Arnold Schoenberg

El 13 de septiembre de 1874 nació en Viena, el compositor, teórico musical y pintor austriaco Arnold Schönberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.

Nació en el seno de una familia judía y fue autodidacta en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky. En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schoenberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. En 1903 Schoenberg regresó a Viena para dar clases. Allí conoció a dos compositores que se convirtieron en sus mejores amigos y sus alumnos más aventajados: Anton Webern y Alban Berg.
En sus composiciones utilizaba complejas armonías, que posteriormente le llevaron a la atonalidad. Por esta causa, los estrenos de sus primeros dos cuartetos de cuerda en 1897, no fueron bien recibidos, y se sintió perseguido por un público que no entendía su música.

Alexander Zemlinsky

Durante estos años Schoenberg también pintaba y junto con varios artistas exhibió sus cuadros en el círculo del pintor ruso Wassily Kandinsky. En 1911 aceptó una plaza de profesor en Berlín y en 1915 volvió a Viena. La I Guerra Mundial, junto con su búsqueda de un método que proporcionara lógica y unidad a la música atonal, no le permitió componer muchas obras entre 1914 y 1923. En 1923 la muerte de su mujer supuso un duro golpe para él, pero en 1924 conoció a Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, con quien más tarde contrajo matrimonio. La oferta en 1925 de un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín le proporcionó por último una posición prestigiosa, una seguridad económica y una vida familiar estable.

Schoenberg, su esposa Gertrud y la hija de ambos, recién llegados a Nueva York el 31 de octubre de 1933

En 1932  nació su hija Nuria Dorothea, y en 1933 Schoenberg y su familia huyeron de la Alemania nazi a París. Emigraron a Estados Unidos y el músico aceptó una plaza de profesor en Boston.

En la Universidad de California

Al año siguiente, a causa de su salud, se trasladaron a Los Ángeles, donde nacieron sus dos hijos más pequeños. Después de un año como lector en la University of Southern California (1935), trabajó como profesor en la University of California, Los Ángeles, desde 1936 hasta 1944. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Retirado, continuó impartiendo lecciones y componiendo. Como curiosidad comentar que Schoenberg sufría de triscaidecafobia, es decir, de temor al número 13. Paradójicamante nació un trece y murió en Los Angeles un viernes, 13 julio de 1951 a los 76 años.

El estilo musical de Schoenberg evolucionó desde el romanticismo tardío del siglo XIX al horizonte musical europeo a comienzos del siglo XX, con su dodecafonismo. La innovación no se restringe al mundo llamado de vanguardia. Todo gran músico fue siempre innovador. Así, "música quiere decir música nueva". Por lo que Schoenberg continúa manifestando:

"No existe nunca obra de arte portentosa que no lleve un nuevo mensaje a la humanidad; ningún gran artista deja de cumplir esto. Es el código de honor de todos los grandes en el arte, y, como consecuencia, en todas las grandes obras de los grandes encontraremos esa novedad imperecedera".

Sus primeras composiciones tonales tienen reminiscencias de la música del compositor alemán Johannes Brahms, aunque pronto asimiló el cromatismo del compositor alemán Richard Wagner. En algunas composiciones, como en “Verklärte Nacht” (Noche transfigurada), Schoenberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas armonías y largas melodías románticas que se elevan soportadas por una densa textura contrapuntística de motivos cortos y constantes.

Estos rasgos, que se inician en 1907, se hacen más acusados en sus composiciones expresionistas, donde abandona la tonalidad y condensa la forma. El ejemplo principal de este periodo es “Pierrot Lunaire”; en este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el “Sprechstimme” (en alemán, 'voz hablada') o el “Sprechgesang” (canción hablada), una mezcla de discurso y canción.

Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada "serialismo" puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, “Moses und Aron”. Aunque Schoenberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su “Concierto para piano Opus 42” (1942) (Mitsuko Uchida, piano. Rotterdams Philharmonisch Orkest & dir. Jeffrey Tate) de un solo movimiento.

Dirigiendo la Sinfónica de L.A en 1937

Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la “Suite en estilo antiguo” (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las “Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43” (1943), volvió a emplear el sistema tonal.
El “Método de composición con doce sonidos”, estudiado por Schoenberg nació independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene poco en común con el método de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por sus discípulos con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky.

Alban Berg y Schoenberg

Para Schoenberg la modernidad radicaliza la persecución de la novedad. Un valor que suele empantanarse en la esterilidad de un atrayente, pero vacío, ejercicio formal. Lo esencial no es la búsqueda de la novedad por sí misma, sino la continuidad de una pulsión tensa, problemática y creadora. Este ideal de una incómoda inseguridad creadora fue transmitida por Schoenberg a sus discípulos: Anton Webern y Alban Berg.
Su influencia se vertió también sobre Kandinsky, con quien un Schoenberg que se inició en la pintura, realizó una de las exposiciones pioneras del expresionismo. Y también recibió su influjo el notable pensador y músico Theodor Adorno, esencial referente de la Escuela de Frankfurt.

Schönberg fue íntimo amigo del arquitecto vienés Adolf Loos, al que había conocido en el salón de Eugenie Schwarzwald. Loos se dedicó de por vida a la representación de las composiciones de Schönberg, algunas de las cuales subvencionaba en secreto, entre las que se encontraba, probablemente, el famoso “Concierto del escándalo de 1913” (Concierto de la bofetada). Adolf Loos fue de mucha influencia en la posición de Schönberg frente a preguntas sobre moral y verdad artística. La demanda de Schönberg, “la música no debe adornar, sino ser verdadera”, puede situarse en relación directa con la estética de Loos, que decía "La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual”.

Su obra

Óperas
• “Erwartung” (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga (Deutsches Theater; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer])
• “Die glückliche Hand” (La Mano Afortunada) op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry)
• “Von Heute auf Morgen” (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973])

• “Moses und Aron” (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud)

Música vocal
• “Zwei Gesänge” (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl von Levetzow (1871-1945)
• “Vier Lieder” (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899)
• “Brettl-Lieder” (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano
• “Sechs Lieder” (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903)
• “Deinem Blick mich zu bequemen” (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe
• “Acht Lieder” (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano
• “Sechs Orchesterlieder” (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)

• “Drei kanonische Chöre” (Tres coros canónicos) para 4 voces (1905). Textos: Johann Wolfgang von Goethe (Habl)
• “Friede auf Erden” (Paz en la Tierra) op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer
• “Zwei Lieder” op. 14 (1907-1908) para voz y piano “Gurre Lieder” (1900-1911). Cantata para solista, coro y orquesta. Textos: Jens Peter Jacobsen (de En cactus springer ud), en alemán por Robert Franz Arnold. Estreno: 23 de febrero de 1913 en Viena (Sociedad musical, Gran salón; Anna Bahr-Mildenburg [Paloma silvestre], Marya Freund [Tove], Franz Nachod [Waldemar]; Coro Filarmónico. Director: Franz Schreker). Textos
• “Pierrot Lunaire” op. 21 (1912 para voz y orquesta de cámara (Piano, flauta [también Piccolo], clarinete [también clarinete bajo], violín [también viola] y violoncelo). Textos: Dreimal sieben Gedichte por Albert Giraud (1860-1929), en alemán por Otto Erich Hartleben.
• “Kol Nidre” (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta. Estreno 4 de octubre de 1938 en Los Angeles (en la víspera del Yom Kipur; Director: Arnold Schönberg)
• “Herzgewächse”, op. 20 (1911) para soprano, celesta, armonio y arpa.
• “Three Songs for Low Voice and Piano”, Opus 48

Música orquestal
• “Sinfonía de cámara nº 1 Op. 9”, para 15 instrumentistas (1906)
• “Sinfonía da camera n.2 op.38" (1906, 1916, 1939)
• “Cinco piezas para orquesta” (1909)
• “Variaciones para orquesta op. 31” (1926-28)
• “Conciertos para violín” (1936) y “piano” (1942)

Música de cámara
• Cuartetos "String Quartet No. 4" Op. 37, Mvt. 1: Allegro molto, energico;
• Quinteto de viento“The Wind Quintet Op. 26”,
• Trío de cuerdas y el sexteto de cuerdas “Verklärte Nacht” (La noche transfigurada, 1899)

Música de piano
• Tres piezas para piano, Op. 11 (1909) (Pollini)
• Seis pequeñas piezas para piano, op 19 (1911)
• Cinco piezas para piano, op. 23 (1921-1923)
• Suite, Op. 25 (1921-1923)  (Glenn Gould)
• Piezas para piano, op. 33a y 33b (1931) (Glenn Gould)
• Concierto para piano Opus 42 (1/4) (piano, Mitsuko Uchida, Rotterdams Philharmonisch Orkest - dir Jeffrey Tate)