En un principio, Eva dudaba de su publicación porque a causa de un resfriado que arrrastraba, no había quedado muy satisfecha de su voz.

Sus dudas se disiparon cuando leyó las magníficas críticas que recibió. En ellas se podían leer frases como, "una de las más grandes voces de su generación" o "Eva canta cualquier género -folk, blues, pop, jazz, R&B, gospel- y lo hace sonar como si fuera la única música que importara en el mundo"

Ese mismo año, una exploración por rayos X, reveló que Eva sufría un melanoma en avanzado estado y los médicos le dan cinco meses de vida. Cassidy optó por un tratamiento agresivo de quimioterapia que no prosperó y su salud se fue debilitando con rapidez. En otoño dio su último concierto frente a fans, amigos y familiares y el 2 de noviembre de 1996 murió a los 33 años.

Pese a su enorme popularidad en la zona de Washington, el resto del país y del mundo no conocía a Cassidy, hasta que tres años después, Terry Wogan, un DJ de la BBC británica, emite y recomienda en su programa el CD 'Songbird', una recopilación de los mejores temas que Cassidy grabó en su corta carrera. Finalmente en las Navidades de 2000, el programa Top of the Pops emitió un video que un aficionado grabó la noche de la grabación de 'Live at Blues Alley', en el que se puede ver a Eva cantando 'Over the rainbow'. Fue el video más solicitado por los espectadores en la historia del programa.

Desde entonces las ediciones póstumas de sus álbumes 'Time After Time', 'No Boundaries' (2000), 'Imagine' (2002) y 'American Tune' (2003) han vendido más de diez millones de copias en el mundo y numerosos músicos como Sting, Roberta Flack, Mick Fleetwood y Paul McCartney se han declarado admiradores de su estilo vocal. En 2011 se publicó un nuevo álbum póstumo titulado 'Simply Eva', que contiene 11 temas acompañados solo por su guitarra y uno 'a capella'

Stan Getz

El 2 de febrero de 1927 nació en Philadelphia (Pennsylvania) el saxofonista de jazz Stan Getz, estrella del cool en los años cincuenta cuyo tono cálido y lírico le confirió el sobrenombre de 'The Sound' (el sonido), apreciable en temas como su versión de 'La chica de Ipanema', con la que contribuyó a que la bossa nova fuera conocida en todo el mundo.

Hijo de inmigrantes judíos procedentes de Ucrania, cuando contaba cuatro años su familia se trasladó a Nueva York. Interesado muy joven por la música, empezó estudiando contrabajo y fagot hasta que su padre le regaló un saxofón a los trece años. Debutó profesionalmente dos años más tarde con la orquesta de Dick 'Stinky' Rogers y en 1943 tocaba el saxo alto en la orquesta de Jack Teagarden, con Nat King Cole y Lionel Hampton. Antes de cumplir los veinte años ya había tocado en las big bands de Stan Kenton, Benny Goodman, Randy Brooks y Jimmy Dorsey.

En 1947 trabajó con Woody Herman en su 'second Herd' junto a otros tres saxofonistas, Zoot Sims, Herbie Steward y Serge Chaloff, una innovación sonora aportada por la banda de Herman: la formación de la cuerda de saxofones con un saxo alto, tres tenores y un barítono. Esto era muy inusual en la época, especialmente porque los tres tenores desarrollaban un estilo muy peculiar, deudor del de Lester Young, de forma relajada, con sonoridad desprovista de vibrato. El impacto fue tan grande, que la orquesta de Woody Herman mantuvo durante décadas este tipo de formación, que llegó a conocerse como The Four Brothers Band, cambiando los músicos pero no el sonido. Getz permaneció con Woody hasta 1949 grabando con él el hit 'Early autumn' y a continuación lideró combos propios y acompañó a Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald y Dizzy Gillespie. También participó en las giras de Jazz at the Philharmonic

En los años 50, Getz se hizo bastante famoso tocando cool con un joven Horace Silver, Oscar Peterson , John Coltrane y muchos otros.

Los dos primeros quintetos de Getz fueron especialmente famosos por sus músicos, que incluían la sección rítmica de Charlie Parker con el batería Roy Haynes, el pianista Al Haig o el bajista Tommy Potter. En 1955 se editó su disco 'West Coast Jazz', que tuvo una gran repercusión como paradigma del jazz de la costa Oeste. Un año antes de eso, Stan fue encarcelado por un asalto a una farmacia para conseguir una dosis de morfina. Cuando salió libre se trasladó a Dinamarca donde además de intentar liberarse de su adicción, conoció a Monika Silfverskiöld, una aristócrata danesa, con la que se casó.

'Jazz Samba' (1962)

En 1961 regresó a Estados Unidos donde descubrió que el público americano le había olvidado, en buena medida debido a John Coltrane. Para 'contraatacar' grabó su álbum histórico 'Focus'. Pero el disco que le volvió a colocar en la popularidad fue 'Jazz Samba', su primer álbum de fusión de jazz y bossa-nova grabado con el guitarrista Charlie Byrd en 1962. Getz ganó el Grammy por la mejor interpretación de Jazz en 1963 por el tema 'Desafinado'.

Jobim, Getz y Gilberto

El siguiente paso de esta fusión fue el encuentro con los músicos brasileños. Getz grabó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y su esposa, la cantante Astrud Gilberto. Su colaboración en 'Garota de Ipanema' (La Chica de Ipanema, 1963) ganó el Grammy superando en la final a 'I want to hold your hand' de los Beatles, haciendo el estilo de Jobim mucho más popular y convirtiendo esta pieza en una de las canciones de jazz más conocidas de la historia.

El álbum 'Getz/Gilberto' también ganó el Grammy en 1965 de mejor álbum lo que supuso sin duda una victoria para el jazz y la bossa-nova y derivó en la propagación del nuevo género entre millones de personas, allanando el camino para que la música brasileña y sus instrumentos se sumaran al jazz.

'Another World' (1977)

Por otro lado también grabó más álbumes en los sesenta como 'Stan Getz & Bill Evans' (1964), 'Voices' (1966), 'Sweet Rain' (1967), en el que comenzó a interesarse por el jazz-rock y 'Didn't We' (1970) en el que interpretaba standards del jazz acompañado de una orquesta dirigida por Johnny Pate. En 1970 firmó con Columbia y siguió experimentando con ritmos electrónicos y el rock, particularmente en su álbum 'Another World' (1977), pero volvió pronto a su tradicional sección rítmica acústica. En 1974 tocó de nuevo con Bill Evans en un festival de jazz europeo, cuya grabación, 'But Beautiful', se publicó en 1996.

Stan Getz y Chet Baker

En los años ochenta también publicó álbumes muy bien recibidos por la crítica, especialmente 'The Stockholm Concert' (1983) y 'Anniversary!' (1987). En Down Beat se podía leer: "Su tono parece haberse vuelto más profundo pero sigue tocando con la elegancia de siempre. Las baladas, sobre todo, parecen poseer más matices y ser más bellas". También actuó y grabó esos años con Chet Baker.

A partir de 1985 se dedicó a la docencia en el departamento de jazz de la Universidad de Stanford. Uno de sus últimos álbumes fue 'Apasionado' (1989) que incluía prácticamente todos los estilos que interpretó Getz en su carrera: las baladas melodiosas, los ritmos latinos de sus días con la bossa nova incluso reminiscencias de big band.

Dejó su tradicional cuarteto acústico para improvisar sobre las composiciones de sintetizador de Eddie de Barrio. Fue muy bien acogido por sus fans y alcanzó el nº1 de las listas de jazz. En 1991 recibió su quinto Grammy por su solo en 'I remember you' grabado con el pianista Kenny Barron en las sesiones de 'Apasionado'. Ese mismo año Getz murió en junio a los 64 años tres meses después de publicar su último disco grabado en directo con Kenny Barron, 'People Time'. "Admitámoslo. A todos nos gustaría tocar como él lo hace, si pudiéramos."  (John Coltrane).