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El 13 de septiembre de 1874 nació en Viena, el compositor, teórico musical y pintor austriaco Arnold Schönberg, reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.
Nació en el seno de una familia judía y fue autodidacta en la composición musical. Tuvo como profesor de contrapunto al compositor austriaco Alexander Zemlinsky. En 1901 se casó con la hermana de Zemlinsky, Matilde, con la que tuvo dos hijos. La pareja se trasladó a Berlín, donde durante dos años se mantuvieron con el trabajo de Schoenberg como orquestador de operetas y director de una orquesta de cabaret. En 1903 Schoenberg regresó a Viena para dar clases. Allí conoció a dos compositores que se convirtieron en sus mejores amigos y sus alumnos más aventajados: Anton Webern y Alban Berg.
En sus composiciones utilizaba complejas armonías, que posteriormente le llevaron a la atonalidad. Por esta causa, los estrenos de sus primeros dos cuartetos de cuerda en 1897, no fueron bien recibidos, y se sintió perseguido por un público que no entendía su música.
Alexander Zemlinsky
Durante estos años Schoenberg también pintaba y junto con varios artistas exhibió sus cuadros en el círculo del pintor ruso Wassily Kandinsky. En 1911 aceptó una plaza de profesor en Berlín y en 1915 volvió a Viena. La I Guerra Mundial, junto con su búsqueda de un método que proporcionara lógica y unidad a la música atonal, no le permitió componer muchas obras entre 1914 y 1923. En 1923 la muerte de su mujer supuso un duro golpe para él, pero en 1924 conoció a Gertrud Kolisch, hermana de un violinista austriaco, con quien más tarde contrajo matrimonio. La oferta en 1925 de un puesto de profesor de composición en la Academia de Artes de Berlín le proporcionó por último una posición prestigiosa, una seguridad económica y una vida familiar estable.
Schoenberg, su esposa Gertrud y la hija de ambos, recién llegados a Nueva York el 31 de octubre de 1933
En 1932 nació su hija Nuria Dorothea, y en 1933 Schoenberg y su familia huyeron de la Alemania nazi a París. Emigraron a Estados Unidos y el músico aceptó una plaza de profesor en Boston.
En la Universidad de California
Al año siguiente, a causa de su salud, se trasladaron a Los Ángeles, donde nacieron sus dos hijos más pequeños. Después de un año como lector en la University of Southern California (1935), trabajó como profesor en la University of California, Los Ángeles, desde 1936 hasta 1944. En 1941 adoptó la nacionalidad estadounidense. En 1946 cayó gravemente enfermo. Retirado, continuó impartiendo lecciones y componiendo. Como curiosidad comentar que Schoenberg sufría de triscaidecafobia, es decir, de temor al número 13. Paradójicamante nació un trece y murió en Los Angeles un viernes, 13 julio de 1951 a los 76 años.
El estilo musical de Schoenberg evolucionó desde el romanticismo tardío del siglo XIX al horizonte musical europeo a comienzos del siglo XX, con su dodecafonismo. La innovación no se restringe al mundo llamado de vanguardia. Todo gran músico fue siempre innovador. Así, "música quiere decir música nueva". Por lo que Schoenberg continúa manifestando:
"No existe nunca obra de arte portentosa que no lleve un nuevo mensaje a la humanidad; ningún gran artista deja de cumplir esto. Es el código de honor de todos los grandes en el arte, y, como consecuencia, en todas las grandes obras de los grandes encontraremos esa novedad imperecedera".
Sus primeras composiciones tonales tienen reminiscencias de la música del compositor alemán Johannes Brahms, aunque pronto asimiló el cromatismo del compositor alemán Richard Wagner. En algunas composiciones, como en “Verklärte Nacht” (Noche transfigurada), Schoenberg consiguió una gran intensidad en la expresión de sentimientos a través de ricas armonías y largas melodías románticas que se elevan soportadas por una densa textura contrapuntística de motivos cortos y constantes.
Estos rasgos, que se inician en 1907, se hacen más acusados en sus composiciones expresionistas, donde abandona la tonalidad y condensa la forma. El ejemplo principal de este periodo es “Pierrot Lunaire”; en este conjunto de versos patéticos la orquesta de cámara acompañante utiliza una combinación de instrumentos distinta para cada una de las 21 canciones del ciclo y el solista vocal utiliza el “Sprechstimme” (en alemán, 'voz hablada') o el “Sprechgesang” (canción hablada), una mezcla de discurso y canción.
Hacia 1920 empezó a formular su técnica dodecafónica (a menudo denominada "serialismo" puesto que está basada en series de tonos) en un intento de hallar un sustituto a formas musicales como la sonata, base de la música tonal. Estas formas funcionaban correctamente sólo en la música tonal porque estaban basadas en la oposición y resolución de diferentes tonos. Sin embargo, todos sus estilos están condensados en su mayor logro, “Moses und Aron”. Aunque Schoenberg a veces regresaba a la composición tonal, en la mayor parte de sus composiciones de las décadas de 1930 y 1940 intentó sintetizar la técnica dodecafónica con los principios formales que había empleado durante su periodo expresionista. Esta síntesis se aprecia en su “Concierto para piano Opus 42” (1942) (Mitsuko Uchida, piano. Rotterdams Philharmonisch Orkest & dir. Jeffrey Tate) de un solo movimiento.
Dirigiendo la Sinfónica de L.A en 1937
Schönberg empleó el método dodecafónico en sus obras principales hasta el final de su vida. En obras esporádicas, como la “Suite en estilo antiguo” (en Sol mayor para orquesta de cuerdas, 1934), o en las “Variaciones para orquesta de viento en Sol menor op. 43” (1943), volvió a emplear el sistema tonal.
El “Método de composición con doce sonidos”, estudiado por Schoenberg nació independientemente del desarrollado por el compositor Josef Matthias Hauer, quien desarrollara también una técnica de composición dodecafónica que tiene poco en común con el método de Schönberg. Con este nuevo sistema Schönberg creyó ser capaz de plantear una estructura interna teórica para cada obra. Concebido inicialmente como una solución personal para un conflicto personal, el método dodecafónico fue aplicado por sus discípulos con entusiasmo, a pesar de que Schönberg nunca lo había enseñado en sus clases teóricas. Sus discípulos directos lo explotaron a través del análisis de sus obras. Fue sólo con la publicación de los libros de texto de otro compositor (Krenek) a partir de 1940, y gracias a la vehemente recomendación de Theodor W. Adorno, que el método fue adoptado rápidamente por muchos compositores, entre los que se encontraba Igor Stravinsky.
Alban Berg y Schoenberg
Para Schoenberg la modernidad radicaliza la persecución de la novedad. Un valor que suele empantanarse en la esterilidad de un atrayente, pero vacío, ejercicio formal. Lo esencial no es la búsqueda de la novedad por sí misma, sino la continuidad de una pulsión tensa, problemática y creadora. Este ideal de una incómoda inseguridad creadora fue transmitida por Schoenberg a sus discípulos: Anton Webern y Alban Berg.
Su influencia se vertió también sobre Kandinsky, con quien un Schoenberg que se inició en la pintura, realizó una de las exposiciones pioneras del expresionismo. Y también recibió su influjo el notable pensador y músico Theodor Adorno, esencial referente de la Escuela de Frankfurt.
Schönberg fue íntimo amigo del arquitecto vienés Adolf Loos, al que había conocido en el salón de Eugenie Schwarzwald. Loos se dedicó de por vida a la representación de las composiciones de Schönberg, algunas de las cuales subvencionaba en secreto, entre las que se encontraba, probablemente, el famoso “Concierto del escándalo de 1913” (Concierto de la bofetada). Adolf Loos fue de mucha influencia en la posición de Schönberg frente a preguntas sobre moral y verdad artística. La demanda de Schönberg, “la música no debe adornar, sino ser verdadera”, puede situarse en relación directa con la estética de Loos, que decía "La ausencia de ornamentos es signo de fuerza espiritual”.
Su obra
Óperas
• “Erwartung” (Expectación) op. 17 (1909). Monodrama en un acto. Libreto: Marie Pappenheim. Estreno 6 de junio de 1924 en Praga (Deutsches Theater; Director: Alexander von Zemlinsky; con Marie Gutheil-Schoder [1874-1935] [La Mujer])
• “Die glückliche Hand” (La Mano Afortunada) op. 18 (1910-1913). Drama con música. Libreto: Arnold Schönberg. Estreno 14 de octubre de 1924 (Ópera Popular de Viena, Director: Fritz Stiedry)
• “Von Heute auf Morgen” (De hoy a mañana) op. 32 (1928-1929). Ópera en un acto. Libreto: Max Blonda (= Gertrud Schönberg). Estreno 1º de febrero de 1930 en Fráncfort (Ópera; Director: William Steinberg; Director escénico: Herbert Graf [1903-1973])
• “Moses und Aron” (Moisés y Aarón) Ópera en 3 actos (Fragmento; 1926-1932). Libreto: Arnold Schönberg. Estreno (en concierto) 12 de marzo de 1954 (salón Musikhalle Hamburg; radio Nordwestdeutscher Rundfunk; Director: Hans Rosbaud), (escénico) 6 de junio de 1957 en Zurich (Teatro municipal; Director: Hans Rosbaud)
Música vocal
• “Zwei Gesänge” (Dos Cantos) op. 1 para un barítono y piano (1898). Texto: Karl von Levetzow (1871-1945)
• “Vier Lieder” (Cuatro canciones) op. 2 para una voz y piano (1899)
• “Brettl-Lieder” (Canciones Brettl) (1901) para canto y piano
• “Sechs Lieder” (Seis canciones) op. 3 para una voz media y piano (1899-1903)
• “Deinem Blick mich zu bequemen” (1903). Canción para una voz y piano. Texto: Johann Wolfgang von Goethe
• “Acht Lieder” (Ocho Canciones) op. 6 (1903-1905) para una voz y piano
• “Sechs Orchesterlieder” (Ocho canciones con orquesta) op. 8 (1903-1905)
• “Drei kanonische Chöre” (Tres coros canónicos) para 4 voces (1905). Textos: Johann Wolfgang von Goethe (Habl)
• “Friede auf Erden” (Paz en la Tierra) op. 13 para coro mixto a capella (1907). Texto: Conrad Ferdinand Meyer
• “Zwei Lieder” op. 14 (1907-1908) para voz y piano “Gurre Lieder” (1900-1911). Cantata para solista, coro y orquesta. Textos: Jens Peter Jacobsen (de En cactus springer ud), en alemán por Robert Franz Arnold. Estreno: 23 de febrero de 1913 en Viena (Sociedad musical, Gran salón; Anna Bahr-Mildenburg [Paloma silvestre], Marya Freund [Tove], Franz Nachod [Waldemar]; Coro Filarmónico. Director: Franz Schreker). Textos
• “Pierrot Lunaire” op. 21 (1912 para voz y orquesta de cámara (Piano, flauta [también Piccolo], clarinete [también clarinete bajo], violín [también viola] y violoncelo). Textos: Dreimal sieben Gedichte por Albert Giraud (1860-1929), en alemán por Otto Erich Hartleben.
• “Kol Nidre” (Sol menor) op. 39 (1938) para orador (rabino), coro mixto y orquesta. Estreno 4 de octubre de 1938 en Los Angeles (en la víspera del Yom Kipur; Director: Arnold Schönberg)
• “Herzgewächse”, op. 20 (1911) para soprano, celesta, armonio y arpa.
• “Three Songs for Low Voice and Piano”, Opus 48
El 13 de septiembre de 1583 nació en Ferrara (Italia) el músico italiano Girolamo Frescobaldi, uno de los más importantes compositores de música para órgano y clavicémbalo de principios del periodo barroco. Un niño prodigio, fue considerado 'un gigante entre los organistas'. En una época de predominio absoluto de la música vocal, la aportación de Frescobaldi contribuyó decisivamente a la creación y consolidación de un repertorio instrumental independiente.
Discípulo de Luzzasco Luzzaschi, Frescobaldi gozó en vida de una merecida reputación como compositor y como organista. Como instrumentista ocupó distintos puestos a lo largo de su vida, entre los que cabe destacar los de organista de Santa Maria en Trastevere y de San Pedro de Roma, cargo este último que ocupó hasta su muerte. Después de haber publicado una primera colección de madrigales en 1608, Frescobaldi se inclinó decididamente por el cultivo de la música instrumental, terreno en el que iba a conseguir sus mayores logros y que le proporcionaría renombre internacional. Murió en marzo de 1643 a los 59 años.
Escribió un gran número de obras para órgano y clavicémbalo, incluyendo tocatas, caprichos, fantasías, canciones, “recercare” (nombre genérico para cualquier pieza con contrapunto), danzas y variaciones.
- Entre ellas se encuentran: "Ricercari e canzone francese" (1615) (Gustav Leonhardt); "Canzona La Capriola" (Suzanne Deserres, Natalie Michaud, Geneviève Soly &Alain Trudel). "Se laura spira" ( L´Arpeggiata )
Se l'aura spira tutta vezzosa,
la fresca rosa ridente sta,
la siepe ombrosa di bei smeraldi
d'estivi caldi timor non ha.
A balli, a balli, liete venite,
ninfe gradite, fior di beltà.
Or, che sì chiaro il vago fonte
dall'alto monte al mar sen' va.
Suoi dolci versi spiega l'augello,
e l'arboscello fiorito sta.
Un volto bello al l'ombra accanto
sol si dia vanto d'haver pieta.
Al canto, al canto, ninfe ridenti,
Scacciate i venti di crudelta.
- Dos libros de 'Toccate' (1615 y 1616): “Tocata Nº 3” (Sylvia Kind), "Tocata Nº 4" (Scott Stonebreaker Ross), “Tocata Nona” (Knut Johannessen & Niklas Eklund), entre las que figura la “Cento Partite” Parte 1, Parte 2 (Ernst Stolz ) una de sus obras más virtuosas y experimentales.
Su música instrumental es menos conocida, “Aria con Variazione Detta la Frescobalda” (Juliam Bream, guitarra), pese a la importancia del “Primer volumen de canciones para tocar con cualquier instrumento”, publicado en 1628. Frescobaldi fue uno de los inventores de la concepción moderna del tempo y su música tuvo una gran influencia en compositores posteriores, como Johann Jakob Froberger y Johann Sebastian Bach
El 13 de Septiembre de 1819 nació en Leipzig, Alemania, la pianista más importante del siglo XIX, Clara Josephine Wieck. (Clara Schumann) considerada por el público europeo tan buena como Franz Liszt o Sigismund Thalberg.
Clara con 15 años
Clara fue hija de Marianne y Friedrich Wieck. Su padre estudió teología en la Universidad de Wittenberg y se estableció en Leipzig alrededor de 1814. Allí enseñó piano y estableció un negocio de venta y préstamo de música y pianos y de reparación del instrumento. Rápidamente adquirió una reputación de experto profesor de piano. La madre de Clara, Marianne Wieck, era hija y nieta de músicos: su padre había sido cantor y su abuelo, un reconocido flautista, compositor y fabricante de flautas. Marianne estudió piano con Friedrich Wieck y se casaron en 1816. Una dotada música, apareció como solista en piano y como soprano en la Gewandhaus de Leipzig. Además ayudó a su esposo en su negocio, enseñó piano, y dió a luz cinco hijos en los ocho años que estuvo casada con Wieck. La pareja se separó en 1824 y un divorcio fue otorgado a los pocos meses. Ya que tanto Clara como sus hermanos legalmente eran considerados propiedad de su padre, continuaron bajo su custodia. Su madre se casó con Adolph Bargiel, un músico con el que había estudiado y se trasladaron a Berlín; el contacto con su hija se mantuvo a través de la correspondencia y ocasionales visitas.
Friedrich Wieck
Aunque la educación general de Clara fue escasa, su formación musical fue superior: estudió piano con Wieck, religión y lenguajes (bajo su supervisión), además de violín, teoría, armonía, orquestación, contrapunto, fuga y composición con los mejores profesores de Leipzig, Dresden y Berlín; asistió a cada concierto, ópera y drama importante presentado en Leipzig; y copió las cartas de Wieck en su diario, así aprendió como manejar los asuntos económicos de una carrera musical. Hasta los 19 años, Wieck dirigió su educación y su carrera, acompañándola en sus giras en Alemania, Austria y París. En su diario de vida anotó el repertorio y conciertos y la vida musical de los años 1830.
Clara Wieck se presentó en el Gewandhaus en Leipzig cuando tenía nueve
años, debutó como solista allí a los 11, se presentó en París cuando
tenía 12 y cautivó al público de Viena cuando tenía 18 años. Fue
nombrada Virtuoso de Cámara de al Corte Austriaca y miembro honorario de
la Gesellschaft de los Amigos de la Música. La joven prodigio conoció,
tocó y fue admirada por los músicos y celebridades más importantes de
aquellos días incluyendo a Goethe, Paganini, Louis Spohr, y jóvenes
músicos como Chopin, Liszt y Mendelssohn.
Aunque su padre fue muy duro y déspota, hasta cruel en algunas ocasiones, su rol como mentor de Clara y agente no puede minimizarse y ella lo reconocía frecuentemente. En una carta de 1894, escribió: “Mi padre tuvo que aguantar que lo llamaran tirano; sin embargo, yo todavía le agradezco por ello cada día; le agradezco por la frescura que todavía permanece en mi vejez (al menos en mi arte). También fue una bendición para mí que fuera tan estricto, que me reprendiera cuando lo merecía, ya que al hacerlo, evitó que me convirtiera en una arrogante debido a las alabanzas que el mundo me entregaba. ‘A veces, el reproche fue amargo, pero aún fue bueno para mí! “
Friedrich Wieck, Robert y Clara
Después de una legendaria batalla legal con su padre, quien rehusaba consentir su matrimonio, Clara Wieck y Robert Schumann, a quien conocía desde su niñez, se casaron en 1840. En aquel tiempo, él era un músico relativamente desconocido mientras ella era una pianista de reputación internacional. Los Schumann se mudaron primero a Leipzig y luego a Dresden y Düsseldorf. Entre 1841 y 1854 tuvieron ocho hijos: Marie, Elise, Julie, Emil, Ludwig, Ferdinand, Eugenie, Felix, sin embargo, Clara continúo tocando, componiendo y enseñando. Su esposo, sufría una enfermedad mental que había sido motivo de preocupación por muchos años. Intentó suicidarse en 1854 y fue hospitalizado en Endenich, donde murió en julio de 1856. Estando prohibidas por sus doctores las visitas durantes los dos años y medio que estuvo en el sanatorio, Clara pudo verlo durante los últimos días de su vida.
Robert y Clara Schumann en 1847
Después de la muerte de su esposo, Clara reanudó sus giras de concierto, ya no como una jovencita glamorosa sino como una solemne maestra del arte. Vestida de negro, sin sonreír y en presentaciones serias, con 37 años, se dedico a mantener la memoria y música de su esposo.
El matrimonio de Robert y Clara fue una rara asociación: los dos músicos estudiaban las partituras juntos, leían poesía para posibles presentaciones; ella arreglaba varias de sus obras instrumentales para piano y actuaba en los ensayos en los grupos que él dirigía. A través de las giras de concierto en Austria, Bélgica, Dinamarca, Francia, Alemania, Suiza, Rusia, Inglaterra, las obras de Robert Schumann se dieron a conocer en el mundo musical. Sin excepción, Clara estrenó cada obra que él escribió para o con piano; y casi todas sus obras orquestales fueron presentadas en conciertos en los cuales ella actuó como solista.
En 1878 Clara Schumann se convirtió en la principal profesora de piano en el Conservatorio Hoch en Frankfurt, sin embargo, no abandonó su carrera como intérprete. Su presencia atraía estudiantes de todo el mundo y especialmente de Inglaterra, donde era una intérprete inmensamente popular. Clara realizó su última presentación pública como pianista en 1891, pero continuó enseñando hasta su muerte en 1896.
La vida de Clara Schumann es una de triunfo musical y tragedia personal. El divorcio de sus padres y la posterior perdida de su madre en su temprana niñez, la amarga lucha con su padre por su matrimonio, la enfermedad mental y muerte de su esposo, la enfermedad mental de uno de sus hijos, que fue internado en una hospital mental por más de 40 años, y la pérdida de cuatro hijos antes de ella, todas dejaron una marca en su carácter y personalidad. Mantuvo a sus hijos y nietos trabajando incesantemente, actuando como agente y empresario de sus propios conciertos.
Joseph Joachim y Clara Schumann
Pauline Viardot, Jenny Lind, Félix Mendelssohn y especialmente Joseph Joachim y Johannes Brahms se encuentran entre sus socios musicales. Los Schumann conocieron a Brahms poco después de la hospitalización de Robert y se convirtieron en amigos de por vida. Ella le ayudo a avanzar en su carrera al tocar sus obras cuando era un joven y desconocido y él, en agradecimiento, le ayudó con sus decisiones familiares, carrera, composición y edición.
Clara Schumann fue considerada al par de grandes pianistas como Liszt, Thalberg y Anton Rubinstein y fue señalada como la Reina del Piano de Europa. Tuvo una brillante carrera por más de 60 años, y su ejecución fue caracterizada por una técnica magistral, bello tono y espíritu poético. Debido a su reputación y largos años sobre el escenario, tuvo una gran influencia en la vida concertística y pianística del siglo XIX. Durante su juventud, fue uno de los pocos pianistas en ejecutar música de memoria, y, con Liszt, una de los primeros pianistas en dar conciertos sola sin acompañamiento de otros artistas. Siguiendo su ejemplo, los conciertos se volvieron más cortos y menos obras eran presentadas para lograr mayor atención a piezas individuales. En sus manos, el recital para piano se convirtió en un evento en el cual la atención del público estaba enfocado en el compositor más que en el virtuosismo del ejecutante.
En una época donde los grandes virtuosos pianistas daban conciertos completos con sus propias obras, Clara presento piezas de Bach, Scarlatti, Beethoven y Schubert a una audiencia acostumbrada a variaciones embellecidas sobre melodías populares u operísticas. Clara Schumann fue una de las primeras pianistas en Europa en presentar la música de Chopin y frecuentemente incluía la de Mendelssohn. Ya que Robert Schumann era el único compositor de música para piano entre sus contemporáneos que no se presentaba en público, ella tomo esta tarea por él, comenzando a los 12 años cuando dió la primera presentación de sus “Papillons”.
El respeto y admiración de los críticos y el público era casi uniforme como se indica en una reseña publicada en Londres cerca del final de su carrera: “Creemos estar en lo correcto al decir que ningún pianista antes ha logrado retener en forma tan poderosa la atención del público por tan largo tiempo... el carácter, intelecto y entrenamiento de la Señora Schumann, la salvó de convertirse en una simple música: aunque durante años se ha reconocido como una exponente de la música de Schumann, también uno escucha sus maravillosas interpretaciones de Bach, Mozart y Beethoven. Por su modestia, la prudencia y el talento que ha alcanzado gradualmente un verdadero triunfo”.
La compositora-pianista fue un reconocido fenómeno a comienzos del siglo XIX. En su primer concierto como solista en la Gewandhaus de Leipzig, la joven Clara Wieck de 11 años tocó sus propias 'Variaciones sobre un Tema Original', así como obras de Herz, Kalkbrenner y Czerny. Durante todos sus años de juventud, sorprendió al público y a la crítica tanto por sus composiciones como por su ejecución instrumental. Casi todos los conciertos que dio durante la década de 1830 incluían una o más obras de su autoría y a menudo también improvisaciones, una habilidad que se esperaba de todo solista a comienzos del siglo XIX.
Gewandhaus en Leipzig
Comenzando con sus “Cuatro polonesas, Op.1” en 1831, casi todas sus obras fueron publicadas y recibieron una favorable crítica. En ellas utiliza atrevidas armonías, modulaciones innovadoras, libertad en los ritmos y géneros que escogió, sus composiciones reflejaban las nuevas tendencias de aquellos días y se asemejan a las obras de otros compositores jóvenes de la nueva escuela romántica, como Robert Schumann, Mendelssohn y Chopin.
Una de sus obras maestras de su periodo de juventud en su “Concierto para piano, Op.7” dedicado al compositor Louis Spohr, que comenzó a la edad de 13 años y fue estrenado tres años después en la Gewandhaus de Leipzig bajo la dirección de Mendelssohn. Es una obra dramática e innovadora, un registro de su propio virtuosismo y de su independiente pensamiento musical. Aunque Robert Schumann alentó la actividad compositiva de su esposa y contactó a editores para ella, su trabajo creativo tenía prioridad sobre el de ella, y durante muchos años su composición y práctica fueron relegadas a horas en que su marido no se vería perturbado.
Uno de los pianos de los Schumann
A pesar de sus obvias dotes, dejó de componer tras la muerte de Robert (aparte de una marcha compuesta por el aniversario de un amigo en 1879); las razones de ello han sido objeto de constante especulación. A lo largo de su vida, llevó diarios, en los que anotó todas las lecciones paternas, entre otras cosas, y más tarde, lo escribió conjuntamente con Robert. El día después de la boda Robert regaló a Clara un diario por su cumpleaños, el que escribieron conjuntamente durante unos siete años, obra de importante valor histórico para conocer tanto su relación como su obra. Clara y Robert Schumann compartieron muchas cosas de su vida y de su música, que era para ambos parte fundamental de su existencia. La pareja escribió un conjunto de canciones, que Robert publicó ocultándoselo a Clara para presentárselas en su primer aniversario de matrimonio. Así, de las “12 canciones del Op. 37” de Robert Schumann, tres son de Clara.
La carrera de Clara continuó en los más altos niveles profesionales hasta pocos años antes de su muerte. Realizó alrededor de cuarenta giras de conciertos por el continente europeo y en todos lados era recibida con los más altos honores. Fue una profesional en el sentido económico también: cobraba dignamente, igual que los otros virtuosos de la época, pues fue por mucho tiempo el único soporte de la familia. Su música fue el consuelo de Clara: Una carrera de 60 años, la enfermedad de Robert y sus intentos de suicidio, la muerte de cuatro de sus ocho hijos.
Hasta el final de sus días contó con el apoyo y la amistad de Johannes Brahms. La correspondencia entre ambos aporta también interesantes notas acerca de la vida musical de la época y de sus carreras. Brahms también se inspiró en ellas para alguna de sus composiciones. Brahms siempre se sintió fascinado por la personalidad de Clara (afectuosa y fiel), y estaba completamente convencido de su genialidad. En carta a un amigo, Brahms escribe: "He enseñado a Clara mi sinfonía: me ha sugerido algunos cambios que pienso respetar. Mi estima por ella es infinita"
En 1878, se celebraron los 50 años de la carrera de Clara con conciertos en el Gewandhaus de Leipzig, donde había empezado. El programa lo componían sólo obras de Robert Schumann. Sus problemas físicos se iban agravando: el reumatismo para el que fue tratada con opio, curas en balnearios, masajes...
En Marzo de 1896, Clara Schumann sufrió un ataque. Su amigo Johannes Brahms canceló sus vacaciones en Italia. En su lecho de muerte, su nieto Ferdinand interpretó para ella una obra de Schuman, la última música que escuchó. Murió el 20 de mayo de 1896 en Fránfort del Meno. Brahms se ocupó del funeral. El murió once meses después. Tras el fallecieminto de Clara, su reputación como pianista y maestro se mantuvieron, sin embargo sus composiciones fueron ignoradas, aunque el interés en su trabajo creativo revivió en la década de 1970 cuando las primeras grabaciones comenzaron a aparecer. Desde entonces, la discografía de su obra ha crecido a más de 100 grabaciones, ediciones de obras publicadas y no publicadas previamente han aparecido, y las emisiones y los conciertos de las composiciones de Clara Schumann, han aumentado.
Pourquoi en interroges-tu d'autres Qui ne pensent pas à t'être fidèles ? Ne crois rien, hormis ce que te disent Ces deux yeux-là ! Ne crois pas les gens, Ne crois pas ta propre imagination ; Tu ne dois pas plus interpréter mes actes, Regarde seulement ces yeux ! Ta bouche tait-elle tes questions, Ou son silence témoigne-t-il contre moi ? Quoi que puisse proférer ma bouche, Vois mes yeux... Je t'aime ! Quoi que puisse préférer ma bouche, Vois mes yeux... je t'aime !
El 12 de septiembre de 1931 nació en Saratoga (Texas) el cantante country George Jones, llamado a menudo el mejor intérprete de honky-tonk de todos los tiempos. Un artista cuya propia vida refleja la derrota y desesperación que desprenden las letras de sus canciones, Jones fue uno de los más populares cantantes de country de los años sesenta. Permaneció hasta su muerte como uno de los favoritos de Nashville, a pesar de sus numerosos conflictos con la drogas y la ley.
Nada más nacer ya tuvo que enfrentarse a su primera desgracia, ya que al médico que asistió a su madre en el parto se le cayó el bebé al suelo, partiéndose el pequeño Jones un brazo. George se crió en una serie de pequeños pueblos de Texas, hasta que su familia se estableció en Beaumont, donde su padre logró un trabajo en los astilleros. Su infancia no fue fácil y encontraba consuelo tocando la guitarra que había aprendido a tocar a los nueve años. Cuando su hermana murió de escarlatina, su padre se dio a la bebida y a menudo, cuando volvía de noche a casa, levantaba a los niños para que cantaran para él. Cuando cumplió los catorce, George se marchó de casa y comenzó a ganarse la vida acompañando con la guitarra a artistas que cantaban en la radio. Con 18 años ya se había casado -y divorciado al año siguiente- con su primera mujer, con la que tuvo su primera hija.
Entre 1950 y 1953 sirvió en el Ejército, entró en combate en Corea y, cuando se licenció, volvió a Texas. Allí trabajaba durante el día pintando casas y por las noches actuaba en los bares locales. En pocos meses George aparecía en los programas de radio imitando a sus cantantes favoritos como Hank Williams, Roy Acuff y Lefty Frizzell. Su reputación creció y al poco tiempo fue descubierto por H.W. 'Pappy' Daily, un productor del sello Starday, quien le animó a encontrar su propio sonido. En 1955 grabó sus primeros hits en las listas country: 'Why baby, why' y 'You gotta be my baby'.
En 1956, su mánager, visto lo poco que se vendía el country, convenció a George de que grabara temas de rockabilly, más en boga por aquel entonces. Así surgieron grabaciones como 'Rock it' y 'How come it', una etapa rockera de su carrera de la que Jones reniega. Ese mismo año logró cumplir un sueño de su niñez: fue invitado a unirse al Grand Ole Opry. En 1958 se cambió al sello Mercury donde grabó sus primeros clásicos de honky-tonk, 'White lightning' y 'The race is on', temas en las que ya se podía oir su emocional y quejumbroso estilo vocal que se convertiría en su marca registrada.
Entre 1958 y 1971, Jones colocó cada año una de sus canciones en el Top10 de las listas country. Sólo Merle Haggard puede competir con él en mayor número de hits en la historia del género.
Los sellos discográficos se disputaban sus servicios y Jones cambió de compañía en varias ocasiones, trabajando para United Artists, Musicor y, finalmente Epic. Durante la década de los años sesenta publicó una treintena de álbumes y no cesó de actuar y realizar giras por todo el país. Este ritmo trepidante le trajo algunos inconvenientes. A mediados de la década, el cantante comenzó a beber sin control y a mostrar comportamientos erráticos, cancelando shows o tocando sólo parte del concierto previsto, por lo que entre otros apodos como 'The Possum' (la comadreja o zorro) recibió con todo merecimiento el de 'No-show Jones'.
Tammy Wynette y George Jones
Sin embargo, su reputación volvió a mejorar cuando realizó giras junto a Tammy Wynette. Ambos artistas se encontraban en lo mejor de sus carreras y su dúo musical resultó ser un gran acierto. George y Tammy se casaron en 1968 y juntos grabaron éxitos como 'We're gonna hold on' (1973), 'Golden ring' (1976) y 'Near you' (1977). Durante un tiempo el matrimonio pareció calmar los demonios internos de Jones, pero pronto volvió a enganchar la botella y en 1975 la pareja se divorció, con consiguientes disputas legales que se prolongaron un tiempo. No obstante, años después, en 1995 se reconciliaron grabando un álbum juntos, 'One' (1995).
Tras su ruptura con Tammy, la carrera de Jones volvió a pasar por malos momentos. Se declaró en bancarrota cuando un buen número de promotores lo llevaron a los tribunales por incumplimiento de contrato y su abuso del alcohol le llevó a sufrir accidentes de coche y verse envuelto en peleas con amantes, en cierta ocasión con armas de fuego por medio. En 1983 había sufrido ya varios arrestos y hospitalizaciones por consumo de cocaína y las demandas de sus acreedores y sus ex-esposas no hacían más que crecer. Sin embargo, todos estos problemas parecían hacerle mucho más atractivo ante sus fans. Aunque su vida personal parecía sumida en un pozo sin fondo, George tomó una sabia decisión profesional.
Los últimos años, el cantante había permitido a sus productores añadir a sus canciones arreglos orquestales, lo que desvirtuaba la esencia country del tema, con el fin de hacerlo más atractico en el mercado pop. Decidió romper con esta práctica y volvió a sus raíces honky tonk, un paso que salvó su carrera. Resurgió con temas como 'He stopped loving her today', 'I'm not ready yet' (1980), 'Still doin' time' (1981), 'Yesterday's wine' (1982) con Merle Haggard, 'Shine on' y 'I always get lucky with you' (1983).
En los noventa, Jones, que había perdido la cuenta de sus grabaciones, continuó grabando álbumes: `High-Tech Redneck' (1993), 'The Bradley Barn Sessions' (1994), un album de duetos con artistas como Mark Knopfler, Ricky Skaggs, Keith Richards y Dolly Parton, 'It don't get any better than this' (1998) y 'The Cold Hard Truth' en 1999, que contenía el single ganador de un Grammy, 'Choices'. Ese mismo año, Jones sufrió un grave accidente de automóvil bajo los efectos del alcohol y tras recuperarse, decidió asistir a un programa de desintoxicación.
Con la ayuda de su cuarta mujer Nancy, George superó sus adicciones y dejó de beber. Desde comienzos del nuevo milenio se le llamaba 'el más grande artista vivo del country' y es uno de los artistas favoritos de Elvis Costello.
Murió a los 81 años en abril de 2013.
El 12 de septiembre de 1944 nació en Galveston (Texas) el músico norteamericano Barry White. El pequeño Barry llevaba mal camino como miembro de las pandillas adolescentes. Un día, mientras cumplía una condena de cinco meses en prisión por robo, el joven de diecisiete años escuchó a Elvis por la radio cantando 'It's now or never', descubriendo su afición y talento con la música, la cual se convirtió en su salvación.
Gracias a la insistencia de su madre cuando era niño, Barry sabía tocar el piano y tras dejar atrás su vida de pandillero, comenzó a escribir canciones para cantantes como Bobby Fuller. Escribió los arreglos del tema de Bob & Earl 'Harlem Shuffle' (1963), que sería un hit en el Reino Unido en 1969 y descubrió nuevos artistas como Viola Wills y Felice Taylor.
The Love Unlimited
A continuación produjo un trio al estilo Supremes, Love Unlimited compuesto por las hermanas Glodean -su futura esposa- y Linda James y la prima de ambas, Diane Taylor. El primer single de Love Unlimited con un tema de White, 'Walking in the rain with the one I love' (1972), fue top10 en las listas de R&B y un éxito en el Reino Unido.
Como acompañamiento para las chicas, Barry había formado la orquesta de 40 miembros The Love Unlimited Orchestra, y ese mismo año 1972, grabó con ella un álbum instrumental, 'Rhapsody in White' que contenía el tema 'Love's theme' (1973), nº1 en el Top100 de Billboard y un hit en numerosos paises europeos. Fue uno de los primeros éxitos con sonido 'disco'.
White preparó entonces material para producir a un solista masculino, aún por decidir. Cuando su amigo Larry Nunes, -un industrial del negocio musical que ya le había ayudado financiando parte de sus proyectos-, escuchó las demos, intentó convencer a Barry de que grabara el nuevo álbum con su propia voz. White, que no quería oir hablar del asunto, se mostró muy reticente al principio, pero finalmente accedió y publicó el álbum 'I've Got So Much To Give' (1973), que contenía el tema 'I'm gonna love you just a little more baby' (nº1 R&B, nº3 Pop), su primer éxito como solista.
En los ochenta y parte de los noventa su estrella se apagó hasta que lo descubrió una nueva generación en 1993 gracias a su aparición como personaje animado en la serie The Simpsons. A partir de entonces sus discos volvieron a las listas y sus canciones se podían oir en varios shows televisivos y series como Ally McBeal, en la que apareció en persona un par de veces. En 1994 publicó su mayor éxito desde los setenta, el álbum 'The Icon is Love', considerado por muchos su mejor trabajo.
Cinco años después publicó 'Staying Power', que a pesar de obtener menos éxito que el anterior, le proporcionó su quinto Grammy. En el álbum incluye dos duetos con Chaka Khan y la inglesa Lisa Stanfield, quien dos años antes obtuvo un hit con su versión de los temas de White 'Never gonna give you up' y 'All around the world', esta última cantada con él.
Aquejado en sus últimos años con problemas de salud debidos a su alta tensión sanguínea, Barry sufrió una apoplejía en mayo de 2003, muriendo dos meses más tarde. Tenía 58 años.
