Roy Brown

El 10 de septiembre de 1925 nació en Nueva Orleans el músico y cantante de blues Roy James Brown, que ayudó a construir el puente sobre la brecha que aún separaba el blues del rock and roll. Tras un breve intento de convertirse en boxeador profesional, Brown se decide por la música y en 1947 graba 'Good rockin' tonight', que más tarde (1954) versionaría Elvis en la famosas sesiones de Sun Records.

Entre 1948 y 1951 Roy Brown tuvo más de una decena de hits, entre ellos, 'Hard luck blues''Love don't love nobody', 'Rockin' at midnight' o 'Cadillac baby'. Pero los cincuenta fueron un calvario para el bluesman, que había sido uno de los poquísimos artistas negros en embarcarse en un proceso legal contra su compañía discográfica reclamando royalties. A consecuencia de ello fue puesto en la lista negra y sus canciones dejaron de radiarse, lo que produjo un bajón considerable en las ventas.

Pasó los sesenta sobreviviendo gracias a la venta de los derechos de 'Good rocking tonight' y ejerciendo de vendedor ambulante de enciclopedias. A principio de los setenta y gracias a la publicación de una recopilación de sus grandes éxitos se reavivó el interés por su música y consiguió varias actuaciones que le permitieron recuperar el éxito de antaño hasta su muerte de un infarto a los 55 años en mayo de 1981.

Henry Purcell

El 10 de septiembre de 1659 (sin datos exactos), está establecida la fecha que señala el nacimiento- por la edad que aparece registrada en su tumba en la abadía de Westminster- del músico y compositor inglés del Barroco, Henry Purcell, probablemente en Westminster, un barrio de Londres, en el seno de una familia de músicos.

Su padre, también llamado Henry, había tomado parte como cantante y actor en la representación de la primera ópera inglesa y más tarde fue maestro de la abadía de Westminster. Su tío Thomas fue músico de la corte del rey Carlos II y su hermano menor, Daniel, fue también músico. Entró como cantante en la Capilla Real a la edad de 10 años y cuando su voz cambió pasó a trabajar con el conservador de los instrumentos reales. En 1677 ocupó el cargo de compositor de los violines del rey, y tres años después sucedió a John Blow en el puesto de organista de la Abadía de Westminster. En 1682 fue nombrado organista de la Capilla Real y en 1683 compositor ordinario del King's Musick, cargo de gran importancia bajo el reinado de Carlos II. Más tarde fue clavicembalista con el rey Jacobo II.

Abadía de Westminster

Fue también profesor de música de miembros de la aristocracia, compuso odas y anthems ceremoniales para eventos reales, así como obras para el ámbito teatral, religioso y doméstico. Purcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: “Orpheus Britannicus I” (1698) y “II” (1702). Fue enterrado en la Abadía de Westminster, debajo del órgano que tanto tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada».

Entre las primera obras de Purcell se encuentran las Fantasías para viola (1680), “Fantasía VII” (Hesperion XX, Jordi Savall), que representan el final florido de la música isabelina. Muestran asimismo el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista, características también patentes en los anthems de este periodo como “Remember not” (Timothy Brown, Baroque Brass Of London & The Choir of Clare College, Cambridge), “Lord”, “Our offences” (1682) y en su primera serie de salmos funerarios (c. 1683).

En 1685 compuso música ceremonial, como el anthem de la coronación “My Heart is Inditing”, al tiempo que iniciaba su producción de música instrumental de cámara como las “12 sonatas a tres partes” (1683) Sonata Nº.1 in sol menor Z. 790 Vivace - Adagio - Presto - Largo  (London Baroque) y las “10 sonatas a cuatro partes” (1697), donde también se aprecia la influencia de la música italiana como las sonatas de Arcangelo Corelli. Aparte de la música para teatro, Purcell también compuso 80 canciones y duetos. Para crear tensión y un cierto sentido de inevitabilidad empleaba la chacona, forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva y que alcanza su máxima expresión en el lamento "When I am laid in earth" de su ópera “Dido y Eneas” (Londres, 1690) “Obertura” (The English Concert & Trevor Pinnock). Tal vez las obras más famosas de Purcell sean las de teatro, al que comenzó a dedicar mayor atención a medida que la música religiosa iba decayendo.

Su única ópera es "Dido y Eneas", obra maestra estrenada en 1689. Purcell compuso otras obras dramáticas, denominadas a veces semióperas, que son piezas de música instrumental y vocal escritas para acompañar obras de teatro. La prematura muerte de Purcell tuvo un profundo efecto sobre la música inglesa. Si hubiera vivido más tiempo podría, por ejemplo, haber escrito una serie de óperas que habrían establecido una tradición inglesa de este género. Así, en cambio, fue la ópera italiana la que dominó el Londres del siglo XVIII en la época de Händel.

Puede decirse lo mismo de la música coral, ya que obras como "Soul of the World" de la “Ode on St Cecilia's Day” (1692) (Gabrieli Consort & Gabrieli Players) demuestran que Purcell estaba a la altura de Händel como autor de música solemne y grandiosa. Sin embargo, el redescubrimiento de la música de Purcell ha sido decisiva en el resurgir de la música inglesa del siglo XX, de forma que la influencia que a su muerte se desvaneció con rapidez, se ha impuesto más de 200 años después. Su viuda, en el año 1696 -un año después de su muerte- publicó “A Choice Collection of Lessons” ( una escogida colección de lecciones) para clave, donde se incluían ocho suites que recordaban a Froberger y, por su sutilidad armónica, a Louis Couperin. Las compuso para clave aunque muchos dicen que si hubiera conocido el piano las hubiera compuesto para dicho instrumento. Pudieron ser escritas como un libro para los estudiantes, aunque no están clasificadas para un grado en concreto.

Su Obra

El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 composiciones.

Su obra recibió la influencia de tres estilos:
-La música inglesa. El padre y el tío de Purcell eran músicos ingleses. No tuvieron contacto con otros estilos.
-La música francesa. Los maestros de Purcell estudiaron en Francia y tuvieron claras influencias de este estilo.
-La música italiana. Desde 1680 hubo un gran auge de la música italiana en Inglaterra y Purcell estuvo ampliamente expuesto a ella.

• Música instrumental
Esta música tiene dos claros estilos en Purcell: el tradicional y el italiano (este último muy dominante en sus sonatas). Destacan sus ocho suites, unas veinticinco marchas y piezas para clavicémbalo y sonatas para violín. Las Fantasías para cuerda siguen las pautas de la música inglesa para viola. Su estilo se parece al del madrigal polifónico, donde cada instrumento recibe la misma importancia. Muestran además el dominio del joven compositor en la utilización de las técnicas contrapuntísticas de la polifonía antigua, así como la profundidad emocional y el control expresivo de la disonancia, típicas del estilo renacentista.

La famosa “Chacona en sol menor” (Il Giardino Armonico) está construida sobre los cimientos de un tema recurrente de ocho compases en el bajo (ostinato) creando una arrolladora inercia de combinaciones melódicas y armónicas a lo largo de dieciocho variaciones.

Luego siguen las “12 Sonatas a tres partes” (1683) (Musica Amphiom), que fueron compuestas en un estilo totalmente diferente; Purcell dice en su prólogo que se “esforzó por imitar fielmente a los más famosos maestros italianos”. Las 8 sonatas, son las tempranas versiones de lo que posteriormente se conocería cómo las “10 sonatas a cuatro partes” (The London Baroque). Estas sonatas no se publicaron hasta 1697, dos años después de la muerte del compositor.

En ellas se observa un mayor control de la forma que en las primeras versiones. Las armonías son a menudo asombrosas, con las disonancias típicas de la forma barroca, y el estilo muestra, en general, que son mucho más originales que las obras de Corelli, incluso las del último período, aunque no poseen este encanto italiano que provocó el éxito del de Rávena, “Sonata nº IX en Fa mayor”, llamada “sonata de oro” (The ensemble Voices of Music).
La “Suite en sol mayor” están formada por cuatro danzas. Preludio: es la introducción de la suite. Precede a las danzas. Tiene un estilo italiano ya que Purcell poseía influencias italianas. Alemanda: Es la primera danza, si consideramos al preludio como una introducción, es lenta y grandiosa. Courante: Es la segunda danza viva y ágil compuesta en compás ternario (3/4). Minuet: Es la última danza de la suite. (The London Baroque).

• Música religiosa

Con clara influencia italiana, la obra eclesiástica de Purcell se divide en tres géneros:
- El “Full Anthem” (composiciones sobre texto sagrado para conjunto vocal): “Hear My Prayer, o Lord”, (The Choir of Clare College & dir. Timothy Brown) compuestos antes de 1683, se trata de motetes tradicionales, complejos y laboriosos.
- El “Verse Anthem”: "My Beloved Spake" (1677) (Gabrieli Consort & dir. Paul McMreesh), escritos en sus últimos años bajo el estilo francés.
- 'Secciones corales' de carácter grandilocuente: 'Funeral March' (Queen Mary funeral) (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge).

• Música profana
Purcell compuso varias odas reales con motivo de algún acontecimiento importante de la nobleza o del rey (algún cumpleaños o retorno). Su habilidad en este género creció prodigiosamente desde 1680. Cabe citar sus dos odas, la oda para el día de santa Cecilia  “Hail! Bright Caecilia - Soul of the World” (1692) (Taverner Consort and Players), y la “Oda para el cumpleaños de la reina Mary” (1694) (Equale Brass Ensemble, John Eliot Gardiner & Monteverdi Orchestra). Además compuso “anthems profanos” como "Mi corazón me está dictando" y canciones: "Música para un rato" (1692) (soprano: Varda Kotler), "Ninfas y pastores" o "Himno nocturno" y “Remember not” (Matthew Curtis, tenor y director)

Los “verse anthems” probablemente deben algo en su forma a las odas reales: “Lord, how long wilt Thou be angry?” (Timothy Brown & The Choir of Clare College, Cambridge). En ellas el texto versificado, era muchas veces de escasa calidad literaria, pero su mayor extensión, comparada con el anthem, permitía que la parte solista adquiriera una importancia primordial. Las odas comienzan con una obertura al estilo francés y tienen solos para voces seguidos de secciones corales que prolongan los solos. Incluso cuando utiliza formas italianizantes o versos pastoriles, no suele haber sentimentalismo en Purcell, sino más bien una actitud irónica.

• Música escénica
La música de Purcell enriquece de tal manera las emociones de los protagonistas, que en el plano del drama humano la ópera en ningún momento deja de ser muy emocionante. Purcell tiene un atractivo catálogo de música incidental para el teatro. Se trata de danzas y "act tunes" (melodías para actuar), “Distressed Innocence”, “Abdelazer” (Joy Roberts (soprano) & The Academy of Ancient Music & dir. Christopher Hogwood), “The Married Beau” y canciones, que a veces son simples melodías y otras se presentan en forma de dúos con diálogos. Otras obras escénicas son 'semióperas': La profetisa, o La historia de Diocleciano ('Dioclesian', 1690), El rey Arturo ("King Arthur", 1691) (Freiburger Barockorchester), La reina de las hadas ('The Fairy Queen', 1692) aria “O let me weep” (Philippe Jaroussky, countertenor, Ensemble Artaserse) ó La reina india "The Indian Queen" empezada en 1695, Carolyn Sampson, soprano & Freiburger Barockorchester)

Su única ópera propiamente dicha, “Dido y Eneas” (1689) con libreto de Nahum Tate, está basada en una historia de amor extraída del libro IV de la Eneida de Virgilio, sobre la legendaria reina de Cartago, Dido y el refugiado troyano Eneas. Cuando Eneas y su tropa naufragan en Cartago, él y la reina se enamoran. Pero, por envidia a Dido, las brujas se confabulan y le hacen creer al héroe que debe partir y que su destino es refundar Troya. Dido, se lamenta ya que no puede vivir sin su amor, sin embargo, cuando Eneas decide quedarse, ella lo rechaza, y se deja morir. Se trata de un drama de amor y confabulación. Está desarrollado en tres actos, 'Dido and Eneas' (Ricercar Consort & Collegium Vocale Gent, dir. Philippe Pierlot).

Dido, la mítica reina de Cartago, se suicida al saber de la partida de Eneas.

Los dramaturgos del siglo XVI preferían pintar a la protagonista con una gran fortaleza, dejándose guiar por la razón y venciendo tentaciones. Sin embargo, los dramaturgos del siglo XVII y XVIII resultan menos interesados por ese espíritu tan moralizante y desarrollan más esa dualidad razón-pasión, donde elige el libre albedrío. Purcell, por tanto, prefiere la dramatización de la caída de la mujer ante la pasión, decisión que además atrajo a su obra un público bastante más numeroso.
Después del éxito de su ópera Dido y Eneas, Purcell compuso "La reina de las hadas" (Les Concert des Nations & dir. Jordi Savall) en 1692, una adaptación de la comedia de William Shakespeare "Sueño de una noche de verano" obra de casi 100 años antes, por lo que los libretistas reformaron considerablemente el texto original para darle un aire "moderno".

“El Lamento de Dido” (Dido's Lament) es el nombre de la famosa aria de la ópera Dido y Eneas a la que también se le llama "When I am laid in earth" (Cuando yazca en la tierra) (Dubravka Zubovic, mezzosoprano). El aria, hecha a forma de lamento “chacona” es una forma musical en la que la melodía y la armonía varían sin cesar sostenidas por una línea de bajo repetitiva, cantada por una soprano o mezzosoprano. Aparte del acompañamiento instrumental la pieza es un solo, esto aumenta el drama emocional de la escena.
El héroe troyano Eneas deja la ciudad de Cartago a pesar del amor compartido con la reina Dido. Ella, sabiendo que no puede vivir sin Eneas, decide suicidarse inmolándose en una hoguera. Irónicamente, el camino que toma el barco de Eneas es iluminado por el fuego. En la que es posiblemente la más famosa escena en la opera, Dido dice sus últimas palabras a su leal doncella, Belinda, antes de morir.”

Thy hand, Belinda, darkness shades me,
On thy bosom let me rest,
More I would, but Death invades me;
Death is now a welcome guest.

Tu mano, Belinda; la oscuridad me envuelve.
En tu seno déjame descansar.
Más quisiera, pero la muerte me invade;
La muerte es ahora una bienvenida visita.

When I am laid, am laid in earth, May my wrongs create
No trouble, no trouble in thy breast;
Remember me, but ah! forget my fate,
Remember me, remember me, but ah! forget my fate.

Cuando yazga, yazga en la tierra, que mis errores
no causen cuitas a tu pecho;
Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino;
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.

Bandas sonoras y adaptaciones:
- Adaptación del “Funeral Of Queen Mary” para la película “La naranja mecánica” de Stanley Kubrick dirigida en 1971.
- Uno de los elementos mas singulares de la película “El pájaro de felicidad” (1993) de Pilar Miró es, sin duda, su banda sonora. En un momento culminante del guión, justo cuando Carmen (Mercedes Sampietro) se queda por fin sola, con la única compañía de su nieto y de su perro, comienza a sonar una de las arias más hermosas de la ópera barroca y de la historia de la música: el “Lamento de Dido” de “Dido and Aeneas” (Soprano Jessye Norman, dir. Jane Glover & The Orchestra of St. Lukes)

- A la hora de componer la banda sonora la película, 'El Contrato del Dibujante' (The Draughtsman's Contract, 1982) en la que Greenaway debutaba como director, la sabia fusión del estilo minimalista de Nyman (en el que un mismo motivo melódico se repite de manera hipnótica una y otra vez, sin apenas variaciones en el mismo) con el estilo barroco de la música de Henry Purcell, cuyas obras sirvieron de inspiración al autor a la hora de componer. La Michael Nyman Band, interpretó el que quizás sea el tema de Nyman más popular, el titulado “Chasing Sheep is Best Left to Shepherds”. El título es un viejo refrán inglés que, traducido, vendría a significar algo así como 'es mejor dejar a los pastores perseguir a la oveja', y equivaldría al dicho castellano 'zapatero, a tus zapatos'. O lo que es igual, es mejor dejar que los profesionales se encarguen de su trabajo antes que hacer una chapuza uno mismo.

- En “Vanity Fair” (2004) dirigida por Mira Nair la actriz Natasha Little hace el papel de Becky Sharp y ella misma canta el aria" When I am laid in Earth” del “Lamento de Dido” de la ópera Didos y Enea.

- En la película 'Orgullo y Prejuicio' (Pride & Prejudice), 2005 La música totalmente instrumental de Marianelli conserva el tono clásico necesario para el film de época utilizando entre otras melodías una canción de danza clásica, como la central del baile entre los dos protagonistas, punto álgido del film, que se trata de una versión de 'Abdelazar', cuyo título homenajea también al autor original: 'A postcard to Henry Purcell'

LP 'Imagine'

El 9 de septiembre se 1971 se publicó en Estados Unidos (en el Reino Unido salió a la venta el 8 de octubre), 'Imagine', el segundo álbum en solitario de John Lennon y su trabajo más popular. Alcanzó el nº1 en las listas de álbumes de numerosos países, siendo el tercer Beatle, tras McCartney y Harrison, en lograrlo.

Tras la ruptura de los Beatles, John Lennon dio en principio más que hablar por sus diversas 'actividades' que por su obra musical post-cuarteto. Sus álbumes experimentales grabados en 1969 con Yoko Ono, 'Unfinished Music No 1: Two Virgins' con su controvertida portada de la pareja desnuda y los posteriores trabajos 'Unfinished Music No 2: Life with the Lions' y 'The Wedding Album', no dejaron de ser lo que eran: extravagantes experimentos que no tuvieron la menor repercusión comercial. Sin embargo, John y Yoko ocupaban las portadas de los medios gracias a su encierro de 8 días en un hotel canadiense solicitando la paz mundial.

John Lennon en Toronto (1969)

Por fin, con el single 'Give peace a chance' y su concierto en Toronto, se volvió a poner las pilas creativas y publicó su verdadero primer álbum en solitario en 1970: 'John Lennon / Plastic Ono Band', muy bien recibido por crítica y público.
Para su continuación, Lennon optó por dar un tratamiento más comercial a los arreglos. Yoko recuerda: "El primer álbum fue básicamente una guitarra un bajo y una batería, con algún detalle de piano. Con 'Imagine', John decidió añadir arreglos de cuerda con el fin de que sonara más pop". Lennon calificaria en 1972 el álbum "de clase obrera con azúcar añadido para el gusto de los conservadores".

Aunque las pistas básicas se grabaron en su estudio casero situado en su mansión de Tittenhurst Park, muchos de los instrumentos fueron regrabados en los estudios Record Plant de Nueva York, donde se añadieron las cuerdas y el saxo de King Curtis. Phil Spector repitió como co-productor y Lennon contó con la ayuda de su viejo colega de la etapa de Hamburgo Klaus Voorman al bajo, Nicky Hopkins al piano, Jim Keltner a la batería y George Harrison a la guitarra solista, que hizo un hueco en su agenda antes de organizar los conciertos de Bangla-Desh.

El tema que dio título al álbum está considerada hoy día una de las canciones más universales de la historia. Rolling Stone la coloca como tercera en su lista de 'las mejores 500 canciones de todos los tiempos'. En su día, aunque fue Top5 en Estados Unidos y nº1 en Canada y Australia, no recibió la veneración que recibe en el presente. Fue tras la muerte de Lennon cuando se convirtió en un himno universal de la paz. Yoko manifestaba años más tarde: "John se sentía verdaderamente eufórico con esa canción en concreto. Sentía que era importante que la gente conociera su mensaje y la escribió con una estructura musical fácil, casi infantil, para que llegara a todo el mundo."

Lennon escribió la letra en el dorso de una factura de hotel durante un viaje en avión. Cuando llegó a casa, compuso la música. En una entrevista con David Sheff para Playboy, comentó: "El concepto es una plegaria que desprende un mensaje positivo. Si eres capaz de imaginar un mundo en paz, sin fronteras, sin denominaciones de religiones (y no me refiero a 'sin religión' sino una que no lleve esa rancia coletilla de 'mi-dios-es-más-grande-que-el-tuyo'), entonces sería posible. 

Un tipo de una iglesia de Estados Unidos me llamó una vez y me dijo '¿Podemos usar la letra de tu canción, cambiando una de las frases a 'imagina una sola religión?'. Eso me demostró que no lo habían entendido en absoluto." En otra entrevista, Lennon explicaba el gancho comercial de la canción: "Es un tema anti-religioso, anti-nacionalista, anti-convencionalismos y anti-capitalista... pero como está amilbarado y envuelto en celofán, se acepta. Ahora sé lo que hay que hacer: Echarle un poco de miel a tus mensajes políticos".

Otra de las canciones más conocidas del álbum fue 'Jealous guy', originalmente compuesta con el título de 'Child of nature' en la India en 1968 y a la que John cambió la letra. Dos de los temas del álbum, 'How?' y 'Oh my love' fueron inspiradas por sus experiencias con la terapia primal que siguió en Nueva York. Mientras la primera enumera las preguntas que se hacía mientras estuvo bajo terapia, la segunda fue escrita para comunicar la alegría y la madurez que el músico experimentó tras el tratamiento.

Pero además de estos temas con mensajes positivos, Lennon incluyó canciones con mordaces y cáusticos mensajes como 'Give me some truth', uno de los temas que le traerían problemas con la administración Nixon, 'Crippled inside' y 'How do you sleep', su 'recado' lleno de ira dirigido a su ex-socio Paul.

Las canciones para 'Imagine' fueron escritas en un periodo en el que las relaciones entre John y Paul se habían deteriorado hasta un extremo límite. La ruptura de la banda y el triunfo de Paul en los tribunales para disolver su sociedad provocaron en Lennon un resentimiento que no tuvo el menor interés en ocultar, escribiendo frases como: "Aquellos pirados tenían razón cuando decían que habías muerto", "Lo único decente que hiciste fue 'yesterday', y ahora sólo eres 'Another day'" o "Una cara bonita puede durar un año o dos, pero pronto verán lo que eres capaz de hacer".

Para colmo, en las primeras ediciones del álbum, se incluía una fotografía tamaño postal en la que se veía a John agarrando las orejas a un cerdo en clara alusión al álbum 'Ram' de McCartney, en cuya portada aparecía Paul sujetando un carnero por los cuernos. Yoko Ono le quitaba hierro a todo el asunto: "Estaba todo hecho en clave de humor, pero la gente se lo tomó muy en serio. Tanto John como Paul apreciaban el humor negro y cuando estaban juntos no paraban de lanzarse puyas, pero ambos sabían que no llevaban mala intención."

 1- 'Imagine'

 2- 'Crippled inside'

 3- 'Jealous guy'

 4- 'It's so hard'

 5- 'I don't want to be a soldier, mama, I don't want to die'   

 6- 'Gimme some truth'

 7- 'Oh my love' (Lennon−Ono)'

 8- 'How do you sleep?'

 9- 'How?'

10- 'Oh Yoko!'

Klaus Voorman, Lennon y Nicky Hopkins, durante las sesiones

John Lennon – voz, guitarras acústicas y eléctricas, piano, armonica (10), silbido (3)

George Harrison – guitarra eléctrica (6, 7), guitarra slide (5, 6, 8), dobro (2)

Klaus Voormann – bajo y contrabajo

Nicky Hopkins – piano (todas excepto 1, 4 y 7), piano eléctrico (7)

Alan White – batería (1, 6, 7, 8, 9, 10), Tibetan cymbals (7), vibráfono (3)

Jim Keltner – batería (2, 3, 5)

Jim Gordon – batería (4)

John Barham – armonio (3), vibráfono (9)

King Curtis – saxo (4, 5)

Joey Molland – guitarra acústica (5)

Tom Evans – guitarra acústica (5)

John Tout – guitarra acústica (2)

Ted Turner – guitarra acústica (2)

Rod Linton – guitarra acústica (2, 6, 10)

Andy Davis – guitarra acústica (6, 10)

The New York Philharmonic (The Flux Fiddlers) – orquesta de cuerdas

Phil Spector – coros (10)

Michael Pinder – pandereta (5)

Steve Brendell – contrabajo (2), maracas (5)

Producción: John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector

Otis Redding

El 9 de septiembre de 1941 nació en Dawson (Georgia) Otis Redding, llamado con todo merecimiento el 'Rey del soul', gracias a su habilidad de inyectar poderío e intensa emoción en cada canción que cantaba. Redding comenzó participando en el coro de la iglesia y conforme se hizo mayor cayó bajo la influencia de otro cantante local de la época: Little Richard.

Los primeros años de su carrera profesional los pasó haciendo giras por los estados del sur como road manager, conductor y cantante ocasional del grupo del guitarrista Johnny Jenkins. En 1962 Otis se encontraba con Jenkins grabando en un estudio de grabación y como les sobró tiempo, Otis aprovechó para registrar la canción 'These arms of mine'. Se publicó en un sello filial de STAX Records y se vendieron 800.000 copias. Redding, estimulado por ello, continuó grabando hits como 'I can't turn you loose', 'Satisfaction', 'A change is gonna come', 'Mr pitiful' y, por supuesto 'Respect', que más tarde se convertiría en el tema estrella de Aretha Franklin.

Redding compuso muchas de las canciones que cantaba, a veces con la ayuda del guitarrista Steve Cropper, integrante de Booker T. and the MG's. Al principio su música sólo se podía encontrar en las listas de R&B, apareciendo sus singles tímidamente en los últimos puestos de las listas pop. Sin embargo, era una figura respetada por muchos grupos blancos, entre ellos los Rolling Stones que versionaron 'That's how strong my love is' y 'Pain in my heart'. Otis les devolvería el favor con su versión de 'Satisfaction'. En 1966 publicó dos álbumes imprescindibles 'The Dictionary of Soul' y 'Otis Blue'.

Uno de sus mayores éxitos fue un álbum de duetos con su compañera de sello discográfico Carla Thomas, 'King & Queen', en 1967, del que se extrajo el single 'Tramp'. Ese año, Otis comenzó a dar muestras de que calaba cada vez más entre el público blanco, sobre todo tras su aclamada aparición en el Monterey Pop Festival. La poderosa presencia escénica y el carisma que desprendía Otis le convirtió en uno de los artistas más apreciados de la época por sus actuaciones en directo.

Desgraciadamente su vida tuvo un final trágico justo cuando estaba empezando a saborear las mieles de la popularidad y el éxito. En diciembre de 1967, la pequeña avioneta que le trasladaba a él y a su grupo de acompañamiento, los Bar-Kays, se estrelló en un lago de Wisconsin. Otis y cuatro de sus músicos fallecieron en el acto. Otis tenía 26 años. Su canción 'Sittin' on the dock of the bay' se publicó justo tras su muerte y llegó directamente al nº1.

Elvin Jones

El 9 de septiembre de 1927 nació en Pontiac (Michigan), el baterista de jazz Elvin Jones. Ya con dos años observaba entusiasmado el paso de las bandas de circo que pasaban por la ciudad, fijándose particularmente en los tamborileros. Siguiendo su pasión infantil, Elvin formó parte de la banda de la escuela, donde aprendió los fundamentos del redoble.

Hermano menor del pianista Hank y el trompetista Thad Jones, entre 1946 y 1949 sirvió en el ejército y cuando regresó a casa lo primero que hizo fue pedirle prestados 35 dólares a su hermana para comprarse su primera batería. Comenzó como autodidacta y pronto fue contratado como baterista residente en el club Bluebird Inn de Detroit. Allí permaneció hasta 1952 y entró en contacto con numerosos músicos. Su primera actuación fuera del ámbito regional fue en el Festival de Newport de 1955, acompañando a Charles Mingus. Al año siguiente se trasladó a Nueva York y se unió a los músicos de sesión de la ciudad, tocando junto a Bud Powell (1956), Pepper Adams / Donald Byrd (1959) y Harry Edison (1959-60).

John Coltrane y Elvin Jones

En abril de 1960 se une a John Coltrane y forma con él su clásico cuarteto. El estilo de Elvin se adaptó perfectamente a los experimentos modales y libres de estructuras de Coltrane, participando en trabajos como 'My favorite Things' (1960), 'Africa/Brass' (1961), 'Impressions' (1963), 'A Love Supreme' (1965) y 'Ascension' (1965). Al mismo tiempo, Jones grabó con formaciones propias álbumes como 'Elvin!' (1961).

Herido en su orgullo cuando Coltrane sugirió la entrada en la banda de Rashied Ali, un segundo batería, y en desacuerdo con la línea musical 'polirítmica' que pretendía Coltrane, Jones dejó el grupo en 1966 y a continuación siguió trabajando como baterista de sesión. Protagonizó con Art Blakey y Max Roach varias 'batallas' de baterías, realizó giras con Duke Ellington y grabó junto a Tony Scott, Joe Farrell o Frank Foster ('Heavy Sounds', 1968), pero con ninguno de ellos logró recuperar la popularidad de su época con Coltrane. A pesar de ello continuó activo, dio clases y participó en numerosos conciertos benéficos en escuelas y prisiones.

A comienzos de los años noventa disfrutó de un retorno de éxito acompañado de su Jazz Machine con unos magníficos álbumes publicados por el sello Enya: 'The Elvin Jones Jazz Machine in Europe' (1991), 'Youngblood' (1992) y 'It don't mean a thing' (1993), en los que presentó a nuevos músicos con talento como Ravi Coltrane, Nicolas Payton, Joshua Redman y David Sanchez.
Elvin Jones murió de insuficiencia cardíaca en mayo de 2004 a los 76 años.

Brian Cole

El 8 de septiembre de 1942 nació en Tacoma (Washington) el músico Brian Cole, miembro fundador y bajista del grupo de sunshine pop The Association.

The Association (1967)

El grupo se formó en Los Angeles en 1965 y consistía en un sexteto de músicos de diferentes procedencias del país cuyo gran paso adelante fue en 1966 con dos éxitos destacables, 'Along comes Mary' y 'Cherish' -su primer nº1-, ambos contenidos en el álbum 'And then...Along Comes the Association', producido por Curt Boettcher, responsable del primer sonido de la banda y de lo que dio en llamarse 'sunshine pop'.

Brian Cole en Monterey

1967 fue un año importante para The Association, ya que fueron los primeros en actuar, inaugurando el legendario Monterey Pop Festival en el que se dieron a conocer The Who, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Otis Redding. Aquello fue el pistoletazo de salida del famoso 'verano del amor'. Poco después, ese mismo año apareció 'Windy', que también alcanzó el nº1.
Tras varios cambios en la formación y en la silla de productor, publican 'Never my love' (acreditada como la segunda canción más radiada en EEUU durante el siglo pasado). A continuación rechazaron grabar una ambiciosa obra escrita por Jim Webb que incluía la canción 'McArthur Park' y, en 1968, graban su cuarto álbum 'Birthday', con temas como 'Everything that touches you' y 'Time for livin'.

The Association (1969)

De nuevo se producen salidas y entradas en el grupo y como septeto graban la música para la banda sonora de 'Goodbye Columbus', basada en el bestseller de Philip Roth. Sus siguientes trabajos no tuvieron buena acogida en las listas y aunque volvieron a intentarlo con producción de Boettcher en 'Just About the Same' (publicada anteriormente con Millenium, el grupo de Boettcher), no volvieron a aparecer en las listas de ventas. No obstante, The Association continuó siendo una banda muy apreciada para los shows en directo. En 1972 el grupo se había expandido a nueve miembros para realizar una gira, pero el 2 de agosto de ese año, Brian Cole fue encontrado en su domicilio de Los Angeles muerto por sobredosis de heroína. Tenía 29 años. Actualmente, The Association sigue actuando en el circuito nostálgico de 'oldies', realizando una media de 70 actuaciones al año.