Al Jolson

El 26 de mayo de 1886 nació en Serdzius (Lituania) el comediante, actor y cantante Al Jolson. Su familia emigró a EEUU cuando Al tenía cinco años. Comenzó actuando en vodeviles y teatros y en 1920 grabó 'Swanee', un tema de Gerschwin que le daría fama en todo el mundo. Mayor fama si cabe adquiriría con su intervención en la primera película sonora, 'The Jazz Singer'. Murió en octubre de 1950 a los 64 años.

LP 'Tubular Bells'

El 25 de mayo de 1973 se publicó en el Reino Unido, 'Tubular Bells', el album debut de Mike Oldfield y el primero en aparecer bajo el sello Virgin Records, propiedad de Richard Branson. Alcanzó enseguida el nº1 de las listas inglesas y permaneció en él varios meses. Su uso en la banda sonora de 'El Exorcista' contribuyó poderosamente al éxito y en los dos primeros años de ser puesto a la venta ya había vendido más de 16 millones de copias.

The Manor

Richard Branson había ganado suficiente dinero con su servicio de venta de discos por correo y con su tienda de Londres para permitirse construir un estudio de grabación en una mansión al norte de Oxford. The Manor Studio fue el primer estudio-residencia de Inglaterra siguiendo el ejemplo del músico francés Michel Magne en el Château d'Hérouville, cercano a Paris. En él pretendía Branson comenzar la andadura de su nuevo sello discográfico, Virgin Records. (El nombre se lo sugirió un colaborador, opinando que, como todos eran novatos en el negocio, era el más adecuado).

Mike en 1972

Por otro lado, Mike Oldfield, un músico de la escena folk, que ya había grabado algunos discos formando dúo con su hermana Sally, trataba de que alguien tomara en consideración la maqueta de un proyecto musical compuesto con 17 años, que llevaba entre manos. "Llevé mis cintas a varias compañías pero todos me miraban como si estuviera loco. Decían que así, sin voces, ni letra, ni batería no se podía poner en el mercado." Hasta que Tom Newman y Simon Heyworth, ingenieros de sonido del recién inaugurado estudio de Richard Branson, escucharon el trabajo de Oldfield.

Tom Newman

Les gustó tanto que llevaron las cintas a su jefe para convencerle, y Branson accedió. En los seis meses siguientes, Mike se encerró en el estudio y grabó 80 pistas de audio usando 28 instrumentos distintos que interpretaba él mismo. Sólo intervinieron tres músicos de estudio (percusión, oboe y flauta). El resultado fue 'Tubular Bells' un collage de guitarras, teclados y campanas perfectamente ensamblado en una magnífica obra musical revolucionaria de 49 minutos.

Simon Heyworth

Branson, sin embargo, no estaba tan entusiasmado. Estaba empeñado en que hubiera una parte cantada para poder sacar un single. Oldfield recuerda: "Me entró un arranque de rebeldía y dije: '¿Quieres una parte cantada? Pues yo te la daré'. Así que me bebí media botella de Jameson y le dije al ingeniero que me acercara al estudio. Allí me desahogué ante el micrófono durante diez minutos dando alaridos y gruñendo como un oso". Esa fue la 'parte cantada' que permaneció en la parte 2 de Tubullar Bells.

Mike Oldfield

"El nombre fue lo último que decidimos. Yo no tenía ni idea y Richard quería llamarlo 'Breakfast in bed' (Desayuno en la cama) porque tenía una foto de un huevo pasado por agua con sangre fluyendo de su interior que le parecía espectacular como portada. Yo lo odiaba, pero cuando le sugerí 'Tubular Bells', el seguía obsesionado con 'Breakfast in Bed'. Prácticamente tuve que suplicarle"

'Tubular Bells' se desarrolla a través de diferentes ideas que van evolucionando, concatenando o fusionándose a lo largo del disco, combinando diversos matices e instrumentos musicales, generando un clima diverso en cada sección, desde lo misterioso, épico, triste, alegre o nostálgico, culminando en una alegre y rápida melodía ejecutada en guitarra acústica, arreglo de un tema tradicional.

Vivian Stanshall

El 'maestro de ceremonias' es la voz (Vivian Stanshall) que va nombrando uno a uno los instrumentos que intervienen en el disco, mientras que estos van haciendo su aparición y se van uniendo uno tras otro, a la melodía principal. El último instrumento es muy especial: "plus... Tubular Bells!". Vivian Stanshall era miembro del famoso grupo cómico-musical inglés The Bonzo Dog Doo-Dah Band, que se encontraba en los mismos estudios en los que 'Tubular Bells' estaba tomando forma, y se prestó voluntario a poner su voz en esta parte del disco.

Tubular Bells fue a la vez el primer lanzamiento discográfico de la Virgin y el disco que logró introducir y consolidar la discográfica, siendo uno de sus discos más vendidos. Permaneció 279 semanas en las listas británicas, las cuales escaló lentamente, tardando casi un año en alcanzar el nº1. Cuando por fin alcanzó el puesto de honor, lo hizo desbancando el segundo trabajo de Oldfield, 'Hergest Ridge', que había logrado el nº1 tres semanas antes.

En los primeros años de salir a la venta se registraron cerca de 16 millones de copias vendidas en todo el mundo, mayormente en Europa, y la crítica alabó la calidad y originalidad de la obra. El éxito de este disco fue tal que fue utilizada parte de la música para ser incluida como banda sonora de la película 'El Exorcista'. A Oldfield, que no había sido consultado, no le agradó demasiado la maniobra, pero fue precisamente la popularidad adquirida por la película, la que le abrió las puertas del mercado estadounidense. Desde entonces -por la asociación de la música con el film- las primeras notas de 'Tubular Bells' adquirieron en la cultura popular connotaciones de música de terror.

El éxito sorprendente logrado por Tubular Bells hizo millonario a Oldfield a los veinte años, pero también le significó una situación que terminó abrumando al artista, sumado a problemas personales, como la temprana muerte de su madre, que generó en él un inicial rechazo a la sobreexposición en los medios, una actitud que ha sido característica en él desde entonces.

Campanas tubulares

La portada de Tubular Bells ha pasado a la historia de la música, y su nacimiento fue bastante curioso: Oldfield toca este instrumento al final de la primera parte, pero en vez de usar los tradicionales martillos de madera, golpeó las campanas con uno de hierro. "Realmente quería un sonido como de campanario de iglesia, un sonido fuerte, así que decidí usar esos martillos de hierro. Golpeé las campanas después de tomar carrerilla por todo el estudio". Como era de esperar, las campanas se destruyeron, doblándose sobre sí mismas. Esto le hizo a Mike tener una idea para la portada. Fue entonces cuando llamaron a Trevor Key, un fotógrafo especialista en objetos metálicos, quien dio forma final a la famosa campana tubular que representa hoy en día todo un símbolo: es el 'símbolo Mike Oldfield'. Él mismo lo eligió cuando creó su propia compañía de discos, Oldfield Music LTD.

'Part One' – 25:00

'Part Two' – 23:50

Mike Oldfield 

Piano de cola y honky tonk; carillón; órganos Hammond, Farfisa y Lowrey; bajo; guitarras eléctricas, acústicas y española; mandolina; percusión variada; flageolet y campanas tubulares.

Steve Broughton – Baterías

Sally Oldfield – Voces

Mundy Ellis – Voces

Jon Field – Flautas

Lindsay Cooper – Oboe

Vivian Stanshall – Maestro de ceremonias

Producción: Mike Oldfield, Simon Heyworth y Tom Newman

Ingenieros de grabación:  Simon Heyworth y Tom Newman 

Además de las diversas reediciones y remasterizaciones que aparecieron en los años posteriores, en 2003 se grabó una nueva reedición completa del disco. Oldfield nunca había estado del todo contento con la grabación original ya que sólo había tenido unas pocas semanas para grabarlo y la tecnología de por entonces no le ofrecía lo que él necesitaba. Como consecuencia, no se pudieron arreglar algunos errores y algunos instrumentos no estaban en el tono adecuado en la grabación de 1973. Debido a razones contractuales, no se pudo hacer ninguna otra grabación hasta 25 años después. El lanzamiento de Tubular Bells 2003 coincidió con el 50º cumpleaños de Oldfield y el 30º aniversario del lanzamiento de la versión original.

Para continuar siendo fiel al álbum original, Oldfield se hizo con una copia del original de 16 pistas gracias a Richard Barrie de Air Studios: estos se grabaron en formato Digidesign Protools. Sin embargo, faltaban algunas partes, como por ejemplo secciones de 'Finale', de 'Caveman' y 'The Sailor Hornpipe'. Las versiones originales se llevaron a Logic Pro, donde Oldfield usó MIDI para crear un 'mapa' del tiempo y del compás, ya que había secciones que no estaban dentro del tiempo. Debido al uso de tecnología digital, 'Tubular Bells 2003' tuvo un sonido mejor sintetizado y brillante que el original. Ya que Vivian Stanshall, el maestro de ceremonias en la versión de 1973, había muerto, Oldfield contrató a John Cleese para que hiciera el papel introduciendo los instrumentos en 'Finale'.

LP 'Ogdens' Nut Gone Flake'

El 24 de mayo de 1968 se publicó en el Reino Unido 'Ogdens' Nut Gone  Flake', tercer y último trabajo del grupo The Small Faces. Alcanzó el nº1 de las listas inglesas y permaneció en él unas seis semanas. El título, y el diseño de la portada (obra de Mick Swan) eran una parodia de Ogden' Nut-brown Flake, una marca de tabaco producida en Liverpool desde 1899.

Aunque ya había pasado el verano del amor, el último trabajo de The Small Faces se puede considerar como la quintaesencia de la psicodelia británica. Mientras los grupos de San Francisco tenían inclinaciones políticas, los británicos se decantaron por algo más frívolo, ante todo, la garantía de un buen viaje. Steve Marriott no arremetía contra la guerra de Vietnam, sino contra sus vecinos que se quejaban del ruido que hacía. La mitad de la primera cara es rock psicodélico sin miramientos (el tema que da título al disco, 'Afterglow' y 'Song of a Baker'). Los otros tres cortes son el music hall de Londres pasado por la batidora lisérgica.

En cambio, la cara B es un cuento fantástico y surrealista sobre un chico llamado 'Happiness Stan', narrado por el comediante Stanley Uwin en su lenguaje inventado, el 'gobbledegoo' al que incorporó términos contemporáneos de 'slang' londinense.
La historia es más o menos así: Cuando Stan mira hacia el cielo y descubre que falta la mitad de la luna, se pone en marcha para averiguar qué le ha sucedido a la otra mitad. En el camino salva a una mosca de morir ahogada y en gratitud el insecto le cuenta que conoce a la persona que puede resolver su problema y revelarle el sentido de la vida.

The Small Faces en 1968

Stan, con sus poderes mágicos invoca: "Si todas las moscas fueran una sola mosca, que enorme moscóptero se podría construir", y la mosca empieza a adquirir proporciones gigantescas. Sentado a lomos de la mosca gigante, Stan realiza un psicodélico viaje hacia la caverna de Mad John el ermitaño, quien le explica que la desaparición de la mitad de la luna era sólo temporal e indicándole el cielo le demuestra que a la luna -en el tiempo que había empleado Stan buscándola- le había dado tiempo a volver a su plenitud. Finalmente le canta una canción explicándole el sentido de la vida.

Steve Marriot

Desgraciadamente esta mini-ópera era imposible de representar en directo, exceptuando una aparición en semi-playback en la pequeña pantalla británica en junio de 1968, lo que llevó a un frustrado Steve Marriott a abandonar el grupo. Aunque el resto de la banda (Ronnie Lane, Kenney Jones y Ian McLagan) encontró mayor fama algo más tarde junto a Rod Stewart, siempre quedará la sensación de que se perdió una gran oportunidad.

  1. 'Ogdens' nut gone flake'         

  2. 'Afterglow (Of your love)'         

  3. 'Long agos and worlds apart'    

  4. 'Rene'        

  5. 'Song of a Baker'      

  6. 'Lazy sunday'

  7. 'Happiness Stan'      

  8. 'Rollin' over'      

  9. 'The hungry intruder'       

10. 'The journey'      

11. 'Mad John'      

12. 'Happy days toy town'

Rosemary Clooney

El 23 de mayo de 1928 nació en Maysville (Kentucky) la actriz y cantante norteamericana Rosemary Clooney, una popular vocalista de jazz  en los años cincuenta gracias a su primer hit 'Come on-a my House'. Al mismo tiempo apareció en numerosas películas, como 'White Christmas', junto a Bing Crosby, Vera Ellen y Danny Kaye. Sinatra dijo de ella: "Tiene el talento de imprimir calor y sentimiento a todo lo que interpreta. Rosemary simboliza la buena música moderna americana"

Rosemary, Nick y Betty

Rosemary pasó una infancia difícil en la pequeña localidad de Maysville. Ella y sus dos hermanos Betty y Nick pasaban temporadas con su padre alcohólico Andy Joseph Clooney, su madre Marie Frances, que viajaba constantemente por su trabajo en una cadena de tiendas de ropa y otros familiares que se turnarían para criar a los niños. Cuando Rosemary cumplió los quince años, su madre y su hermano Nick se fueron a vivir a California, donde Marie Frances se casó de nuevo con un marino. Rosemary y Betty permanecieron junto al padre, que trabajaba en una fábrica de armamento. El día que acabó la 2ª Guerra Mundial, Andy salió a celebrarlo y no volvió nunca más a casa.

Rosemary y Betty Clooney

Las hermanas trataron de seguir adelante como pudieron. Recogían botellas vacías de la calle para canjearlas por el dinero suficiente para comer cada día. El teléfono estaba cortado, debían el alquiler y amenazaban con cortar también el agua y la luz, cuando Rosemary y Betty ganaron un concurso de talentos de una emisora de radio de Cincinnati. Tal fue la impresión que causaron, que fueron contratadas para cantar en un programa nocturno por 20$ cada una a la semana. Las 'Clooney Sisters', como llegaron  a ser conocidas, comenzaron su carrera artística en 1945 en la emisora WLW de Cincinnati.

Sus canciones en la radio llamaron la atención del director de orquesta Tony Pastor en una ocasión que pasó por Ohio. El mismo año 1945 las hermanas Clooney se incorporaban a la banda de Pastor. Con él realizaron giras hasta 1948, año en el que Betty decidió abandonar las giras y volver a Cincinnati a su trabajo en la radio. Rosemary continuó con la orquesta como vocalista única durante un año más y grabó temas como 'You started something' o 'It's like taking a candy from a baby'. En 1949, con 21 años, Clooney decidió ampliar los horizontes de su carrera y dejó la orquesta de Pastor y se trasladó a la ciudad de Nueva York.

Los reclutamientos para la guerra en Europa y en Asia habían dejado en cuadro a la mayoría de las bandas, creando la necesidad en las orquestas de incorporar a vocalistas con cierto carisma. Tras la guerra, éstos se volvieron incluso más indispensables ya que, el público que poco a poco se había acostumbrado a ellos, comenzó a demandarlos. Los líderes de las bandas más renombradas descubrieron y dieron a conocer a cantantes como Bing Crosby, Doris Day, Frank Sinatra, Peggy Lee, Ella Fitzgerald y Dinah Washington, los cuales el público asociaba a sus respectivas orquestas. La llegada de Clooney a Nueva York coincidió con la urgente necesidad de estas orquestas por incorporar cantantes, por lo que no tardó en firmar un contrato con Columbia Records. Para entonces, las 'chicas cantantes', como Doris Day, Peggy Lee y Kay Starr, estaban emergiendo como estrellas discográficas.

Rosemary y Mitch Miller

En Columbia, Clooney comenzó una importante asociación profesional con Mitch Miller, uno de los directores artísticos de la compañía, además de director de su propia banda y entertainer veterano. En 1951 convenció a Rosemary para grabar una canción de corte cómico e intrascendente, 'Come on-a my house', compuesta por los autores de origen armenio Ross Bagdasarian (el futuro padre de Alvin y los Chipmunks) y William Saroyan, en la que se parodiaba la costumbre mediterránea de invitar a todo el mundo a su casa para agasajarles con comida y bebida.

Cuando Miller le sugirió el tema, Clooney torció el gesto escéptica, argumentando que aquel no era su estilo. Pensaba que era una canción tonta y sin sentido. Consideraba el doble sentido de la letra un recurso barato y además se sentía muy incómoda poniendo acento italiano al cantar. Miller insistió y logró que Clooney accediera. En la grabación usó un clavecín, instrumento inédito hasta entonces en una grabación pop. Ante la sorpresa de Rosemary, el disco escaló las listas de ventas y fue disco de oro. Una 'canción tonta y sin sentido' había convertido de la noche a la mañana a Rosemary en 'Rosie', la favorita a partir de entonces de millones de norteamericanos.

Los siguientes años, Rosemary alternó grabaciones de temas de swing acompañada de big band con sencillas canciones 'novelty', que Miller insistía en grabar. Clooney fue tremendamente popular en la era pre-rock'n'roll consiguiendo éxito tras éxito, como 'Half as much', 'Hey there' y 'This ole house'; los temas con aire italiano 'Botch-a-me (Ba-ba-baciani piccina)' y 'Mambo italiano', y otros temas importantes en su discografía como 'Tenderly' y 'Blues in the night'. Por añadidura grabó con artistas como Harry James, Marlene Dietrich ('Too old to cut the mustard'), Gene Autry ('The night before Christmas Song'), Guy Mitchell, George Morgan y José Ferrer.

A comienzos de los años cincuenta, las estaciones de radio apostaban fuerte para combatir el creciente magnetismo que generaba la joven televisión.

Se crearon programas repletos de estrellas y semana tras semana los estudios de Hollywood ofrecían emisiones radiofónicas en directo de variedades musicales con los mejores artistas. Clooney fue contratada junto con Bing Crosby para ser las estrellas de una de ellas, emitida los miércoles al mediodía en la CBS Radio. Tampoco le faltaron papeles en el cine. Su aparición en el film 'White Christmas', junto a Bob Hope y Bing Crosby, interpretando la balada 'Love, you didn't do right by me' aumentaron aún más su popularidad.

Rosemary Clooney se acercó tardíamente al jazz y grabó una par de magníficos álbumes para Columbia: 'Hollywood's Best' con la orquesta del trompetista, Harry James, y 'Blue Rose', su obra mas conseguida y un disco que pudo ser memorable con la orquesta de Duke Ellington si los responsables de Columbia Records no hubiesen manipulado las cintas para sobreponer la voz de Rosemary a grabaciones preexistentes de la orquesta de Duke.

José Ferrer y Rosemary

Poco después comenzó un romance con el bailarín Dante Di Paolo, con quien había co-protagonizado films como 'Come the Girls' y 'Red Garters' (1954). Sin embargo, ante el estupor de sus amigos y el público en general, en verano de 1953 se fugó con el actor ganador de un Oscar y 16 años mayor que ella, José Ferrer. 'Rosie' y su casamiento sorpresa se convirtieron en los temas favoritos de la prensa rosa y amarilla. Clooney y Ferrer se mudaron a una fastuosa mansión de Beverly Hills, que había pertenecido a George Gershwin, donde celebraban fiestas junto a la piscina a las que acudían la flor y nata de Hollywood. Su primer hijo nació en 1955 y en 1960 nació el quinto.

En 1956 Clooney protagonizó su propio show de TV que se mantuvo durante un año en antena retransmitido por más de 100 emisoras de TV del país, convirtiéndose 'Rosie' en una presencia familiar de la joven televisión americana.

Rosemary, Ferrer y sus cinco hijos

Sin embargo, para entonces, Rosemary Clooney comenzaba a sentir las secuelas de su frenética vida en la que quería compaginar la crianza de cinco niños con su vida profesional, que consistía entonces en una apretada agenda de actuaciones en la radio, el cine, la TV y los estudios de grabación. El deterioro de su matrimonio colmó el vaso y la cantante recurrió a a los tranquilizantes. Aunque su imagen pública seguía siendo idílica su adicción a las drogas se acentuó. Clooney y Ferrer se divorciaron  en 1961, volviéndose a reconciliar unos pocos años para divorciarse definitivamente en 1967. En su autobiografía comentaba cómo se sentía acerca del mito de 'trabajadora y madre de los años 50': "Lo hice simplemente porque me creí capaz de ello, aunque ciertamente, no fue nada fácil"

En 1968 su mundo se derrumbó cuando su buen amigo Bobby Kennedy fue asesinado a pocos metros de ella durante su campaña para la nominación demócrata como candidato a presidente en el Ambassador Hotel de Los Angeles. La tragedia, unida a sus adicciones, desencadenaron su colapso mental. En una actuación maldijo al público y seguidamente convocó a la prensa a la que comunicó entre sollozos su retirada. Cuando viendo su estado, llamaron a un médico, Rosemary huyó y fue detenida cuando circulaba con su coche en sentido contrario por una peligrosa vía de montaña.

Poco después accedió a ser ingresada bajo tutela psiquiátrica en el Hospital Mount Sinai de Los Angeles. Estuvo bajo terapia varios años y cuando ya fue capaz, trabajó cantando en pequeños hoteles y realizando spots de TV. En 1976 su viejo amigo Bing Crosby la llamó para que le acompañara en su última gira que celebraba su 50 aniversario en la industria discográfica. Fue la vuelta de Clooney a los escenarios y su dueto con Crosby de 'On a slow boat to China' era uno de los momentos más esperados del show.

Al año siguiente, Clooney firmó un nuevo contrato con el sello Concord Jazz, comenzando con la publicación de 'Everything's coming up Rosie' (1977) una serie de álbumes de éxito. A partir de entonces, publicó un álbum -cada año- hasta su muerte en junio de 2010 a los 74 años. Entre ellos destacan su 'Tribute to Billie Holiday' (1978), 'Sings the music of Harold Arlen' (1983), 'Sings the music of Irving Berlin' (1984) y 'Still on the road' (1993)

Con su sobrino George Clooney

En 1995 recibió un Emmy por su participación en un episodio de 'Urgencias', protagonizada por su sobrino George Clooney. Su último álbum oficial fue 'Sentimental Journey: The Girl Singer and Her New Big Band'

Andrea Luchesi

El 23 de mayo de 1741 nació en Motta di Livenza el organista y compositor italiano de música sacra, clásica y ópera Andrea Luchesi. A los quince años de edad, se traslada a Venecia, donde estudió con importantes músicos (como Baldassare Galuppi) y ocupó altos cargos como organista y compositor.

Invitado en 1771 como director de música a la corte del Príncipe elector de Colonia en Bonn, fue designado Kapellmeister (Maestro de capilla) en 1774.
Fue un autor prolífico, tanto en música instrumental (sonatas, conciertos, sinfonías) y sacra como de óperas (ópera bufa y ópera seria). Entre sus composiciones recordamos el Réquiem para los funerales solemnes del Duque de Montealegre, embajador de España en la República de Venecia, en 1771. Fue profesor de Beethoven. Después de su muerte (Bonn, 21 de marzo de 1801) su música fue casi olvidada hasta su recuperación en los últimos años del siglo XX.

Luchesi ha sido ignorado en las biografías de Mozart, Haydn y Beethoven, en los que influyó notablemente. En 1773 compuso la ópera “Venetin”, en la que cantaron el padre y el abuelo de Beethoven. El joven Ludwig, que estuvo en la capilla de la corte desde 1781 hasta 1792 como organista asistente de clavicémbalo e intérprete de viola, fue el alumno de más talento (y famoso) de Luchesi. Murió en Bonn, en marzo de 1801 a los 59 años.

Obras destacables:
• Sinfonía en Re. Adagio (1768) (Orchestra "Andrea Luchesi" & Agostino Granzotto)
• Sonata en dos tiempos (Frank Dicksee, clavicémbalo)
• Sinfonía en Do menor – de la Pasión de N. S . Jesucristo Adagio / Allegro (Orchestra Barocca di Cremona & G. Battista Columbro)
• Concierto por órgano en Fa mayor Andante (Johann Christian Bach-Akademie Ingeborg Scheerer & Johannes Geffert, órgano)
• Himno “Coelestis Urbs Jerusalem” (Corale "Luigi Sartori" Orchestra Andrea Luchesi & Agostino Granzotto)

• Réquiem por el duque di Montealegre (1771) - Réquiem 1 mov - “Dies Irae” - “Kyrie” - “Judex Ergo” - “Mors stupebit and Liber scriptus” - “Quantus tremor” - “Ingemisco” - “Rex tremendae majestatis” (Orchestra Barocca di Cremona & G. Battista Columbro)
• Sonata nº 6 Opus 1 en do mayor para clavicémbalo con acompañamiento de violín (1772) (Carlos Garfias, violín & Maria Grazia Baiocchi, piano)

LP 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy'

El 23 de mayo de 1975 se publicó 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', el noveno disco de estudio de Elton John. Fue el primer álbum de la historia que debutó como nº1 en las listas, donde permaneció siete semanas. También fue el último -hasta 'Too Low For Zero' (1983)- en el que al pianista le acompañaba su base de ritmo habitual (Dee Murray y Nigel Olsson)

Es un álbum conceptual en el que se cuenta la historia autobiográfica de Elton John y Bernie Taupin (Elton es el 'Capitán Fantástico' y Bernie el 'Vaquero Polvoriento') en su arduo camino para convertirse en estrellas del pop, entre los años 1967 y 1969. Escrito en orden cronológico, Elton compuso la música durante un crucero en trasatlántico hacia EEUU. Elton, Bernie y la banda trabajaron más que en los álbumes anteriores, los cuales en una semana, a lo sumo dos, como en el caso de 'Goodbye Yellow Brick Road', estaban listos para publicar (en los tres últimos años Elton había producido seis discos).

En el caso de 'Captain Fantastic' se encerraron prácticamente un mes en los estudios de Caribou Ranch y los resultados convencieron de tal manera al productor Gus Dudgeon que, además de alabar los temas de John y Taupin, opinaba que era el mejor trabajo que habían realizado hasta entonces. Apareció tras un año de parón y durante una época tortuosa del cantante, que, a pesar de ser entonces la estrella más famosa del planeta, con unas cifras de ventas superiores a las de los Beatles y Elvis en sus mejores épocas, estaba enganchado a la cocaína y luchaba contra la depresión y multitud de fantasmas personales. Unos meses después confesaba en Rolling Stone su bisexualidad. Fue el penúltimo nº1 de una serie de cinco consecutivos entre 1972 y 1975, tres años que fueron frenéticos para el artista.

Canciones con historia: 'Someone Saved My Life Tonight'

A finales de los años sesenta Elton John tiene cada vez más dudas de que Linda Woodrow sea la mujer ideal para él. A Linda no le entusiasma en absoluto la música que hace y menos aún su ambición por ser una estrella del rock.

Long John Baldry en 1968

No son buenas premisas para una boda anunciada. Además hay un asunto de peso: Elton siente poco o nulo interés sexual por Linda. Que sus preferencias fueran en otro sentido era algo que no se atrevía a confesar abiertamente y menos aún a Linda. Estas dudas no paran de atormentarle cuando pasea una tarde de primavera de 1968 por las calles de Londres con un par de amigos. Bernie Taupin y el cantante de blues Long John Baldry que le acompañan, no imaginan lo que sucede en el interior de la cabeza de Elton, cuando éste decide apresuradamente marcharse a casa algo más temprano de lo habitual.

Bernie y Elton en 1968

Cuando Bernie llega a casa más tarde, empieza a ser consciente de que a su amigo Elton le sucede algo grave y necesita ayuda: En el apartamento que Taupin comparte con Linda y Elton huele a gas, y el pianista de 21 años está tumbado en el suelo con la cabeza metida en el horno. Pero lo que a primera vista tiene toda la apariencia de un intento de suicidio se destapa como un grito de auxilio con escenificación melodramática. Las ventanas de la cocina están abiertas de par en par, la llave del gas no está completamente abierta y Elton se ha colocado una almohada bajo la cabeza para que la espera hasta ser 'rescatado' no le resultara demasiado incómoda. A pesar de lo teatral de la escena, Bernie lo tiene claro: Elton tiene que dejar a Linda. Al día siguiente Bernie y Long John Baldry recogen a Elton y sus efectos personales en una furgoneta alquilada y lo llevan a casa de su madre. Seis años más tarde Taupin recuerda el episodio de aquella noche de primavera del 68 en la canción 'Someone saved my life tonight'.

Aunque Elton reconoció en 1976 sus preferencias sexuales, lo volvió a intentar con una mujer en febrero de 1984. En aquella fecha se casó con la ingeniero de sonido alemana Renate Blauel. Pero el matrimonio duró apenas cinco años.

Elton y Renate Blauel en 1984

Los motivos para la boda los explicó en 2001: "Diablos, yo estaba enganchado a las drogas y pensé que necesitaba casarme para ser feliz. Pero cuando estás así de enganchado nada te hace feliz. Da igual que estés con una mujer, un tío o un perro. Pero no quiero hablar sobre Renate. A ella no le gusta. Es una de las personas más elegantes que conozco. Nunca me pidió nada, ni ha ido a la prensa con nuestra historia. Nada." Elton parece haber encontrado la felicidad añorada junto al cineasta británico David Furnish, su actual pareja, con el que se casó en diciembre de 2005.

1) "Captain Fantastic and the brown dirt cowboy"

2) "Tower of Babel"

3) "Bitter fingers"

4) "Tell me when the whistle blows"

5) "Someone saved my life tonight"

6) "(Gotta get a) Meal ticket"

7) "Better off dead"

8) "Writing"

9) "We all fall in love sometimes"

10) "Curtains"

Elton John - pianos acústico y eléctrico, clavinet, mellotron, sintetizador ARP, clavecín

Davey Johnstone - guitarras eléctricas y acústicas, mandolina, piano en 'Writing', voces
Dee Murray - bajo, voces
Nigel Olsson - batería, voces
Ray Cooper - percusión

Producción: Gus Dudgeon

Ingeniero: Jeff Guercio

En 1995 se publicó una reedición en CD que incluía sus dos nº1 de la época, 'Philadelphia freedom' y 'Lucy in the sky with diamonds', junto a John Lennon, y 'One day at a time', escrita por Lennon, que fue la cara B de 'Lucy in the sky'.

11) "Lucy in the sky with diamonds"

12) "One day at a time"

13) "Philadelphia freedom"

El año 2006 se publicó el álbum 'The Captain and the Kid' que, a modo de secuela, retoma la historia donde la dejaron, continuando la autobiografía del dúo.