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El 24 de mayo de 1968 se publicó en el Reino Unido 'Ogdens' Nut Gone Flake', tercer y último trabajo del grupo The Small Faces. Alcanzó el nº1 de las listas inglesas y permaneció en él unas seis semanas. El título, y el diseño de la portada (obra de Mick Swan) eran una parodia de Ogden' Nut-brown Flake, una marca de tabaco producida en Liverpool desde 1899.
Aunque ya había pasado el verano del amor, el último trabajo de The Small Faces se puede considerar como la quintaesencia de la psicodelia británica. Mientras los grupos de San Francisco tenían inclinaciones políticas, los británicos se decantaron por algo más frívolo, ante todo, la garantía de un buen viaje. Steve Marriott no arremetía contra la guerra de Vietnam, sino contra sus vecinos que se quejaban del ruido que hacía. La mitad de la primera cara es rock psicodélico sin miramientos (el tema que da título al disco, 'Afterglow' y 'Song of a Baker'). Los otros tres cortes son el music hall de Londres pasado por la batidora lisérgica.
En cambio, la cara B es un cuento fantástico y surrealista sobre un chico llamado 'Happiness Stan', narrado por el comediante Stanley Uwin en su lenguaje inventado, el 'gobbledegoo' al que incorporó términos contemporáneos de 'slang' londinense.
La historia es más o menos así: Cuando Stan mira hacia el cielo y descubre que falta la mitad de la luna, se pone en marcha para averiguar qué le ha sucedido a la otra mitad. En el camino salva a una mosca de morir ahogada y en gratitud el insecto le cuenta que conoce a la persona que puede resolver su problema y revelarle el sentido de la vida.
The Small Faces en 1968
Stan, con sus poderes mágicos invoca: "Si todas las moscas fueran una sola mosca, que enorme moscóptero se podría construir", y la mosca empieza a adquirir proporciones gigantescas. Sentado a lomos de la mosca gigante, Stan realiza un psicodélico viaje hacia la caverna de Mad John el ermitaño, quien le explica que la desaparición de la mitad de la luna era sólo temporal e indicándole el cielo le demuestra que a la luna -en el tiempo que había empleado Stan buscándola- le había dado tiempo a volver a su plenitud. Finalmente le canta una canción explicándole el sentido de la vida.
Steve Marriot
Desgraciadamente esta mini-ópera era imposible de representar en directo, exceptuando una aparición en semi-playback en la pequeña pantalla británica en junio de 1968, lo que llevó a un frustrado Steve Marriott a abandonar el grupo. Aunque el resto de la banda (Ronnie Lane, Kenney Jones y Ian McLagan) encontró mayor fama algo más tarde junto a Rod Stewart, siempre quedará la sensación de que se perdió una gran oportunidad.
El 23 de mayo de 1928 nació en Maysville (Kentucky) la actriz y cantante norteamericana Rosemary Clooney, una popular vocalista de jazz en los años cincuenta gracias a su primer hit 'Come on-a my House'. Al mismo tiempo apareció en numerosas películas, como 'White Christmas', junto a Bing Crosby, Vera Ellen y Danny Kaye. Sinatra dijo de ella: "Tiene el talento de imprimir calor y sentimiento a todo lo que interpreta. Rosemary simboliza la buena música moderna americana"
Rosemary, Nick y Betty
Rosemary pasó una infancia difícil en la pequeña localidad de Maysville. Ella y sus dos hermanos Betty y Nick pasaban temporadas con su padre alcohólico Andy Joseph Clooney, su madre Marie Frances, que viajaba constantemente por su trabajo en una cadena de tiendas de ropa y otros familiares que se turnarían para criar a los niños. Cuando Rosemary cumplió los quince años, su madre y su hermano Nick se fueron a vivir a California, donde Marie Frances se casó de nuevo con un marino. Rosemary y Betty permanecieron junto al padre, que trabajaba en una fábrica de armamento. El día que acabó la 2ª Guerra Mundial, Andy salió a celebrarlo y no volvió nunca más a casa.
Rosemary y Betty Clooney
Las hermanas trataron de seguir adelante como pudieron. Recogían botellas vacías de la calle para canjearlas por el dinero suficiente para comer cada día. El teléfono estaba cortado, debían el alquiler y amenazaban con cortar también el agua y la luz, cuando Rosemary y Betty ganaron un concurso de talentos de una emisora de radio de Cincinnati. Tal fue la impresión que causaron, que fueron contratadas para cantar en un programa nocturno por 20$ cada una a la semana. Las 'Clooney Sisters', como llegaron a ser conocidas, comenzaron su carrera artística en 1945 en la emisora WLW de Cincinnati.
Sus canciones en la radio llamaron la atención del director de orquesta Tony Pastor en una ocasión que pasó por Ohio. El mismo año 1945 las hermanas Clooney se incorporaban a la banda de Pastor. Con él realizaron giras hasta 1948, año en el que Betty decidió abandonar las giras y volver a Cincinnati a su trabajo en la radio. Rosemary continuó con la orquesta como vocalista única durante un año más y grabó temas como 'You started something' o 'It's like taking a candy from a baby'. En 1949, con 21 años, Clooney decidió ampliar los horizontes de su carrera y dejó la orquesta de Pastor y se trasladó a la ciudad de Nueva York.
Los reclutamientos para la guerra en Europa y en Asia habían dejado en cuadro a la mayoría de las bandas, creando la necesidad en las orquestas de incorporar a vocalistas con cierto carisma. Tras la guerra, éstos se volvieron incluso más indispensables ya que, el público que poco a poco se había acostumbrado a ellos, comenzó a demandarlos. Los líderes de las bandas más renombradas descubrieron y dieron a conocer a cantantes como Bing Crosby, Doris Day, Frank Sinatra, Peggy Lee, Ella Fitzgerald y Dinah Washington, los cuales el público asociaba a sus respectivas orquestas. La llegada de Clooney a Nueva York coincidió con la urgente necesidad de estas orquestas por incorporar cantantes, por lo que no tardó en firmar un contrato con Columbia Records. Para entonces, las 'chicas cantantes', como Doris Day, Peggy Lee y Kay Starr, estaban emergiendo como estrellas discográficas.
Rosemary y Mitch Miller
En Columbia, Clooney comenzó una importante asociación profesional con Mitch Miller, uno de los directores artísticos de la compañía, además de director de su propia banda y entertainer veterano. En 1951 convenció a Rosemary para grabar una canción de corte cómico e intrascendente,'Come on-a my house', compuesta por los autores de origen armenio Ross Bagdasarian (el futuro padre de Alvin y los Chipmunks) y William Saroyan, en la que se parodiaba la costumbre mediterránea de invitar a todo el mundo a su casa para agasajarles con comida y bebida.
Cuando Miller le sugirió el tema, Clooney torció el gesto escéptica, argumentando que aquel no era su estilo. Pensaba que era una canción tonta y sin sentido. Consideraba el doble sentido de la letra un recurso barato y además se sentía muy incómoda poniendo acento italiano al cantar. Miller insistió y logró que Clooney accediera. En la grabación usó un clavecín, instrumento inédito hasta entonces en una grabación pop. Ante la sorpresa de Rosemary, el disco escaló las listas de ventas y fue disco de oro. Una 'canción tonta y sin sentido' había convertido de la noche a la mañana a Rosemary en 'Rosie', la favorita a partir de entonces de millones de norteamericanos.
A comienzos de los años cincuenta, las estaciones de radio apostaban fuerte para combatir el creciente magnetismo que generaba la joven televisión.
Se crearon programas repletos de estrellas y semana tras semana los estudios de Hollywood ofrecían emisiones radiofónicas en directo de variedades musicales con los mejores artistas. Clooney fue contratada junto con Bing Crosby para ser las estrellas de una de ellas, emitida los miércoles al mediodía en la CBS Radio. Tampoco le faltaron papeles en el cine. Su aparición en el film 'White Christmas', junto a Bob Hope y Bing Crosby, interpretando la balada 'Love, you didn't do right by me' aumentaron aún más su popularidad.
Rosemary Clooney se acercó tardíamente al jazz y grabó una par de magníficos álbumes para Columbia: 'Hollywood's Best' con la orquesta del trompetista, Harry James, y 'Blue Rose', su obra mas conseguida y un disco que pudo ser memorable con la orquesta de Duke Ellington si los responsables de Columbia Records no hubiesen manipulado las cintas para sobreponer la voz de Rosemary a grabaciones preexistentes de la orquesta de Duke.
José Ferrer y Rosemary
Poco después comenzó un romance con el bailarín Dante Di Paolo, con quien había co-protagonizado films como 'Come the Girls' y 'Red Garters' (1954). Sin embargo, ante el estupor de sus amigos y el público en general, en verano de 1953 se fugó con el actor ganador de un Oscar y 16 años mayor que ella, José Ferrer. 'Rosie' y su casamiento sorpresa se convirtieron en los temas favoritos de la prensa rosa y amarilla. Clooney y Ferrer se mudaron a una fastuosa mansión de Beverly Hills, que había pertenecido a George Gershwin, donde celebraban fiestas junto a la piscina a las que acudían la flor y nata de Hollywood. Su primer hijo nació en 1955 y en 1960 nació el quinto.
En 1956 Clooney protagonizó su propio show de TV que se mantuvo durante un año en antena retransmitido por más de 100 emisoras de TV del país, convirtiéndose 'Rosie' en una presencia familiar de la joven televisión americana.
Rosemary, Ferrer y sus cinco hijos
Sin embargo, para entonces, Rosemary Clooney comenzaba a sentir las secuelas de su frenética vida en la que quería compaginar la crianza de cinco niños con su vida profesional, que consistía entonces en una apretada agenda de actuaciones en la radio, el cine, la TV y los estudios de grabación. El deterioro de su matrimonio colmó el vaso y la cantante recurrió a a los tranquilizantes. Aunque su imagen pública seguía siendo idílica su adicción a las drogas se acentuó. Clooney y Ferrer se divorciaron en 1961, volviéndose a reconciliar unos pocos años para divorciarse definitivamente en 1967. En su autobiografía comentaba cómo se sentía acerca del mito de 'trabajadora y madre de los años 50': "Lo hice simplemente porque me creí capaz de ello, aunque ciertamente, no fue nada fácil"
En 1968 su mundo se derrumbó cuando su buen amigo Bobby Kennedy fue asesinado a pocos metros de ella durante su campaña para la nominación demócrata como candidato a presidente en el Ambassador Hotel de Los Angeles. La tragedia, unida a sus adicciones, desencadenaron su colapso mental. En una actuación maldijo al público y seguidamente convocó a la prensa a la que comunicó entre sollozos su retirada. Cuando viendo su estado, llamaron a un médico, Rosemary huyó y fue detenida cuando circulaba con su coche en sentido contrario por una peligrosa vía de montaña.
Poco después accedió a ser ingresada bajo tutela psiquiátrica en el Hospital Mount Sinai de Los Angeles. Estuvo bajo terapia varios años y cuando ya fue capaz, trabajó cantando en pequeños hoteles y realizando spots de TV. En 1976 su viejo amigo Bing Crosby la llamó para que le acompañara en su última gira que celebraba su 50 aniversario en la industria discográfica. Fue la vuelta de Clooney a los escenarios y su dueto con Crosby de 'On a slow boat to China' era uno de los momentos más esperados del show.
El 23 de mayo de 1741 nació en Motta di Livenza el organista y compositor italiano de música sacra, clásica y ópera Andrea Luchesi. A los quince años de edad, se traslada a Venecia, donde estudió con importantes músicos (como Baldassare Galuppi) y ocupó altos cargos como organista y compositor.
Invitado en 1771 como director de música a la corte del Príncipe elector de Colonia en Bonn, fue designado Kapellmeister (Maestro de capilla) en 1774.
Fue un autor prolífico, tanto en música instrumental (sonatas, conciertos, sinfonías) y sacra como de óperas (ópera bufa y ópera seria). Entre sus composiciones recordamos el Réquiem para los funerales solemnes del Duque de Montealegre, embajador de España en la República de Venecia, en 1771. Fue profesor de Beethoven. Después de su muerte (Bonn, 21 de marzo de 1801) su música fue casi olvidada hasta su recuperación en los últimos años del siglo XX.
Luchesi ha sido ignorado en las biografías de Mozart, Haydn y Beethoven, en los que influyó notablemente. En 1773 compuso la ópera “Venetin”, en la que cantaron el padre y el abuelo de Beethoven. El joven Ludwig, que estuvo en la capilla de la corte desde 1781 hasta 1792 como organista asistente de clavicémbalo e intérprete de viola, fue el alumno de más talento (y famoso) de Luchesi. Murió en Bonn, en marzo de 1801 a los 59 años.
El 23 de mayo de 1975 se publicó 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', el noveno disco de estudio de Elton John. Fue el primer álbum de la historia que debutó como nº1 en las listas, donde permaneció siete semanas. También fue el último -hasta 'Too Low For Zero' (1983)- en el que al pianista le acompañaba su base de ritmo habitual (Dee Murray y Nigel Olsson)
Es un álbum conceptual en el que se cuenta la historia autobiográfica de Elton John y Bernie Taupin (Elton es el 'Capitán Fantástico' y Bernie el 'Vaquero Polvoriento') en su arduo camino para convertirse en estrellas del pop, entre los años 1967 y 1969. Escrito en orden cronológico, Elton compuso la música durante un crucero en trasatlántico hacia EEUU. Elton, Bernie y la banda trabajaron más que en los álbumes anteriores, los cuales en una semana, a lo sumo dos, como en el caso de 'Goodbye Yellow Brick Road', estaban listos para publicar (en los tres últimos años Elton había producido seis discos).
En el caso de 'Captain Fantastic' se encerraron prácticamente un mes en los estudios de Caribou Ranch y los resultados convencieron de tal manera al productor Gus Dudgeon que, además de alabar los temas de John y Taupin, opinaba que era el mejor trabajo que habían realizado hasta entonces. Apareció tras un año de parón y durante una época tortuosa del cantante, que, a pesar de ser entonces la estrella más famosa del planeta, con unas cifras de ventas superiores a las de los Beatles y Elvis en sus mejores épocas, estaba enganchado a la cocaína y luchaba contra la depresión y multitud de fantasmas personales. Unos meses después confesaba en Rolling Stone su bisexualidad. Fue el penúltimo nº1 de una serie de cinco consecutivos entre 1972 y 1975, tres años que fueron frenéticos para el artista.
Canciones con historia: 'Someone Saved My Life Tonight'
A finales de los años sesenta Elton John tiene cada vez más dudas de que Linda Woodrow sea la mujer ideal para él. A Linda no le entusiasma en absoluto la música que hace y menos aún su ambición por ser una estrella del rock.
Long John Baldry en 1968
No son buenas premisas para una boda anunciada. Además hay un asunto de peso: Elton siente poco o nulo interés sexual por Linda. Que sus preferencias fueran en otro sentido era algo que no se atrevía a confesar abiertamente y menos aún a Linda. Estas dudas no paran de atormentarle cuando pasea una tarde de primavera de 1968 por las calles de Londres con un par de amigos. Bernie Taupin y el cantante de blues Long John Baldry que le acompañan, no imaginan lo que sucede en el interior de la cabeza de Elton, cuando éste decide apresuradamente marcharse a casa algo más temprano de lo habitual.
Bernie y Elton en 1968
Cuando Bernie llega a casa más tarde, empieza a ser consciente de que a su amigo Elton le sucede algo grave y necesita ayuda: En el apartamento que Taupin comparte con Linda y Elton huele a gas, y el pianista de 21 años está tumbado en el suelo con la cabeza metida en el horno. Pero lo que a primera vista tiene toda la apariencia de un intento de suicidio se destapa como un grito de auxilio con escenificación melodramática. Las ventanas de la cocina están abiertas de par en par, la llave del gas no está completamente abierta y Elton se ha colocado una almohada bajo la cabeza para que la espera hasta ser 'rescatado' no le resultara demasiado incómoda. A pesar de lo teatral de la escena, Bernie lo tiene claro: Elton tiene que dejar a Linda. Al día siguiente Bernie y Long John Baldry recogen a Elton y sus efectos personales en una furgoneta alquilada y lo llevan a casa de su madre. Seis años más tarde Taupin recuerda el episodio de aquella noche de primavera del 68 en la canción 'Someone saved my life tonight'.
Aunque Elton reconoció en 1976 sus preferencias sexuales, lo volvió a intentar con una mujer en febrero de 1984. En aquella fecha se casó con la ingeniero de sonido alemana Renate Blauel. Pero el matrimonio duró apenas cinco años.
Elton y Renate Blauel en 1984
Los motivos para la boda los explicó en 2001: "Diablos, yo estaba enganchado a las drogas y pensé que necesitaba casarme para ser feliz. Pero cuando estás así de enganchado nada te hace feliz. Da igual que estés con una mujer, un tío o un perro. Pero no quiero hablar sobre Renate. A ella no le gusta. Es una de las personas más elegantes que conozco. Nunca me pidió nada, ni ha ido a la prensa con nuestra historia. Nada." Elton parece haber encontrado la felicidad añorada junto al cineasta británico David Furnish, su actual pareja, con el que se casó en diciembre de 2005.
Elton John - pianos acústico y eléctrico, clavinet, mellotron, sintetizador ARP, clavecín
Davey Johnstone - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, piano en 'Writing', voces Dee Murray - bajo, voces Nigel Olsson - batería, voces Ray Cooper - percusión
Producción: Gus Dudgeon
Ingeniero: Jeff Guercio
En 1995 se publicó una reedición en CD que incluía sus dos nº1 de la época, 'Philadelphia freedom' y 'Lucy in the sky with diamonds', junto a John Lennon, y 'One day at a time', escrita por Lennon, que fue la cara B de 'Lucy in the sky'.
El año 2006 se publicó el álbum 'The Captain and the Kid' que, a modo de secuela, retoma la historia donde la dejaron, continuando la autobiografía del dúo.
El 22 de mayo de 1967 se publicó en EEUU 'Headquarters', el tercer álbum del grupo The Monkees y el primero con varios temas compuestos e interpretados por los cuatro miembros del grupo en lugar de utilizar músicos de sesión o autores profesionales.
Con los miembros de la banda intentando asumir el control de su propia música, 'Headquartes' fue lo más cercano que estuvieron de dicho control en su época dorada de hits. Los Monkees habían destituido a Don Kirshner como su director musical y contrataron a Chip Douglas como productor de su nuevo trabajo. Los chicos de la banda, hartos de las acusaciones vertidas por los hippies de ser marionetas de la industria y para acallar las cada vez más frecuentes voces que sostenían que ninguno de ellos cantaba o tocaba realmente en las grabaciones, interpretan por primera vez prácticamente todos los temas de 'Headquarters'. Sin embargo, ninguno de ellos fue publicado en single en EEUU, quizás en una maniobra perversa de la discográfica para demostrar a los cuatro músicos que "era preciso" contar con autores 'profesionales'.
En cambio, en el Reino Unido, el tema 'Randy Scouse Git' de Micky Dolenz alcanzó el nº2 (la expresión 'Randy Scouse Git' tenía en las Islas un doble sentido 'políticamente poco correcto', por lo que en el Reino Unido apareció con el título: 'Alternate title'). Cinco temas del álbum están compuestos o co-compuestos por Michael Nesmith. El 50% de las canciones procede de autores ajenos al grupo, pero en todos ellos los Monkees (y Chip Douglas) se hacen responsables de la música y los arreglos. Algunos temas son incluso composiciones genuinas de los Monkees. Destacan dos temas de Nesmith, 'You told me' un tema de folk rock que recuerda mucho a 'If I needed someone' de Beatles y 'You may just be the one', que bien podría haber sido un single de éxito.
'Headquarters' se vendió muy bien y le sentó bien al amor propio de la banda, aunque sus últimos álbumes en los que asumieron el control bajaron el rendimiento. Pero en este punto de la historia, el debate sobre si tocaban o no, importaba menos que el hecho que, como marionetas o como seres autónomos, The Monkees era un grupo con grandes melodías.
El álbum alcanzó el nº1 de las listas americanas en junio de 1967. Desafortunadamente para ellos sólo duró una semana en el puesto de honor en claro contraste con su anterior trabajo que aguantó 18 semanas. Pero en este caso el relevo llegaba como un ciclón e iba a ocupar el nº1 durante quince semanas consecutivas: 'Seargent Pepper's Lonely Hearts Club Band'.
El 22 de mayo de 1813 nació en Leipzig el compositor, director, dramaturgo y ensayista alemán Richard Wagner, conocido principalmente por sus óperas o 'dramas musicales', en las que asumía además de la composición, la escenografía y el libreto.
Johana Rosine, su madre, con ocho hijos, enviudó al mes cumplido de Richard. Por suerte, se casó después con Ludwig Geyer, quien sería muy importante en la faceta artística de Wagner y por ello adquirió mayor compenetración con la música, estudiando a Mozart, Beethoven, Weber y Hoffman. Su admiración hacia Beethoven se reflejó en la transcripción para piano de la novena sinfonía y de la Pastoral, que inspiró una de sus primeras obras: “Sinfonía en Do Mayor” (Rundfunk-Sinfonie-Orchester Berlin & dir. Heinz Rögner).
Minna Planer
También buscó expresarse en el lenguaje dramático, escribiendo las “Bodas”, pero, que por críticas de su familia, tuvo que destruir. En “Las hadas” (1833), muestra su gusto por lo legendario y lo fantástico. En 1836, residiendo en Königsberg, contrajo matrimonio con la actriz Minna Planer. Vive en París en medio de la pobreza hasta 1842 y regresa a Alemania donde empezó a componer con 24 años "Rienzi", Aria "Allmächtger Vater" (Rene Kollo), la ópera que, aunque fue su mayor éxito, renegó de ella por su aire de "grand opera", justo lo que parecía entusiasmar a Hitler, que llegó a apropiarse de la partitura autógrafa. Adolf Hitler la escuchó con entusiasmo a los 17 años, 69 después de que Wagner empezara a componerla, la utilizó para la inauguración en 1939 del Congreso del Partido Nazi (NSdAP), en Nuremberg, y se adueñó de la partitura, que pasó a formar parte de su colección privada y que desapareció durante el bombardeo de Berlín. Wagner no tardó mucho en renegar de ella porque la había compuesto según los cánones de la ópera francesa imperante, es decir, con la liturgia completa de arias, concertantes, ballet y números corales de una gran espectacularidad y complejidad escénica.
Wagner en 1850
1842-1843, "Steuermann! Lass die Wacht!" (Orquesta Sinfónica y Coro del Gran Teatre del Liceu & Norbert Ernst, Timonero). Wagner daba un paso de gran importancia hacia el drama musical al utilizar desde la obertura la unión de temas musicales con los personajes principales, los sentimientos y los hechos del drama, adquiriendo gradualmente la noción de leitmotiv o tema conductor, que sería esencial en la forma de componer sus óperas posteriores. Por otro lado, la influencia de Weber aumenta su interés por el mundo germánico, sobre todo por el mítico y legendario, tan importante en la tradición cultural alemana.
A pesar de los cambios estilísticos, Wagner todavía utiliza las arias y dúos tradicionales, que poco a poco irán desapareciendo en sus nuevas obras. La ópera no tuvo la acogida de Rienzi, pero gracias a ella consiguió el puesto de director de cámara de la casa real de Sajonia.
Escena de Tannhäuser
Con “Tannhäuser”y su “Coro de lo peregrinos” (Bayerisches Staatsorchester, Chor der Bayerischen Staatsoper München & Robert Heg), en la que trabaja cuando estalla la revolución de 1848 y debe huir a Weimar, donde le deja la partitura a su gran amigo y admirador Franz Liszt que decidió representar la ópera en Weimar, tres años después. Aquí aparece con claridad lo que se llama “Sinfonía Wagneriana” y además se consagra como uno de los mejores directores de orquesta al dirigir la Novena sinfonía, de Beethoven, estrenada en Dresde en 1845, avanzaba en la utilización de los temas conductores, ahora más extensos. Revive el mundo legendario medieval de los caballeros Minnesinger alemanes, equivalentes a los trovadores provenzales. Pero aquí el drama toma un aspecto religioso enfrentándose, por un lado, el amor “carnal” que simboliza la diosa Venus y, por otro, el amor espiritual de Elisabeth.
Escena de Lohengrin
En “Lohengrin” (Otto Klemperer dir. & The Philarmonia Orchestra) utiliza el nuevo método dramático musical en forma intensiva. En la obertura, por ejemplo, escuchamos el “tema del misterio” y el del santo Grial; este último reaparece en la misma forma tras casi cuatro horas de ópera, cuando Lohengrin se identifica como un caballero del Santo Grial. A pesar de que Wagner creía en la eficacia de su sistema, éste realmente tenía sus fisuras, ya que para sus contemporáneos era muy difícil reconocer los numerosos temas que configuran la música y que se relacionaban íntimamente con el texto; sistema que casi nadie comprendía por su complejidad y porque sus óperas sólo se representaban en pocos teatros.
Richard Wagner comenzó la composición de Lohengrin en 1845, pero la participación activa por parte del compositor en los hechos revolucionarios de Dresde (1848-1849) le obligaron a refugiarse primero en Weimar junto a Listz y, al decretarse la orden de busca y captura contra él, a exiliarse en Suiza. “Lohengrin” fue por tanto la primera ópera que se estrenó en Alemania (Weimar, 28 de Agosto de 1850) mientras Richard permanecía en el exilio. En ella encontramos aún influencias notablemente italianizantes y meyerbeerianas.
La influencia de Wagner se extendió más allá de la música hacia la filosofía, la literatura, las artes visuales y el teatro. Incluso hizo construir su propio teatro de ópera, el “Festspielhaus” de Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contiene muchas características de novedoso diseño para la época.
Cosima Liszt von Bülow
Junto con su mujer, Cósima, marcha a Suiza donde conocen a Friedrich Nietzsche. De este periodo también datan las “Wesendock Lieder” (Tiana Lemnitz soprano & Orchestre de la Staatskapelle de Berlin, Dir. Robert Heger) obras para voz y orquesta o piano (1857-1858) (Cinco voces para voz de mujer - Sara Mingardo, contralto, Malcolm Martineau, piano & letra Mathilde Wesendonck) y poco después viene el estreno de “Los maestros cantores”. Sin embargo, sus pensamientos sobre la importancia relativa de la música y el teatro volvieron a cambiar de nuevo y reintrodujo algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, incluyendo “Los maestros cantores de Nuremberg”(1868). Cuando el compositor se había retirado a Mariafeld (cerca de Zurich, mayo de 1864) huyendo de sus acreedores se le presentó como un milagro el secretario del gabinete de Luis II para indicarle que el rey, su más ardiente admirador, se sentiría halagado si aceptase ser su invitado. Rápidamente fueron pagadas las numerosas deudas contraídas por el compositor que se instaló cómodamente en una casa cercana a la residencia de verano del rey en Berg. Para él compuso “La marcha del Homenaje”.
Escena de Tristán e Isolda
El 1 de Junio de 1865 se estrenó su ópera “Tristán e Isolda” (Jessye Norman & último concierto de Karajan), mientras comenzaba su autobiografía "Mi vida" (Mein Leben). Esta ópera se describe a veces como marca el inicio de la música contemporánea. Wagner en una carta a Franz Liszt (16 de diciembre de 1854) escribió: “Nunca en mi vida había disfrutado de la verdadera felicidad del amor erigiré un monumento a este el más encantador de todos los sueños en el que, desde el principio hasta el final, el amor, por una vez, encontrará una total realización. He diseñado en mi mente un Tristán e Isolda, la más simple, y aún así la concepción musical más llena de sangre que pueda imaginarse, y con la "bandera negra" que se agita en el final yo me cubriré - para morir”. A finales del año 1854, Wagner había esbozado los tres actos de la ópera sobre el tema de Tristán, basándose en la narración de la historia por Godofredo de Estrasburgo.
Se trasladó a Suiza y, tras la muerte de su esposa Minna en Dresde (1866), se instaló con Cosima en la hermosa villa de Triebschen a orillas del lago de Ginebra, con sus cuatro hijas. Richard pudo trabajar en sus óperas sin preocuparse de sus gastos y en 1867 terminaba “Los maestros cantores de Nuremberg” (Die Meistersinger von Nürnberg); una obra concebida en teoría como ópera cómica, pero que en realidad es una aproximación a las costumbres de la época de los Cantores Gremiales (Meistersingers) alemanes.
"El Anillo" es un trabajo de extraordinaria escala que Wagner tardó más de un cuarto de siglo en escribir. Como tetralogía, está modelada como los antiguos dramas griegos, que eran presentados como una trilogía de tres tragedias y una sátira. Como tal, "El Anillo” propiamente dicho consiste en un prólogo: “El oro del Rhin”(1869 y tres jornadas, “La Walkiria” (1870) (The Vienna Philharmonic), “Sigfrido” (1871) y “El ocaso de los dioses” (1874) cuyo poema fue leído por Wagner en Dresde, Zurich y París con notable éxito. Los amigos mostraban su admiración ante la epopeya del héroe germano, si bien ponían ciertos reparos de la viablidad de su representación escénica y el desarrollo del argumento.
Tras largos años de convivir con Wagner, Cósima se divorcia de Hans von Bülow y se casa con Richard (1870); para su cumpleaños él le compuso “El idilio de Sigfrido” “Siegfried Idyll”, (Piano transcripción por Glenn Gould). Por ésta época viajó Wagner sucesivamente a Alemania para preparar el camino de su Festspielhaus en Bayreuth y para la fundación de la Sociedad Wagner.
Festspielhaus de Bayreuth
El día de su quincuagésimo noveno cumpleaños puso la primera piedra del Teatro de Bayreuth, y al año siguiente realizó una gira de conciertos por Alemania para recoger fondos, y finalmente y gracias a la generosa ayuda de Luis II se pudo terminar. Ese mismo año (1874) construyó su casa Wahnfried de Bayreuth, a la que se trasladó. En ella terminó “El ocaso de los dioses”, dando fin a la Tetralogía de “El Anillo”, que fue estrenada formando tres ciclos completos en Bayreuth (1876). Las pérdidas económicas fueron cuantiosas; pero era el espectáculo que todos querían ver. Después del festival, Wagner se trasladó con su familia a Londres donde dirigió una serie de conciertos para captar fondos que cubriesen las pérdidas de Bayreuth. Poco después se le presentaron sus primeros problemas de corazón, por lo que se trasladó a Bad Ems (1877) para una cura de salud.
En 1882 Wagner terminó su última ópera, “Parsifal”, en Palermo (The Weiner Philharmoniker, & Georg Solti), drama basado en las leyendas del Santo Grial; tomó como modelo el Parzival de Wolfram von Echenbach (1160-1220 aprox.) quien, a su vez, había sacado el argumento de antiguas leyendas bretonas. Wagner sufrió un primer ataque al corazón en Berlín (1881) y el segundo en Bayreuth, donde ya repuesto estrenó el 26 de julio de 1882 Parsifal, dando 16 funciones en las que el tercer acto de cada una de ellas fue dirigida por el propio compositor. Pensando que podría favorecerle un cambio de clima, Wagner alquiló el Palazzo Vendramin en el Gran Canal de Venecia. Allí falleció repentinamente el 13 de febrero del año siguiente a los 69 años. Cinco días después su cuerpo fue enterrado en el mausoleo de su villa de Bayreuth donde después se enterró también a su esposa.
La fama de Wagner se basa tanto en sus creaciones musicales (que representan la máxima expresión del romanticismo en la música europea) como en sus ideas revolucionarias sobre la teoría y la práctica de la composición operística. En su tratamiento de la armonía Wagner llevó el sistema tradicional de tonalidades hasta sus límites, rompiendo las convenciones que imperaban en las relaciones de tonos y acordes y que, tras el exacerbado cromatismo de obras como el Tristán, inevitablemente conducirían a la atonalidad del siglo XX. En el siglo anterior la ópera era una sucesión de números independientes: arias, recitativos, dúos, interludios y finales. Para Wagner en el drama musical un principio fundamental era la subordinación de todas las artes, incluida la música, a las necesidades dramáticas de la historia (al menos en teoría, ya que en la práctica Wagner, como cualquier compositor, tendía a dar prioridad a la música).
"Separar la música de Wagner de su poema – si tal cosa pudiera imaginarse – sería su destrucción completa… Ni soñando había yo creído posible que la música pudiera adaptarse y subordinarse a una fábula en tan justa medida, sin que por ello se aniquilara a sí misma. La música parece sencillamente proyectar luz y sombras en la obra, adornar, explicar y añadir claridad a las escenas y a los sentimientos"
(Robert Franz)
• “Les deux Grenadiers” (1840, basada en H. Heine)
• “Les Adieux de Marie Stuart” (1840 Bérenger) (Lone Koppel, Danish soprano & Jørgen Ellegård Frederiksen, piano)
• “Das Liebesmahl der Apostel” (1843, R. W.) (Ambrosian Male Voice Chorus Symphonica of London & dir. Wyn Morris)
• “Gedichte für eine Frauenstimme” (1857-58, M. Wesendonk, Schott, 1862); para coro de hombres y orquesta
• “Wesendonck Lieder “(Canciones de Mathilde Wesendonck)
1.- “Der Engel” (El Angel) (Jessye Norman & BBC Symphony Orchestra, dir. Pierre Boulez)
2.- “Stehe still” (Detente!) (Jessye Norman)
3.- “Im Treibhaus” - Studie zu Tristan und Isolde (En el invernadero) (Birgit Nilsson, soprano & London Symphony Orchestra/ Sir Colin Davis)
4.- “Schmerzen”(Penas) (Eileen Farrell & dir. Leopold Stokowski)
5.- “Träume” - Studie zu Tristan und Isolde (Sueños) (Marilyn Horne, mezzo-soprano & The Royal Philharmanic Orchestra, dir. Henry Lewis).
3. Música teatral
(Todos los libretos son de Richard Wagner):
• El oro del Rhin (El anillo del nibelungo-1869) (Sir Georg Solti, dir. & Orchester der Bayreuther Festspiel)
• La Valquiria (El anillo del nibelungo -1870)
BSO en el cine con música de Wagner: “Un chien andalou” (1929) Si originalmente Un chien andalou fue una pieza muda, en 1960, el propio Luis Buñuel supervisó la sonorización de su ilustre película, considerada pieza clave del surrealismo, agregándole varios tangos que mezcla con un corte de Tristán e Isolda. Puede que se trate de un cortometraje, pero su importancia y la influencia en cineastas de todo el mundo, hacen totalmente justificable que inaugure esta selección. “Les cousins” (1959) Sin duda en una cultura como la francesa, en la que proliferaran movimientos como el naturalismo poético y el realismo negro, parece natural que hiciera mella el romanticismo trágico de Tristán e Isolda. Por eso podemos encontrar fragmentos de la pieza de Wagner en películas francesas de diversa índole, entre ellas destaco el uso que hace Claude Chabrol en Les cousins, en la que en una fiesta snob en la que se escucha música clásica, se interrumpe la velada para ofrecer una espontánea representación de la pieza de Wagner.
“Black Moon” (1975) Si el magnífico cortometraje de Buñuel, Un chien andalou, fuera de producción francesa, iniciando esa relación de la obra de Wagner con la producción cinematográfica gala, lo cierto es que pareciera que también está vinculada en muchas ocasiones con el surrealismo pues Louis Malle, volvía a escoger esta misma pieza para uno de los muchos inquietantes momentos de su película de 1975, Black Moon. "Apocalypse Now" (1979) Las valquirias, aquellas deidades femeninas que elegían a los guerreros que habían de luchar junto al mismísimo Odín en la batalla del fin del mundo, han querido hacer una breve visita a Los Callejones y nos han traído del brazo su famosa “Cabalgata” de la ópera de Richard Wagner “Die Walküre“, que popularizó aún más, si cabe, Francis Ford Coppola en su película Apocalypse Now, en 1979.
“Excalibur” (1981) Si en el origen de Tristán e Isolda podemos remitirnos a las leyendas arterias, no es de extrañar que John Boorman escogiera un fragmento de la ópera del drama romántico de Wagner, precisamente para enfatizar el momento en que se encuentran Lancelot y Guenevere, casada con su amigo del alma, el rey Arturo. Drama y romanticismo trágico en una fabulosa película fantástica. “Excalibur” (Symphonie-Orchester Des Bayerischen Rundfunks, Bernard Haitink, Siegfried Jerusalem, Eva Marton & John Tomlinson)
“El dorado” (1988) En 1988 el cineasta español Carlos Saura también escogió un fragmento de Tristán e Isolda para ilustrar la épica y descabellada aventura de Lope de Aguirre, que acaba atrapado en su mundo interior tras ser seducido por la salvaje belleza de su propia hija. Aunque el tono de la película sea menos fantástico que el de la película de John Boorman, lo cierto es que en ambas películas confluyen la superstición, el romanticismo y la fatalidad de la pieza de Wagner. “Reversal of Fortune” (1990) Como si fuera una alusión al estreno de la ópera de Wagner, estrenada el 10 de junio de 1865, bajo la dirección de Hans von Bülow, el cineasta estadounidense Barbet Schroeder, incluyó un fragmento de la ópera en esta película que estrenaba en 1990. Por su interpretación en la película, Jeremy Irons consiguió su Oscar al mejor actor, con un personaje de turbia personalidad que respondía al nombre de Claus von Bülow.
“Shadow of the Vampire” (2000) En el año 2000, E- Elias Merhige nos sorprendía con esta inquietante película en la que el mito de la película que dirigiera Friedrich Wilhelm Murnau en 1922, y leyenda del rodaje de Nosferatu, difuminaban la frontera entre realidad y fantasía para transmitirnos lo que debió ser uno de los rodajes más delirantes de la historia del cine. Fiel al espíritu romántico, no debe extrañarnos que el cineasta alemán utilizara fragmentos de Tristan e Isolda para amenizar y, sobre todo, exaltar el espíritu del actor que daba vida al vampiro. “Melancholia” El ejemplo más reciente, y uno de las más espectaculares, ha sido el maravilloso uso que Lars Von Trier ha hecho de Tristán e Isolda (Tristan und Isolde en su idioma original) en “Melancholia”
