Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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El 27 de diciembre de 1941 nació en Birmingham el músico británico Mike Pinder, conocido por ser uno de los fundadores en 1964 del grupo Moody Blues y miembro hasta 1979.
Moody Blues se formó en 1964, y tras su éxito inicial 'Go now', consiguieron un melotrón de la empresa Streetly Electronics, en la que Pinder trabajaba por entonces. Mike comenzó a usarlo en los temas del grupo y fue él quien se lo enseñó a los Beatles, que a su vez lo usaron en 'Strawberry Fields forever'. Pinder fue pionero en tocar en directo con el nuevo instrumento y sus conocimientos técnicos y electrónicos fueron clave en los shows desplegados por la banda. Contribuyó con temas como 'Dawn is a feeling', 'The best way to travel','So deep within you','The voyage', 'Melancholy man', 'My song' y 'Lost in a lost world'.
Tras el descanso que se tomaron en 1974, Pinder se instaló en California donde publicó un álbum 'The Promise' en 1976. Cuando en 1977 The Moody Blues se reunieron de nuevo, Mike declinó la oferta -aunque contribuyó con un tema en 'Octave','One step into the light'- y comenzó a trabajar como consultor técnico en la empresa de ordenadores Atari. En 1994 volvió a los estudios de grabación y publicó su segundo álbum, 'Among the stars'. En abril de 2018 fue admitido como miembro de The Moody Blues en el Rock & Roll Hall of Fame. Murió en abril de 2024 a los 82 años.
El 30 de noviembre de 1937 nació en Coundon, Coventry (Inglaterra), el cantante anglo-australiano Frank Ifield. Con diez años sus padres emigraron a Australia y en una zona rural, a 50 km de Sidney, Frank entró en contacto con la música hillbilly, (así se llamaba antes la música country) mientras ayudaba a ordeñar las vacas.
Imitando la técnica de 'yodel' de Hank Snow consigue grabar sus primeros discos con sólo trece años y a los diecinueve ya era una estrella de la canción en Australia con temas como 'True' y 'Teenage baby'. En 1959 retorna a las Islas Británicas y entre 1962 y 1963 consigue cuatro hits en las listas que alcanzan el nº 1: 'I remember you', 'Lovesick blues', 'The wayward wind' y 'Confessin (that I love you)'.
Lo intentó dos veces en Eurovisión: En 1962 con 'Alone too long', quedó segundo y, en 1976 con 'Ain't gonna take no for an answer', acabó el último de doce participantes. En 1991 Ifield volvió a las listas inglesas con 'She taught me how to yodel'.
El 28 de noviembre de 1939 nació en Valladolid la actriz y cantante española Concha Velasco. Conchita tuvo un éxito tan inesperado como arrollador cuando en la película 'Historias de la Televisión' (1965) por exigencias del guión tuvo que interpretar una canción compuesta por Augusto Algueró titulada 'La chica yé-yé'. El éxito pilló por sorpresa a la actriz que siempre aseguró que ella no era cantante.
Aún así, y como consecuencia del rotundo éxito del tema, grabaría con la casa discográfica Belter ocho discos más, con canciones como 'Que calor', 'Sinceridad', 'Hoy como ayer', '400 cartas de amor' y'Oh John'. Ninguna otra canción de Concha Velasco tuvo nunca la popularidad de aquel tema inolvidable que la convirtió para siempre en 'La chica yé-yé' de toda España. Años más tarde, la cantante Marta Sánchez haría una versión con el grupo Olé, Olé que presentaba así un clásico del pop español a los jóvenes de los 80. Pero lo más interesante de este revival fue que al final la versión original de Concha Velasco fue rescatada de las fonotecas y re-lanzada con un éxito igual o mayor al vivido 20 años atrás. Todo ello convierte a 'La chica yé-yé' en una de las canciones indispensables del pop español de todos los tiempos.
El 29 de noviembre de 1933 nació en Macclesfield (Inglaterra) el músico de blues británico John Mayall. Pionero del blues en las Islas, John Mayall y su grupo The Bluesbreakers fueron los catalizadores de la revolución musical que atrapó al Reino Unido en los años sesenta y que dio origen al blues-rock. Innumerables músicos respetaban a Mayall por su innegable talento y por su integridad musical. Sin embargo, es más conocido por la calidad de los músicos que apadrinó en sus respectivos grupos, los cuales llegaron a obtener mucho más éxito en el mercado pop que su mentor, a quien su dedicación al blues puro resultó más importante que la obtención de un éxito en las listas de ventas.
John en 1940
El padre de John fue músico también y tocó en numerosas bandas de aficionados. Poseía una amplia colección de discos de jazz, los cuales fueron la primera fuente de inspiración de Mayall. Aunque en aquel momento no consideró seguir la carrera musical, en sus años adolescentes aprendió a tocar piano, guitarra y ukulele. Sus inclinaciones artísticas lo llevaron con trece años a la Manchester Junior Art School, más o menos al mismo tiempo que descubrió y se fascinó con el blues americano. Pasó dos años allí, durante los cuales, John aprendió a tocar la armónica.
Con quince años trabajaba como escaparatista en unos almacenes de Manchester. A continuación fue llamado a filas y pasó dos años en el ejército, parte de ellos en Corea. Tras su regreso a Inglaterra en 1955, continuó su educación en el Regional College of Art de Manchester, donde formó su primera banda, los Powerhouse Four. Se graduó en 1959 y se empleó en una agencia de publicidad, convirtiéndose en poco tiempo en uno de los mejores tipógrafos y diseñadores gráficos de la región.
Mayall en 1955
En 1958 el legendario Muddy Waters había realizado un tour por Inglaterra y vino acompañado de una banda eléctrica formada por los mejores bluesmen de Chicago. Esta visita de Waters al Reino Unido está considerada la chispa que encendió la luz que guió a todos los dispersos aficionados al blues británicos, dotándoles de una dirección en común. Alexis Korner y Cyril Davies contribuyeron con su sexteto a que la escena londinense de los clubes de jazz pasara de contratar grupos de jazz tradicional en los cincuenta a demandar grupos de blues eléctrico en 1960. Fueron ellos quienes convencieron a Mayall, que para entonces había formado un grupo amateur llamado Blues Syndicate, de que dejara Manchester y se trasladara a Londres, donde le sería posible vivir profesionalmente de su música.
McVie, Mayall, Dean y Flint (1964)
En 1963, con 29 años, demasiado viejo para los estándares del rock n'roll, se instaló en Londres y formó su grupo soñado: los Bluesbreakers. Mayall pasó un año trabajando durante el día como delineante, pero en 1964 ya se vio capacitado para dedicarse de lleno a la música. Con su banda fueron teloneros de grandes bluesmen norteamericanos como John Lee Hooker y Sonny Boy Williamson en sus respectivas visitas a Inglaterra y realizaban actuaciones en pequeños clubes del país seis días a la semana.
Clapton, McVie, Mayall y Flint (1965)
La primera formación consistía en Mayall y Bernie Watson a las guitarras, John McVie al bajo y Martin Hart a la batería. Más tarde Hughie Flint reemplazó a Hart y Roger Dean se encargó de la segunda guitarra. No pasó mucho tiempo para que John Mayall y los Bluesbreakers fueran considerados la mejor banda de blues británica. La aparición de los Rolling Stones pareció eclipsar por un momento a los Bluesbreakers, pero esto cambió cuando Eric Clapton se unió a la banda en abril de 1965.
Eric ya traía una buena reputación de los Yardbirds pero había decidido abandonarlos cuando vio que su sonido tendía más hacia el pop. El purismo y el compromiso de Mayall con el blues casó perfectamente con la filosofía de Clapton y el talento del guitarrista hizo resurgir la fama del grupo. Fue por entonces cuando se podía leer el famoso graffiti: "Clapton is God" en las calles de Londres. Con 'Dios' en sus filas, los Bluesbreakers eran imbatibles.
Pero el inquieto Clapton dejó el grupo repentinamente en agosto de 1965 para volver en noviembre y en julio de 1966 lo dejó definitivamente para formar el trío Cream con Ginger Baker y el ex-Bluesbreaker Jack Bruce. A Mayall no le afectó demasiado, ya que comprendió desde el principio que no todos los músicos iban a someterse a sus estrictas formas clásicas y les animaba frecuentemente a dejar el grupo y explorar nuevos caminos y formas musicales.
También disolvió bandas y buscó nuevos instrumentistas, simplemente porque había desarrollado otras ideas y necesitaba músicos distintos para plasmarlas musicalmente. Otros fueron expulsados por romper otra de las reglas sagradas del músico: beber durante el trabajo. Cada vez que la banda se veía privada de un buen músico, Mayall era capaz de sustituirlo con alguien similar y, en ocasiones, mejor. Ejemplos de grandes instrumentistas que han pasado por las bandas de Mayall son, entre otros, John McVie, Mick Fleetwood y Peter Green (futuros Fleetwood Mac), Aynsley Dunbar (futuro Jeff Beck Group, Mothers of Invention y Journey), Jon Hiseman y Tony Reeves (futuros Colosseum II) y Mick Taylor (futuro sustituto de Brian Jones en los Rolling Stones)
En 1967, tras la publicación de 'A Hard Road', Mayall y sus Bluesbreakers realizaron su primera gira por Estados Unidos, donde fue tan bien recibido que el músico decidió instalarse en Laurel Canyon (California). Siguió siendo un purista del blues, lo que no le impidió explorar todas las posibilidades del género. En una época en la que todos electrificaban y amplificaban su música, Mayall grabó en 1969 'The Turning Point', un álbum acústico cuya particularidad era la ausencia de batería y que generó su tema más conocido 'Room to move'. El álbum fue su obra más vendida y alcanzó la categoría de disco de oro. Le siguieron 'Empty Rooms' (1970) y 'Back to the Roots' (1971).
Durante los años setenta su carrera pareció declinar y aunque seguía realizando una media de 120 shows al año y grabando excelentes álbumes como 'Jazz Blues Fusion' (1972) y 'Moving On' (1973), tras repetidos e infructuosos cambios de sello, los trabajos que publicó no estaban a la altura de sus álbumes anteriores, alejándose del blues-rock para experimentar con el jazz, el funk o el pop incorporando incluso voces femeninas.
7El músico abstemio que una vez echó a músicos de su banda por beber un trago antes de tocar, desarrolló su propio problema con la botella. En una entrevista con Downbeat admitió: "En los setenta toqué la mayoría de las noches borracho". Un incidente casero en el que su casa fue pasto de las llamas en 1979 y un accidente que sufrió al tirarse de un balcón a una piscina...y fallar, le hicieron ver la luz y dejar la bebida definitivamente.
En 1982 recreó una de las primeras encarnaciones de los Bluesbreakers junto a John McVie y Mick Taylor, realizando una serie de conciertos que fueron muy bien recibidos. Aunque la reunión no duró mucho, sirvió para que Mayall decidiera volver a su sonido primigenio. En 1984 puso en marcha una nueva edición de los Bluesbreakers con el guitarrista Coco Montoya y el baterista Joe Yuele. Con esta formación hizo un tour por los países del Este de Europa y publicó algunos álbumes en pequeños sellos como 'Behind the Iron Curtain', 'The Power of the Blues' y 'Chicago Line'.
En 1990 firmó con Island Records y publicó 'A Sense of Place', en el que demostraba seguir siendo capaz de explorar nuevas direcciones musicales con sensiblidad e imaginación.
Si bien sus más recientes discos adolecen de un cierto debilitamiento artístico, John Mayall aún mantiene unos estándares mínimos, que le aseguran la continuidad en el gusto de los amantes del blues. Por eso sus discos aun son esperados y sus conciertos concurridos. Con ocasión de su 70 cumpleaños se celebró un concierto homenaje en Liverpool en verano de 2003, en el que participaron como estrellas invitadas Eric Clapton, Mick Taylor y Chris Barber.
Aunque nunca obtuvo un hit, ni ganó un Grammy, ni está en el Salón de la Fama del Rock and Roll, John Mayall fue un 'músico de músicos' enormemente respetado por sus 'discípulos'. Aún en activo, en septiembre de 2009 publicó 'Tough' y en su página web personal ofrecía directamente antiguas grabaciones de conciertos. El año 2014 realizó una gira conmemorando su 80 cumpleaños, en 2018 añadió un nuevo miembro a su banda: la guitarrista tejana Carolyn Wonderland, y su álbum más reciente fue 'Nobody Told Me'publicado en 2019. John murió en julio de 2024 a los 90 años.
El 13 de noviembre de 1940 se estrenó en Estados Unidos la película de animación producida por Walt Disney, 'Fantasía'. El film consistía en ocho segmentos animados que ilustraban otras tantas piezas de música clásica, la mayoría de las cuales fueron interpretadas por la orquesta de Filadelfia dirigida por Leopold Stokowski.
El proyecto comenzó cuando el presupuesto para uno de los episodios de las 'Silly symphonies' en el que se pretendía revitalizar el personaje de Mickey Mouse, se disparó más allá de lo previsto. El episodio se creó sobre la pieza clásica de Paul Dukas 'El aprendiz de brujo' y se decidió ampliar el proyecto a un largometraje de animación experimental contando para ello con el compositor y crítico musical Deems Taylor, responsable de la elección de las piezas y maestro de ceremonias en el film.
Tocata y fuga en re menor de Johann Sebastian Bach.
Las tomas de acción en vivo de la orquesta iluminadas en azul y dorado, respaldadas por sombras superpuestas, se desvanecen en patrones abstractos. Las líneas animadas, las formas y las formaciones de nubes reflejan el sonido y los ritmos de la música.
El cascanueces de Piotr Ilich Chaikovski.
Las selecciones de la suite de ballet de 1892 subrayan escenas que representan el cambio de las estaciones del verano al otoño y al invierno. Se presenta una variedad de bailes con hadas, peces, flores, hongos y hojas, que incluyen 'Danza del Hada de Azúcar', 'Danza China', 'Danza Árabe', 'Danza Rusa', 'Danza de las Flautas' y 'Vals de las Flores'.
El aprendiz de brujo de Paul Dukas.
Basado en el poema de Goethe de 1797 'El aprendiz de brujo'. Mickey Mouse, el joven aprendiz del hechicero Yen Sid, intenta algunos de los trucos de magia de su maestro pero no sabe cómo controlarlos.
La consagración de la primavera de Ígor Stravinski.
Se representa una historia visual de los comienzos de la Tierra en secciones seleccionadas de la partitura de ballet. La secuencia avanza desde la formación del planeta hasta los primeros seres vivos, seguido del reinado y extinción de los dinosaurios.
Intermedio/Conoce la banda sonora:
Los músicos de la orquesta parten y se revela la tarjeta de presentación de Fantasía. Después del intermedio hay una breve jam session de música jazz dirigida por un clarinetista mientras regresan los miembros de la orquesta.
Luego se muestra una demostración estilizada con humor de cómo se reproduce el sonido en la película. Un 'personaje' animado de la pista de sonido, inicialmente una línea blanca recta, cambia a diferentes formas y colores según los sonidos que se reproducen.
Sinfonía Pastoral de Ludwig van Beethoven.
Un mundo mítico grecorromano de coloridos centauros y centauras, cupidos, faunos y otras figuras de la mitología clásica se retrata con la música de Beethoven. Una reunión para un festival en honor a Bacchus, el dios del vino, es interrumpida por Zeus, quien crea una tormenta y ordena a Vulcano que forje rayos para que los arroje a los asistentes.
Las centauras originalmente fueron dibujadas con el pecho desnudo, pero la oficina de Hays que hacía cumplir el Código de Producción Cinematográfica insistió en que discretamente les colgaran guirnaldas alrededor del cuello. El aspecto de los centauros masculinos también fue atenuado para parecer menos intimidantes ante la audiencia. Originalmente, el segmento incluía un par de centauros negros que atendían a los demás, pero fueron eliminados de la película en lanzamientos posteriores debido a sus implicaciones de racismo.
La danza de las horas de Amilcare Ponchielli.
Un ballet cómico en cuatro secciones: Madame Upanova y sus avestruces (Mañana); Hyacinth Hippo y sus sirvientes (Mediodía); Elephanchine y su compañía de elefantes que hacen burbujas (Tarde); y Ben Ali Gator y su tropa de aligátores (Noche). El final encuentra a todos los personajes bailando juntos hasta que su palacio se derrumba.
Una noche en el Monte Pelado de Modest Mussorgsky y Ave Maria de Franz Schubert.
A medianoche, el demonio Chernabog se despierta y convoca a los espíritus malignos y las almas inquietas de sus tumbas a Bald Mountain. Los espíritus bailan y vuelan por el aire hasta que el sonido de una campana del Ángelus los hace retroceder cuando la noche se convierte en amanecer. Se escucha un coro cantando Ave María mientras se representa a una fila de monjes con túnicas caminando con antorchas encendidas a través de un bosque y hacia las ruinas de una catedral.
Hubo una escena que tuvo que ser eliminada en su día de la copia final debido a la extensa duración del film. Se trata del arreglo orquestal que Stokowski realizó con la pieza Claro de Luna de Claude Debussy:
La banda de sonido fue grabada usando múltiples canales de audio y reproducida mediante el sistema Fantasound, uno de los primeros sistemas de reproducción estereofónicos creado por el ingeniero de RCA David Sarnoff. La gran inversión que hubo que realizar para dotar a las salas de equipos de reproducción adecuados y la desaparición temporal del mercado europeo, debido a la Segunda Guerra Mundial, dieron lugar a que 'Fantasia' fuera un fracaso comercial en las fechas posteriores a su estreno. Sin embargo, lleva recaudados cerca de 80 millones de dólares gracias a las copias en video doméstico y ocupa el puesto 23 en la lista de películas más taquilleras de Estados Unidos.
En 1990, Fantasía fue seleccionada para su conservación en los Estados Unidos National Film Registry por la Biblioteca del Congreso como 'cultural, histórica o estéticamente significativa'.
El 29 de octubre de 1944 nació en Birmingham (Inglaterra) el músico británico Denny Laine, conocido por su trabajo con Moody Blues y Wings. Laine, que debutó profesionalmente a los doce años, en 1962 era el cantante solista y guitarra del grupo local Denny Laine and The Diplomats y en 1964 se unió a Mike Pinder de los Moody Blues. Con ellos canta la voz solista de su primer gran éxito antes de la etapa sinfónica del grupo: 'Go now'. Otras grabaciones de Moody Blues con Denny fueron 'I don't want to go on without you', 'I'll go crazy', 'From the bottom of my heart', 'Can't nobody love you','Bye bye bird'y 'Life's not life'.
Dos años más tarde, Denny deja el grupo y tras un intento fallido con The Electric String Band, forma junto con Paul y Linda McCartney el grupo Wings, en el que permanecería 10 años, hasta la disolución del grupo en 1981.
Linda, Paul y Denny Laine
En Wings Denny tocaba guitarras, teclados, bajo y hacía voces. Además contribuyó al grupo como compositor, escribiendo o co-escribiendo temas como 'No words', 'Time to hide','Deliver your children' o el millonario en ventas 'Mull of Kyntire'.
En 1981, tras la estancia en prisión de Paul McCartney en Japón por posesión de marihuana -por lo que hubo que suspender la gira por Asia-, McCartney decidió grabar un álbum en solitario, 'McCartney II' y disolvió Wings.
Denny Laine (Ethan Miller/Getty Images)
Denny publicó a continuación el álbum 'Japanese Tears', haciendo referencia a la tristeza sentida por los fans japoneses ante la cancelación de la gira, con temas compuestos por él que ya había estrenado con Wings, como 'Weep for love','I would only smile' y 'Send me the heart'(coescrita con McCartney). Además incluyó una nueva versión de su primer hit con los Moody Blues, 'Go now', que también solían tocar en los directos de Wings.
Publicó desde entonces cerca de una decena de álbumes con escaso éxito comercial, el más reciente: 'The Blue Musician' en 2008. A mediados de los años ochenta se vio obligado a vender su 50% de los derechos de autor de 'Mull of Kyntire' a McCartney para salvarse de la bancarrota. Laine, que residía en Estados Unidos desde los años noventa, siguió grabando, actuando en espectáculos de tributo a Wings y escribiendo sus memorias. En enero de 2023 anunció una gira y un nuevo álbum. Sin embargo las secuelas de un COVID sufrido unos meses antes complicaron su estado de salud y Laine murió en diciembre de 2023 a los 78 años.
El 19 de octubre de 1957 nació en Prestatyn (Gales) Karl Wallinger, músico y productor británico conocido por haber formado parte del grupo Waterboys entre 1983 y 1986 y posteriormente como líder de World Party.
Aunque nació y pasó su infancia en Prestatyn (Gales) se educó en el colegio público de Chartehouse en Surrey. Desde muy temprana edad se vio expuesto a la música de Beatles, Beach Boys, Dylan y Love, sonidos que emergerían de nuevo con su música 30 años después. Su carrera musical comenzó en 1977 como teclista del grupo Pax y seguidamente formó el efímero grupo Quasimodo con Dave Sharp y Nigel Twist (futuros The Alarm). A continuación trabajó en una editora musical y fue director musical del 'Rocky Horror Show'.
En 1983 fue reclutado por Mike Scott de The Waterboys y Wallinger contribuyó como teclista en dos álbumes de la banda, 'A Pagan Place' y 'This Is The Sea', así como en las actuaciones en directo. Su habilidad como multiinstrumentista asombró a Scott, quien en 'This Is The Sea' le concedió a Karl un mayor protagonismo que en el primer álbum. En él contribuyó además de sus arreglos con los teclados, sintetizadores de bajo y percusión, componiendo el tema 'Don't bang the drum', que abre el álbum.
Sospechando que sus propias ambiciones musicales iban a chocar tarde o temprano con Mike Scott, Wallinger optó por dejar a The Waterboys en 1986, siendo sutituido por Guy Chambers. Mientras trabajaba en material para su álbum en solitario, colaboró en los arreglos del álbum debut de Sinéad O'Connor, 'The Lion and the Cobra'. Sinéad le devolvió el favor haciendo coros en los dos primeros trabajos de Karl.
Wallinger grabó en el estudio de su casa 'Private Revolution' (1986), que publicó bajo el nombre de World Party y cuyo single, 'Ship of fools', consiguió entrar en el Top40 británico.
Su cuarta entrega, 'Egiptology' (1997), grabada tras la muerte de su madre, resulta un fracaso comercial aunque el tema 'She's the one', contenido en él, fue versionado con éxito por Robbie Williams. Otros temas de 'Egiptology' fueron 'Call me up' y 'Beautiful dream'. Tras un paréntesis de tres años publica 'Dumbing Up' (2000) y a continuación, en 2001, sufrió un aneurisma cerebral que lo tuvo apartado de todo hasta 2006, año en que, recuperado su control del habla, de sus piernas y de su sentido del humor, reapareció realizando varios conciertos.
En 2007 fue telonero con World Party en la gira australiana de Steely Dan. En abril de 2012 se publicó un estuche recopilatorio de cinco CDs, 'Arkeology', con 70 temas, la mayoría de ellos no publicados previamente y varios compuestos en 2011 con numerosas caras B, maquetas, sesiones en directo y versiones memorables de clásicos de Dylan y los Beatles. En 2015 World Party realizó una gira por Norteamérica. Wallinger murió en marzo de 2024 a los 66 años.
El 9 de septiembre de 1945 nació en Omaha (Nebraska) el organista, cantante y compositor estadounidense Doug Ingle, autor de uno de los míticos temas de final de los sesenta: ‘In a gadda da vida’. Su padre -organista de iglesia- le enseñó a tocar el instrumento a temprana edad y Doug, tras pasar su niñez en las Rocky Mountains se muda a San Diego, donde en 1966 funda el grupo Iron Butterfly.
Tras la edición de su primer LP 'Heavy' el grupo sufre varios cambios y se relocaliza en Los Angeles. Con la nueva formación: Lee Dorman al bajo, Erik Brann a la guitarra, Ron Bushy a la batería y Doug Ingle al órgano y voz solista, graban en 1968 'In-a-gadda-da-vida', el primer álbum de la historia en conseguir la categoría de disco de platino. Contiene el épico tema que da título al álbum con la versión de diecisiete minutos. En principio, Doug, que compuso el tema, no tenía la intención de que durara tanto.
Ingle participaría en un par de álbumes más del grupo: 'Ball' (1969) y 'Metamorphosis' (1970), pero al año siguiente el grupo se separa debido al agotamiento físico y emocional que les producían las constantes giras. Iron Butterfly se reformó en 1974 y ha continuado hasta el presente con diversos cambios en la formación.
Entre 1982 y 1985 y, de nuevo entre 1994 y 1999, Doug volvió a colaborar con la banda. Desde entonces, el músico permaneció alejado de los focos. El año 2010, Doug Ingle pareció haber vuelto al trabajo a tenor de su 'sitio' en myspace en el que publicó algunos temas nuevos, todos ellos instrumentales y muy alejados de la música que hacía con Iron Butterfly. En mayo de 2012 tuvo lugar en un teatro de Oregón la última actuación de dos de los fundadores: Ron Bushy y Lee Dorman, que falleció en diciembre de ese año. Doug murió en mayo de 2024 a los 78 años.
El 11 de agosto de 1949 nació en Cleveland (Ohio) el músico y cantante estadounidense Eric Carmen. Gracias a la formación de piano clásico adquirida en su infancia, Eric hizo una adaptación pop de una parte del concierto nº2 de Rachmaninoff que sería su mayor éxito: 'All by myself' (1976), una balada ya clásica que recibió multitud de versiones, la última reseñable, de Celine Dion en 1999.
Otros éxitos de Carmen fueron: 'Never gonna fall in love again' (1976), 'Hungry eyes' (1987) que se incluyó en la banda sonora de 'Dirty Dancing' y 'Make me lose control' (1988).
Antes de su etapa en solitario, Eric lideraba un grupo llamado The Raspberries que tuvo un éxito millonario en ventas con 'Go all the way'(1972). Se separaron en 1975 y el resto de los componentes retomó el nombre en 2000 y comenzaron a actuar de nuevo. En 2005 Carmen se unió a ellos y con la formación original de los setenta actuaron como teloneros de Springsteen y grabaron un nuevo álbum en directo, 'Live on Sunset Strip' en 2007.
En las Navidades de 2013 Carmen grabó su primer tema en quince años, 'Brand new year', puesto a disposición por Legacy Records como descarga gratis para conmemorar el lanzamiento de un álbum retrospectivo de sus treinta años de carrera llamado 'The Essential Eric Carmen' publicado en marzo de 2014. Falleció en marzo de 2024 a los 74 años.
El 30 de julio de 1945 nació en Tampa, Florida, el saxofonista estadounidense David Sanborn, ganador de seis premios Grammy. Publicó en su carrera más de una veintena de álbumes y es conocido por sus múltiples colaboraciones con músicos de pop como Paul Simon, Steely Dan o David Bowie. Aunque generalmente asociado con el 'smooth jazz', él personalmente rechazaba el género y la etiqueta. El crítico Scott Yannow lo describió en 2011 como "el saxofonista más influyente en los intérpretes del jazz-pop y el R&B de los últimos 20 años"
David William Sanborn se crió en St Louis (Missouri). De niño sufrió la polio, por lo que en la adolescencia le recomendaron como terapia para ensanchar sus pulmones, tocar el saxofón. Por aquella época, en St. Louis, sólo había bandas de R&B, por lo que sus primeros pasos con el instrumento fueron tocando con músicos legendarios como Albert King y Little Milton o en la orquesta de Gil Evans. Estudió en la Northwestern University, la única que por entonces impartía clases de saxofón, dirigidas por Fred Hemke. La universidad se encontraba cerca de Chicago y allí Sanborn se interesó por la rica tradición de blues de la ciudad. Sus mayores influencias fueron Hank Crawford, Lou Donaldson, Charlie Parker y Jackie McLean.
David en Woodstock 69
A finales de los años sesenta, David se había convertido en un músico de sesión muy solicitado. En 1967 se unió a la Paul Butterfield Blues Band, en la que permaneció hasta 1969, actuando con ellos en el Festival de Woodstock. En 1972 participó en el álbum 'Talking Book' de Stevie Wonder y en 1975 definió el sonido de 'Young Americans' de David Bowie.
'Heart to Heart' (1978)
Ese mismo año debuta con su primer álbum, 'Taking Off', cuyo tema 'Butterfat' con su saxo pasado por wha-wha, ayudó a que las grandes dicográficas se sintieran interesados en la fusion jazz-pop. En su tercer álbum, 'Heart to Heart' (1978), amplió su sección de ritmo con arreglos de metales (cortesía de la Gil Evans Orchestra), muy bien recibidos por la crítica. Durante esos años también colaboró en las bandas de Steely Dan y Rickie Lee Jones. Con su siguiente trabajo, 'Hideaway', de 1980, que le supuso su primera nominación a un Grammy, Sanborn saltó al primer plano de la actualidad convirtiéndose en el saxofonista más conocido del pop.
'Straight to the Heart' (1984)
Su primer gramófono dorado lo obtuvo en 1982 por su álbum millonario en ventas 'Voyeur' (1981). El resto de la década, además de alternar sus grabaciones con el saxo alto y soprano, experimentó con todo tipo de géneros y estilos y en 1984 publicó uno de sus álbumes más aclamados, 'Straight to the Heart'. En 1987 obtuvo un nuevo Grammy por su trabajo junto a Bob James en el álbum 'Double Vision' y dos años más tarde el tercero por 'Close-Up' (1988). Sanborn mantuvo su popularidad durante los años noventa con discos como su entrega de funk urbano en 'Upfront' (1992).
'Pearls' (1995)
Un año antes sorprendió al mercado pop con una incursión en el jazz tradicional, 'Another Hand' con nuevos valores del género como Bill Frisell y Marc Ribot así como pesos pesados como Charlie Haden y Jackie DeJohnette. Asimismo, en 1993 grabó un álbum con el saxofonista avant garde Tim Berne. En 1995 apareció 'Pearls' con arreglos orquestales dirigidos por Johnny Mandel y en 1996 volvió a sus texturas tradicionales de R&B y pop urbano con 'Songs From the Night Before'.
David Sanborn y Bob James
En 1999 publico 'Inside' y participó con Eric Clapton en un show televisado desde el Madison Square Garden, celebrado para recoger fondos para el Crossroad Centre, una institución de rehabilitación de drogadictos, que el guitarrista creó en la isla de Antigua en 1997. Los último trabajos de Sanborn fueron 'Only Everything' (2010), 'Quartette Humaine', de nuevo con Bob James en 2013, 'Time and the River' publicado en 2015 que marcó su 40 aniversario como líder y 'This Masquerade' en 2018. Por otro lado, en 2011 estuvo actuando como DMS junto a George Duke y Marcus Miller. Murió en mayo de 2024 a los 78 años.
El 9 de julio de 1927 nació en Malden, Massachusetts, el cantante y actor norteamericano Ed Ames, de padres judíos emigrados de Ucrania. Fue conocido por sus grabaciones formando parte de los Ames Brothers en los años cincuenta y por su carrera en solitario en los sesenta, además de sus participaciones en series de TV y películas.
The Ames Brothers
Cuatro de los nueve hermanos Ames, formaron un grupo vocal que comenzó trabajando para la orquesta de Art Mooney en Nueva York. En 1949 firmaron con Coral Records y al año siguiente consiguen sendos nº1 y con los temas 'Rag mop' y 'Sentimental me'. En 1951 repitieron éxito con 'Undecided', con la orquesta de Les Brown. En 1953 se cambian a RCA, donde consiguen dos nuevos hits: 'You, you, you' y 'The naughty lady of Shady Lane' (1954). En 1955 disfrutaron incluso por unos meses de un programa propio en la TV estadounidense.
En 1960, los hermanos se separan y Ed Ames ingresa en la Herbert Berghoff School para estudiar interpretación. Comenzó a hacer pequeños papeles en Broadway y en 1963 encarnó el papel de jefe indio en la obra 'Alguien voló sobre el nido del cuco', junto a Kirk Douglas y Gene Wilder. Un ejecutivo de la 20th Century Fox le vio en el papel y pensó en él para una nueva serie que tenían en marcha: Daniel Boone. En ella dio vida al personaje del nativo americano 'Mingo' junto a Fess Parker, Patricia Blair y Veronica Cartwright. En su carrera como cantante lo volvió a intentar en 1965 con la canción 'Try to remember', que no tuvo gran éxito. Sin embargo, dos años después grabó 'My cup runneth over' que alcanzó el Top10 americano. Otros hits menores fueron 'Time, time','Who will answer?' (Aleluya no.1)(1967) y 'Apologize' (1968).
Ed Ames como 'Mingo'
En la época en la que encarnaba a 'Mingo' en la serie Daniel Boone, Ed desarrolló cierta habilidad con el lanzamiento de 'tomahawk'. En cierta ocasión fue invitado al Show de Johnny Carson, programa de TV muy popular en la America de los sesenta. En un momento de la entrevista, Carson le pide a Ames que muestre a los espectadores su destreza con el pequeño hacha. Le habían dispuesto una plancha de madera vertical con la silueta dibujada de un 'cow boy'. Ames se dispuso a lanzar el arma, que acertó justo en medio de la entrepierna de la silueta, con el mango hacia arriba.
Esto despertó una gran carcajada del público. Cuando Ames se disponía -algo avergonzado- a retirar el tomahawk de la madera, Carson se lo impidió cogiéndole del brazo y aprovechó el momento cómico para comentar: "No sabía que fueras judío", relacionando el 'certero' lanzamiento con la costumbre judía de la circuncisión. Ames, para seguir la broma le sugirió a Carson que probara él, a lo que el presentador sentenció: "No sería capaz de hacerle más daño del que ya le has hecho tú!". Esta escena sigue apareciendo en todos los especiales que recuerdan la TV de los sesenta en Estados Unidos.
Moody Blues se formó en 1964, y tras su éxito inicial 'Go now', consiguieron un melotrón de la empresa Streetly Electronics, en la que Pinder trabajaba por entonces. Mike comenzó a usarlo en los temas del grupo y fue él quien se lo enseñó a los Beatles, que a su vez lo usaron en 'Strawberry Fields forever'. Pinder fue pionero en tocar en directo con el nuevo instrumento y sus conocimientos técnicos y electrónicos fueron clave en los shows desplegados por la banda. Contribuyó con temas como 'Dawn is a feeling', 'The best way to travel', 'So deep within you', 'The voyage', 'Melancholy man', 'My song' y 'Lost in a lost world'. 
Tras el descanso que se tomaron en 1974, Pinder se instaló en California donde publicó un álbum 'The Promise' en 1976. Cuando en 1977 The Moody Blues se reunieron de nuevo, Mike declinó la oferta -aunque contribuyó con un tema en 'Octave', 'One step into the light'- y comenzó a trabajar como consultor técnico en la empresa de ordenadores Atari. En 1994 volvió a los estudios de grabación y publicó su segundo álbum, 'Among the stars'. En abril de 2018 fue admitido como miembro de The Moody Blues en el Rock & Roll Hall of Fame. Murió en abril de 2024 a los 82 años.
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