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El 18 de Marzo de 1844 nació en Tijvin, Novgorod el compositor, director de orquesta y pedagogo ruso, miembro del conjunto de compositores conocido como “el grupo de Los Cinco”, Nikolai Rimsky-Korsakov. El creía firmemente en el desarrollo de un estilo nacionalista de música clásica, al igual que su colega compositor Mili Balákirev o el crítico Vladímir Stásov. Este estilo emplea canciones populares tradicionales rusas así como elementos armónicos, melódicos y rítmicos exóticos, práctica conocida como orientalismo musical, absteniéndose del empleo de los métodos compositivos tradicionales occidentales.
Nikolai en 1864
Proveniente de una distinguida familia de militares y marinos, ingresó a la Escuela de Cadetes Navales en 1856, aunque había demostrado aptitudes musicales desde niño. Durante los seis años que permaneció en la escuela continuó su contacto con la música, recibiendo lecciones de piano, asistiendo a la ópera y admirando crecientemente a la orquesta. El último profesor de música de Nikolai fue Theodore Canille quien le adentró en el mundo de los compositores alemanes, desde Johann Sebastian Bach a Robert Schumann, además de mostrarle la música del polaco Fryderyk Chopin y contactarle en 1861 con tres jóvenes rusos, César Cui, Mili Balakirev y Modest Mussorgsky. Balakirev se convirtió, desde entonces, en una influencia determinante en la formación musical de Rimsky-Korsakovy quien lo impulsó a concretar algunas composiciones, entre ellas una sinfonía, obra que no pudo concluir por tener que embarcarse en un viaje de instrucción naviera por el mundo.
Nikolai Rimsky-Korsakov (1866)
Tras su retorno, en mayo de 1865, Nikolai Rimsky-Korsakov completó la “1ª Sinfonía en Mi menor Opus 1” Mov. Andante (Boris Khaikin, dir. & Moscow Radio Symphony Orchestra) y permitió que fuera estrenada en diciembre del mismo año en la llamada Escuela Libre de Música, un círculo de artistas cuya asociación fundó en San Petersburgo Balakirev, mientras Nikolai estaba de viaje.
La sinfonía, que Cui aclamaría como “la primera sinfonía verdaderamente rusa”, fue revisada dos décadas después por el propio compositor, quien entonces la consideró escrita bajo una completa ignorancia de las técnicas sinfónicas. Gracias a que sus deberes en la marina le ocupaban solamente parte del día, Rimsky-Korsakov tuvo tiempo para componer y también para cultivar una vida social dentro del círculo que incluía a compositores como Aleksandr Borodin, Dargomizhsky y la cantante Sofía Zotova. Para ésta cantante, Nikolai escribió las canciones Opus 2, 3 y 4, las que fueron seguidas por una nueva obra orquestal, la "Obertura sobre Temas Rusos" modelada según los ejemplos similares de Balakirev y que se estrenó en Diciembre de 1866 en la Escuela Libre de Música.
Nikolai inició la creación de una sinfonía programática basada en un cuento oriental de Osip Senkovsky. La obra se tituló "Antar" 1/4, 2/4, 3/4, 4/4 (Dir. Neeme Jarvi) y, como tantas otras del período inicial del marino compositor, fue reorquestada y drásticamente revisada en años posteriores.
"Antar" consagra la fascinación que siempre tuvo Rimsky-Korsakov por Oriente: una fascinación cultural que compartió con el Grupo de los Cinco. Y a la vez, recoge el principio cíclico de las obras de Héctor-Louis Berlioz y la transformación temática de Franz Liszt; sin embargo -como reconocería el propio Nikolai hacia el final de su vida- la ambiciosa composición llena de acordes orientales quedó más parecido a una suite o poema tonal que a una sinfonía. Tras completar la primera versión de "Antar", Rimsky-Korsakov comenzó a componer la ópera "La Dama de Pskov" (Yevgeny Svetlanov, dir. USSR Bolshoi Theater Orchestra) basada en un drama histórico de Lev Mey.
Conservatorio de San Petersburgo
Al poco tiempo, su amigo Modest Mussorgsky iniciaba la ópera "Boris Godunov" y, durante el invierno de 1871 a 1872, ambos compartieron una habitación y trabajaron en sus óperas en el mismo escritorio y piano, uno en la mañana y el otro por la tarde. Ese mismo año -y a pesar de una sorprendente ignorancia de técnicas elementales- Nikolai Rimsky-Korsakov aceptó un cargo en el Conservatorio de San Petersburgo como profesor de composición práctica e instrumentación en 1871.
Nadezhda Purgold
Nikolai se casó con Nadezhda Purgold, una dotada pianista cuya enseñanza musical era mucho más completa y que, eventualmente, sería la responsable de todos los arreglos para piano que se publicaron no sólo de su marido, sino también de algunos colegas. La infuencia musical de Nadezhda sobre Rimsky-Korsakov fue tanta como la de Clara sobre Robert Schumann pero fue, igualmente, ignorada por un mundo musical sumamente machista y misógino que impedía que la mujer sobresaliera en las artes durante el Siglo XIX.
Según confesó en su autobiografía, en esa época Nikolai ni siquiera podía armonizar decentemente una coral y, entendiendo que necesitaba manejar de manera más segura la armonía, el contrapunto y la orquestación, se abocó al estudio privado de tales materias; tales arduos estudios transformaron musicalmente a Rimsky-Korsakov conmsiguiendo ser el verdadero músico profesional del grupo que dominaba Balakirev.
En 1872, la música rusa no sólo era admirada a lo largo y ancho del Imperio Ruso, también era ya muy apreciada por Europa y la obras de Nikolai Rimsky-Korsakov llamaron mucho la atención por su especial riqueza orquestal.
Rimsky-Korsakov
Gracias a la valiosísima asesoría musical de su esposa, Rimsky-Korsakov quiso demostrar la adquisición de nuevas herramientas y técnicas musicales y compuso la “3ª Sinfonía en Do mayor Opus 32” Mov. 1 (YAO & dir. Gary A. Robinson) preocupado, principalmente, en abordar pulcramente materias musicales estructurales y del contrapunto. Definitivamente, Rimksky-Korsakov sobresalía del “Grupo de los Cinco” que lideraba Mili Balakirev: tal era el talento de Nikolai que sus obras desvirtuaban las de sus amigos hasta el punto que la gente se refería a ellos como el Grupo de Nikolai, lo que a la larga le causó varios conflictos con Balakirev.
Mily Balakirev
Esta versión original fue estrenada en 1874 y mientras César Cui alabó esta nueva faceta de su colega, el naciente y brillante compositor ruso Pyotr I. Tchaikovsky consideró que la obra sufría de exceso de técnica y carencia de calidad en las ideas, a pesar del éxito que tuvo su excelente orquestación y las combinaciones armónicas hechas por Nikolai. Las críticas de Tchaikovsky -unidas a la propia autocrítica perfeccionista del marino compositor- llevaron a Nikolai a revisar y producir una segunda versión de la obra, que fue completada en 1886.
Tchaikovski
La crítica de Tchaikovsky a las obras de Rimsky-Korsakov por tener -a veces en demasía- detalles técnicos irrelevantes que ahogaban la emotividad de la composición, llevó a un verdadero choque de talentos entre el respetadísimo maestro Nikolai y el musicalmente audaz Pyotr que nunca fue resuelta: Nikolai Rimsky-Korsakov siempre señaló a Tchaikovsky como un compositor demasiado "europeo" y poco "ruso"; por ello, Nikolai procuraba hablar poco de Pyotr y nunca lo invitó a formar parte del selecto club de compositores netamente rusos.
Sin embargo, pese al prestigio académico de Rimsky-Korsakov, fue el vulgo ruso quien se identificó más con las obras de Tchaikovsky que con cualquier obra del “Grupo de los Cinco”, una manifestación cultural del pueblo ruso que frustró de por vida a Nikolai.
Mikhail Glinka
Tras el estreno de "La Dama de Pskov" (Yevgeny Svetlanov, dir. & USSR Bolshoi Theater Orchestra) en el Teatro Marinsky en Enero de 1873, Nikolai Rimsky-Korsakov aceptó un puesto creado especialmente para él por el Ministro de Marina, Inspector de Bandas Navales, lo que se tradujo en un período de inactividad creativa para dedicarse por completo al estudio práctico de los diversos instrumentos, su mecanismo y técnica, además aprendió de manera autodidacta armonía y contrapunto.
A toda esta labor se sumó en 1875 la dirección de los conciertos de la Escuela Libre, una labor de recopilación de música folclórica rusa y una colaboración con Balakirev y Liadov en la edición de las óperas de Mikhail Glinka.
Un producto inmediato de este contacto con la música folclórica y la transparente orquestación de Glinka, fue el reencuentro de Rimsky-Korsakov con la creación, ya que comenzó a escribir una ópera armónica y orquestalmente modelada en el estilo del fundacional Glinka. Esta obra fue "La Noche de Mayo"; "Aria de Levko" (Konstantin Lisovksy - tenor) y se basó en una historia corta de Gogol sobre la vida campesina en Ucrania, un personaje que tanto Modest Mussorgsky como Pyotr I. Tchaikovsky ya habían empleado, y fue el primer ensayo en revelar a Nikolai que la mezcla de lo cómico y lo fantástico era el mejor camino para lograr éxito. La partitura completa fue escrita en ocho meses y se produjo en el Marinsky en Enero de 1880 con la voz de Fyodor Stravinsky como protagonista.
Inmediatamente después de producida "La Noche de Mayo", Rimsky-Korsakov comenzó a trabajar en otra ópera, "La Doncella de Nieve" – “Escena de la muerte”, (Anna Netrebko, soprano & Chorus of the Mariinsky Theatre, Orchestra of the Mariinsky Theatre) que se basó en la misma obra de Ostrovsky para la cual Tchaikovsky había escrito música incidental.
Modest Mussorgsky
Ostrovsky otorgó el permiso para adaptar el libreto y la ópera quedó lista en Abril de 1881, siendo estrenada en Febrero de 1882: su pieza orquestal más famosa es "La Danza de los Acróbatas" (Orquesta Filarmónica de Londres, dir. Albert Coates). Después Rimsky-Korsakov dejó de componer durante dos años y a ello se sumó la muerte de Modest Mussorgsky, quien falleció en Marzo de 1881 por lo que Nikolai se propuso la colosal labor de poner en orden los manuscritos de su amigo y así prepararlos para su publicación. Esta labor se tradujo en la "corrección" de los que, según él, eran errores técnicos de Mussorgsky, así como una "mejora" en las melodías y la escritura de las partes.
Otras actividades que le quitaron a Nikolai tiempo para componer fueron la dirección de la Escuela Libre de Música y la asistencia a Balakirev en la dirección musical de la capilla imperial, dos actividades que además le adentraron en otro círculo social. A pesar de realizar tantas tareas, Nikolai no dudó en completar y orquestar la ópera "El Príncipe Igor" que quedó inconclusa con la muerte de Aleksandr Borodin en Febrero de 1877 aunque, ésta vez, fue asistido por Aleksandr Glazunov.
Teniendo escaso tiempo para componer, en la década de 1880 no surgieron nuevas obras de la pluma de Nikolai Rimsky-Korsakov y esos silencios fueron acaparados en todo el mundo occidental por Pyotr I. Tchaikovsky, el contemporáneo que más incomodaba a Nikolai.
Entre 1880 y 1890, la ocupaciones académicas y los compromisos de completar la obras inconclusas de Aleksandr Borodin y de su entrañable amigo Modest Mussorgsky lo habían desplazado de toda presencia en el escenario musical ruso. La excepción al silencio casi impuesto por la avalancha de responsabilidades académica la marcaron el “Concierto para Piano y Orquesta en Do sostenido menor, Op. 30” (Sviatoslav Richter-piano, Moscow Youth Orchestra & dir. Kirill Kondrashin), revisiones de sus sinfonías y un poco de música litúrgica. Solamente en 1886 apareció una partitura nueva, la "Fantasía sobre Temas Rusos para Violín y Orquesta" (Lydia Mordkovitch, violín, Neeme Jarvi, dir. & Royal Scottich National Orchestra).
Un año más tarde compuso otra fantasía: el virtuosismo orquestal del "Capricho Español" (Berliner Philarmoniker, Dir. Zubin Mehta) que consta de cinco movimientos:
1) Alborada, es un baile festivo que celebra la salida del sol. 2) Variazioni (Variaciones). Comienza con una melodía de las trompas y posteriormente desarrolla diversas variaciones sobre el tema, con diferentes instrumentos y secciones de la orquesta asumiendo el protagonismo. 3) Alborada. Presenta el mismo tema del primer movimiento de manera casi idéntica, a excepción de cambios en la instrumentación y en la tonalidad. 4) Scena e canto gitano (Escena y canto gitano). Comprende 5 partes cada una con un instrumento solista diferente: las trompas y trompetas, el violín, la flauta, el clarinete y el arpa. Estas partes para solistas interpretan la melodía sobre un fondo rítmico a cargo de diversos instrumentos de percusión. 5) Fandango asturiano, es un baile vivo de Asturias. La pieza finaliza con una reaparición, más enérgica que nunca, del tema de la Alborada.
Posteriormente compuso la"Suite Sinfónica "Scheherazade" Op.35 basada en Las mil y una noches, esta obra orquestal combina dos características comunes a la música rusa: una deslumbrante y colorida orquestación y un interés por el Oriente, muy destacado en la historia de la Rusia Imperial. La suite está dividida en cuatro movimientos.
El mismo compositor reconoció que estas obras cerraban un período creativo al final del cual la orquestación había obtenido un considerable grado de virtuosidad y brillantez sonora, sin caer bajo la influencia total del orquestador más innovador de aquellos días, el compositor alemán Richard Wagner, y limitándose a la orquesta normal usada por el fundacional de la escuela musical rusa Mikhail Glinka. De hecho fueron sus últimas obras orquestales en esencia, ya que durante los últimos 20 años de su vida escribió solamente suites u otros tipos de arreglos de concierto de sus óperas.
Los Cinco escuchan a una cantante
El hecho que impulsó la decisión de dedicarse por completo a la composición de óperas fue la visita a San Petersburgo del Teatro Richard Wagner de Angelo Neumann, compañía itinerante que ofreció cuatro presentaciones de la tetralogía del Anillo de Wagner durante Marzo de 1889 bajo la dirección de Karl Muck. Nikolai asistió a todos los ensayos y quedó fascinado por el manejo orquestal de Richard Wagner. Justo después de ésta experiencia musical, se realizó un concierto para conmemorar el segundo aniversario de la muerte de Aleksandr Borodin y en ésa ocasión se incluyó la contribución que Rimsky-Korsakov había hecho en la reconstrucción de la ópera "Mlada", un proyecto escénico colectivo realizado alrededor de 1871 junto con César Cui, Aleksandr Borodin y Modest Mussorgsky.
Esta interpretación inspiró a Nikolai la composición de una obra basada en la misma temática y la ópera, profundamente influida por el estilo orquestal de Richard Wagner, quedó lista en 1891 y se estrenó -sin mucho éxito- en noviembre de 1892. El escaso éxito de "Mlada" hizo reflexionar -y demasiado- a Nikolai respecto a su futuro como compositor escénico. La depresión se agudizó con las graves enfermedades que afectaron a su esposa y a uno de sus hijos, la muerte de su madre y la de su hijo menor, y el comienzo de la prolongada y eventualmente fatal enfermedad de otro de sus hijos.
Entre 1891 y 1893, Nikolai abandonó la música casi por completo, dejó de tocar piano y dirigir, interrumpió estudios sobre filosofía y estética, todo acompañado por alarmantes síntomas físicos que le llevaron a buscar ayuda médica diversa. Pero no fue la medicina la que alivió finalmente la depresión en la que estaba sumergido Rimsky-Korsakov: un nuevo giro en la vida de Nikolai vino en diciembre de 1893, cuando la muerte de Pyotr I. Tchaikovsky lo motivó a regresar a la composición y aceptó gustoso dirigir un concierto póstumo a la memoria de su incómodo rival. Evidentemente, éste no fue el último concierto en que se interpretaron obras de Tchaikovsky y, finalmente, las obras de Rimsky-Korsakov no llenaron el enorme vacío musical ruso tras el fallecimiento de Pyotr.
A continuación, Nikolai Rimsky-Korsakov volvió de lleno a la composición plagado de nuevas ideas y compuso la Suite "Vísperas de Navidad": I. Christmas Night, II. Ballet de las estrellas, III. El sabbath de las brujas y la cabalgada sobre lomos del diablo, IV. Polonesa, V. Vakula y las zapatillas, (Scottish National Orchestra & dir: Neeme Järvi)
Al poco tiempo pensó en otra ópera, "Sadkó", basada en una antigua leyenda rusa, pero surgieron otros problemas con el teatro imperial y fue gracias al empresario de ferrocarriles Savva Mamontov -un mecenas de la música, la pintura y el teatro ruso- que pudo montar la obra en la llamada Opera Rusa Privada de Moscú, con cantantes como Shalyapin y la soprano Nadezhda Zabela-Vrubel.
El estreno de "Sadko" se realizó en Enero de 1898. En esta ópera destaca la melodía "Canción de la India" (London Smyphony Orchestra) que más tarde se convirtió en éxito mundial en el arreglo radiofónico al estilo jazz-swing que interpretó Tommy Dorsey y su orquesta en 1936. También sobresale en esta ópera la “Canción del vikingo” (Yoram Chaiter, bajo), cantada con esa voz de bajo profundo tan típica de la música rusa y algunas versiones femeninas de la canción hindú.
Mientras se solucionaban los problemas de producción, tanto de "Vísperas de Navidad" como de "Sadko", Rimsky-Korsakov escribió no menos de cuarenta canciones, así como una ópera miniatura sobre la tragedia de Aleksandr Sergéyevich Pushkin llamada "Mozart y Salieri" (The Chamber Opera Theatre of New York, Thaddeus Motyka, director). Este trabajo musical de Nikolai no es trascendental pero pasó a la historia por difundir el mito de una rivalidad inexistente entre los compositores contemporáneos, de hecho fue Antonio Salieri quien ayudó a Wolfgang Amadeus Mozart en varios apuros financieros y siempre manifestó públicamente su gran admiración por el geniecillo de Salzburgo.
A comienzos de 1898, Rimsky-Korsakov realizó un prólogo para "La Dama de Pskov" y la ópera "La Novia del Zar", cuyas partes más destacables son: el Aria de Marfa (Acto II) (Anna Netrebko, Orchestra of the Mariinsky Theatre & Valery Gergievque) que es la pieza más destacada, y una de las mejores de todo el repertorio ruso, así como la Obertura (Russian National Orchestra & dir, Mikhail Pletnev).
Nadezhda Zabela-Vrubel
Fue representada por la compañía de Mamontov en Moscú en 1899. Entre las estrellas de la compañía de Mamontov se encontraban el joven Fyodor Shaliapin y la soprano Nadezhda Zabela-Vrubel cuya coloratura operática era muy admirada por el compositor y pensando en ella no sólo escribió "La Novia del Zar", sino que concibió el rol de la Princesa Cisne de su siguiente ópera fantástica, "El Cuento de Zar Saltán" ópera en cuatro actos con un prólogo, siete escenas, con libreto en ruso de Vladímir Belski, basado en el poema homónimo de Aleksandr Pushkin.
Una escena musical de la ópera "El Cuento de Zar Saltán" en cuando el protagonista es transformado en abejorro y esta tonada se hizo mundialmente famoso décadas después, y se le conoce como "El Vuelo del Abejorro" (German Philarmoniker), del que se han realizado numerosísimas transcripciones (Horowitz & Cziffra) y diversas interpretaciones en versión jazz y rock (Oscar Peterson). En 1903 se estrenó "Pan Voyevoda" Suite: Nocturno un extenso melodrama que recurrió a la música nacional polaca como un tributo a Fryderyk Chopin.
Después de esta experiencia, Nikolai retornó a su lado ruso más característico con "La Leyenda de la Ciudad Invisible de Kitezh” (The Prague Symphony Orchestra). La música refleja la respuesta de Nikolai a las nuevas tendencias artísticas de la poesía simbolista y las visiones musicales apocalípticas de Scriabin, cuya última ópera pudo ver en escena. Antes de terminar la partitura, Korsakov se vio envuelto en los eventos políticos de 1905. El descontento social que desembocó en el sangriento domingo del 22 de enero también se sintió en el conservatorio y Rimsky-Korsakov intentó calmar a los estudiantes, sin embargo, la injusticia social era demasiada en el decadente Imperio de los Romanov y, finalmente, Nikolai apoyó la protesta ciudadana.
Manifestación del 17 de octubre de1905 (Ilya Repin)
En Febrero, Rimsky-Korsakov envió una carta pública a la prensa demandando reformas políticas; esta carta fue firmada por él y otros 25 músicos entre los cuales estaban Sergéi Rachmaninoff, Sergéi Tanéyev, Aleksandr Grechaninov y Fyodr Shaliapin.
Rimsky-Korsakov, Lyadov y Glazunov
En abril de 1905, al ver Nikolai que el conservatorio era vigilado por la policía, publicó una carta abierta al director, ayudó a los estudiantes que protestaban y lanzó un duro ataque a la élite que controlaba la institución. Ése mes fue despedido y, tras una presentación de su música que desembocó en una demostración política en apoyo suyo, sus obras fueron temporalmente prohibidas por el gobierno imperial.
En el verano, Rimsky-Korsakov regresó a su hacienda campestre, continuó escribiendo su autobiografía, realizó un análisis temático de "La Doncella de Nieve" y escribió una parte considerable de su libro de orquestación. También pensó en organizar una escuela privada de música, pero el conservatorio fue reabierto con una constitución más libre, volvieron los profesores despedidos tras el abuso policial ocurrido semanas atras y Aleksandr Glazunov, otrora alumno de Nikolai, fue elegido director, por lo que el viejo músico-almirante retomó sus tareas de compositor y maestro sin censura alguna.
En 1906, Rimsky-Korsakov volvió a trabajar en "Boris Godunov" y en Octubre comenzó a componer "El Gallo de Oro" (The Chorus of the Mariinsky Theatre, St Petersburg & The Orchestre de Paris & dir. Kent Nagano), Aria “Himno al sol” (Olga Trifonova, soprano; Kent Nagano dir. & The Orchestre de Paris) basado en un cuento satírico de Aleksandr Sergéyevich Pushkin. Sin embargo, el libreto de "El Gallo de Oro" fue censurado por el Imperio y los últimos cuatro meses de la vida de Rimsky-Korsakov se vieron enturbiados por problemas con la autoridad censuradora ante la incontrolable rebelión civil de una cada vez más grande población de marginados consecuentes de los excesos de la aristocracia rusa. Un problema cardíaco le causaría la muerte al Almirante Nikolai Rimsky-Korsakov el 21 de Junio de 1908, mientras que "El Gallo de Oro" no se estrenó hasta Octubre de 1909.
El 18 de marzo de 1941 nació en Prattville (Alabama) el cantante norteamericano de R&B, pop y soul, Wilson Pickett, figura crucial en el desarrollo de la música soul sureña. Aunque existe la tendencia de considerar a Pickett un intérprete soul por detrás en importancia de Otis Redding o Aretha Franklin, es el favorito de los que prefieren ese soul más crudo y sudoroso que generó algunos de los mejores ritmos para bailar de la década de los sesenta.
Wilson Pickett
Wilson fue el menor de once hermanos y sufrió malos tratos en su infancia. Su madre lo tenía aterrorizado y cuando tocaba reñirle le pegaba con la sartén o con lo que tuviera a mano. Más de una vez se escapó de casa con su perro pasando los días en un bosque. Cantaba gospel en el coro de la iglesia y en pequeños grupos vocales. Un día su abuelo -predicador en la iglesia- sorprendió a Wilson con una copia del disco 'Ain't nobody here but us chickens' de Louis Jordan, considerada música pagana, por lo que se ganó otra soberana paliza. En 1955 para huir del futuro que le esperaba recogiendo algodón en Alabama, se trasladó a Detroit con su padre.
The Falcons previos a la llegada de Wilson
Allí fue uno de tantos negros emigrantes del sur que ponían a punto sus voces cantando en las iglesias y en espontáneos grupos callejeros que surgían en las esquinas entonando doo-wop. En 1961 se unió a The Falcons, banda que contaba entre sus miembros a la futura estrella del soul de Memphis Eddie Floyd y a Joe Stubbs, hermano de Levi, de los Four Tops. Pickett comenzó a escribir canciones para el grupo y en 1962 publicaron'I found a love' -cantada por Wilson- que alcanzó el Top5 de las listas de R&B y logró entrar en el Hot100.
A continuación, Pickett grabó como solista 'I'm gonna cry', su primera colaboración con Don Covay. Grabó asimismo una demo de un tema que había compuesto, 'If you need me', una balada soul que incluía un recitado. Se la envió a Jerry Wexler, productor de Atlantic Records, quien al oir la canción se la pasó a uno de los artistas del sello, Solomon Burke, quien logró con ella uno de sus mayores éxitos (nº2 en R&B y nº37Pop), considerado hoy un standard del soul.
Jerry Wexler y Bert Berns
Pickett, que grabó su propia versión -con mucho menor éxito- en el sello Double L Records, aunque destrozado por la jugarreta de Wexler, no le guardó rencor y, tras conseguir su primer Top10 con 'It's too late' en Double L, en 1964 firmó con Atlantic Records. Sus comienzos en el sello fueron difíciles, ya que le encargaron la producción de Wilson a Bert Berns, un productor esencialmente pop, que seleccionó canciones de Barry Mann y Cinthia Weil como 'Come home baby', un dueto con Tami Lynn que no tuvo repercusión.
Por fin, en 1965, Wexler decidió llevar a Pickett a grabar a los estudios Stax de Memphis, de Jim Stewart, con quien Atlantic tenía un acuerdo. La sesión que se realizó allí liberó la energía vocal de Wilson y se materializó en el disco más conocido de su carrera, 'In the midnight hour'.
Stax Records
El proceso de grabación tipificó las asociaciones creativas que se llevaban a cabo en los estudios Stax, donde el grupo de músicos residentes era interracial, algo inédito en el resto del país. Fue un guitarrista blanco, Steve Cropper, quien trabajó con Pickett en el desarrollo de unas voces que Pickett había estado ensayando en sus shows en directo. Pero fue Wexler el responsable de la configuración rítmica de 'In the midnight hour', mostrándoles a los músicos un nuevo baile adolescente que arrasaba en las pistas del país, 'The Jerk' en el que se acentuaba el contrapunto.
Fue nº1 en las listas de R&B y nº21 en el Hot100, pero independientemente de este logro, la canción fue tremendamente popular, siendo versionada por miles de grupos blancos y negros en escenarios y estudios durante la segunda mitad de los años sesenta. Otros temas grabados en Stax, en cuyas sesiones, además de Cropper, participaron Isaac Hayes, Donald 'Duck' Dunn y Al Jackson, fueron 'Don't fight it','Ninety-nine and a half (Won't do)' y '634-5789 (Soulsville, USA)', que fue nº1 en las listas de R&B y nº13 en el Hot100.
Rick Hall
Posteriormente, a causa de la ruptura del acuerdo entre Stax y Atlantic, tuvo que cambiar de estudio y viajar más al sur, a los estudios FAME de Muscle Shoals en Alabama. Cuando desde el avión, Wilson vio los campos de algodón que había dejado atrás once años antes le recorrió un escalofrío: "Miré hacia abajo y ví a todos aquellos negros recogiendo algodón y dije: 'Mierda, den la vuelta, yo no voy a volver ahí de ninguna manera'. Cuando vi a Rick Hall esperándome en el aeropuerto pensé que si hubiera sabido que Wexler me enviaría allí con aquel tipo blanco del sur, no hubiese subido jamás al avión. Y hubiese cometido el mayor error de mi vida. Aquel tío hacía un gran trabajo por allí abajo"
Estudios FAME
Rick Hall le ofreció a Pickett la misma atmósfera de trabajo que había disfrutado en Memphis y Wilson siguió grabando éxitos en la misma línea como 'Land of the 1000 dances', que fue Top10 en el Hot100 y tan versionada como 'In the midnight hour', 'Mustang Sally' y 'Funky Broadway'. Aún así la relación de Pickett con los músicos de estudio no fue la mejor, estando Pickett convencido de que todos pertenecían al Ku-Klux-Klan.
A principios de 1969 volvió a los estudios Fame donde trabajó con un grupo que tenía en sus filas a un joven Duane Allman. De estas sesiones surgieron temas como 'Hey Jude', 'Mini skirt Minnie' y 'Hey Joe'. Ese mismo año grabó en los Criteria Studios de Miami versiones de 'You keep me hanging on' de las Supremes y 'Sugar sugar' de los Archies, así como un tema propio, 'She said yes'.
En 1971 trabajó con los productores de Philadelphia Gamble y Huff y publicó algunos éxitos menores más como 'Don't knock my love' y 'Get me back on time, engine number 9.', pero los gustos estaban cambiando y la música disco invadía las pistas de baile del país. Al año siguiente abandonó Atlantic para fichar por RCA Records y desafortunadamente no fue una excepción del dicho de la época que aseguraba que los artistas que abandonaban Motown y Atlantic no volvían a levantar cabeza.
Su último hit fue 'Fire and water' en 1972. Siguió apareciendo hasta finales de los años setenta en las listas de R&B y continuó activo en el circuito de giras.
En 1991 su música fue reivindicada para las nuevas generaciones con el estreno del film 'The Commitments', que narraba el ascenso de un grupo irlandés de ficción, cuyo repertorio estaba compuesto por temas de soul americano, especialmente los de Pickett. El año siguiente se publicó un disco doble con todos sus éxitos titulado 'A Man and a Half', que le trajo nuevos admiradores, pero Wilson estaba por retirarse pronto: "Las viejas carrozas tenemos que apartarnos para dejar paso a los nuevos vehículos. Me gustaría retirarme pronto con una buena imagen, un gran hit y un montón de pasta en el bolsillo".
Desgraciadamente la buena imagen se vio manchada ese mismo año. Tenía mal beber y fue procesado y encarcelado por amenazar con armas de fuego, por conducir bebido, por agredir a su novia y por invadir con su coche el jardín de su vecino. El vecino era el alcalde de Englewood (Nueva Jersey), que le perdonó -a cambio de un concierto gratuito- tras diagnosticar que "el peor enemigo de Wilson Pickett es Jack Daniels". No obstante, su lugar en la historia de la música popular está asegurado. En 1995 fue admitido en el Salón de la Fama del Rock & Roll, en 1999 publicó un álbum con nuevas canciones 'It's harder now', que recibió una nominación al Grammy y en 2000 apareció en el film 'Blues Brothers 2000'. Continuó ofreciendo conciertos hasta 2004, año en que tuvo que dejar los escenarios a causa de un grave deterioro de su salud. Murió de un infarto en enero de 2006 a los 64 años.
El 17 de marzo de 1901 nació en New Haven (Connecticut), el compositor, arreglista y director de orquesta Alfred Newman. Famoso por las numerosas bandas sonoras que compuso en su carrera de más de cuarenta años, fue el patriarca de una dinastía de compositores para el cine y la TV que incluye a sus hermanos, Emil y Lionel Newman, sus hijos David y Thomas Newman, y su sobrino Randy Newman.
El mayor de diez hermanos, pronto demostró ser un niño prodigio, estudiando piano a los cinco años con Sigismund Stojiowski y caminando quince kilómetros diarios para practicar en el piano de un amigo. Fue capaz de contribuir a la pobre economía familiar, tocando en teatros y restaurantes y actuó en shows de vodevil donde se le anunciaba como el 'maravilloso niño pianista'. Estudió composición con Rubin Goldmark y a con veinte años se estableció en Nueva York comenzando una etapa de diez años en Broadway dirigiendo musicales de Gershwin, Rodgers y Jerome Jern. En 1930 acompañó a Irving Berlin a Hollywood para el rodaje de una película llamada 'Reaching for the moon' y en Los Angeles dio clases privadas con Arnold Schoenberg. Tras acabar el film con Berlin, encontró trabajo con Samuel Goldwyn en United Artists, escribiendo su primera banda sonora en 1931 para el film 'Street Scene'.
El sistema que ideó, el 'Newman System', para sincronizar la actuación en el rodaje con el material grabado de la banda sonora, aún es utilizado hoy día. Tras dejar la Fox en 1960, trabajó de forma independiente y compuso la música para películas como 'La conquista del oeste' (1963) y'La historia más grande jamás contada' (1965). Newman obtuvo nueve premios de la Academia, más que ningún otro compositor en la historia de los Oscar. Sus 45 nominaciones sólo fueron superadas por John Williams y Walt Disney. Su última obra fue la música para el film de 1970 'Airport'. Murió en febrero de ese año, un mes antes de cumplir los 70 años.
El 17 de marzo de 1919 nació en Montgomery (Alabama) el pianista y cantante de jazz y pop Nathaniel Adams Coles, más conocido como Nat 'King' Cole, uno de los más populares intérpretes de la historia de la música popular norteamericana. Con su combo de jazz King Cole Trio en los años cuarenta o en su útlima etapa como crooner, Nat fue responsable del éxito de clásicos como 'Sweet Lorraine', 'Nature Boy', 'The Christmas song', 'Ramblin' Rose' y 'Mona Lisa'. Fue uno de los primeros artistas que firmó en 1943 con la recién creada Capitol Records, convirtiéndose durante muchos años en el buque insignia del sello. La torre que alberga la sede de la compañía en Los Ángeles recibió durante muchos años el nombre de "El edificio que Nat construyó"
Bronzeville a principios del siglo XX
Siendo todavía un niño, su familia se trasladó a Chicago, al barrio negro de Bronzeville, donde su padre, que era carnicero, se convirtió en ministro de la iglesia baptista. Con cuatro años, empujado literalmente por su hermano a un escenario, cantó 'Yes, we have no bananas' en un concurso de talentos, donde ganó como premio un pavo. Su madre, Perlina, tocaba el órgano en la iglesia y fue ella la que le dio sus primeras y únicas lecciones de piano con el deseo de que Nat fuera concertista de piano.
Jóvenes de Bronzeville en 1940
Estudió todo tipo de piezas clásicas, desde Bach hasta Rachmaninoff, pero Nat prefirió aplicar su talento con sentido práctico. En el kindergarten tocaba el piano para el profesor, acompañando con su música los juegos de clase. Con once años tocaba con su hermana en la iglesia baptista True Light, donde oficiaba su padre. Pero con 16 años comenzó a interesarse por el jazz y formó su propio grupo: los Royal Dukes. Tocaban por la calderilla y, cuando no conseguían dinero, lo hacían por un par de perritos calientes.
Las bailarinas de Shuffle Along
Poco después Nat dejó el grupo y se unió a su hermano Eddie, que había formado la banda Rogues of Rhythm (Los golfillos del ritmo). Estos se unieron a un revista musical negra, 'Shuffle Along', activa desde los años veinte, con la que realizaron una gira por California. Allí conoció Coles a su primera mujer, Nadine Robinson, una de las bailarinas de la revista, con la que se casó en enero de 1937. Cuando 'Shuffle Along' concluyó la gira en Long Beach, Nat, sin empleo fijo, comenzó a tocar en 1939 por los clubs de la zona de Los Angeles.
Nat Cole Trio
En uno de ellos, el Century Club, fue descubierto por Bob Lewis, propietario del Swanee Inn. Este urgió al pianista a formar un pequeño grupo para tocar en su club y Nat, aunque Lewis prefería un cuarteto- eligió al bajista Wesley Prince y al guitarrista Oscar Moore, formando los Swingsters Three, trío renombrado inmediatamente por Lewis como King Cole Trio (sin la ese final). De nuevo con trabajo fijo, la música que practicaba el trío era instrumental, aunque poco a poco Nat, cuyo modelo en el piano era Earl Hines, deslizaba -a pesar de avergonzarse de su voz- de cuando en cuando un tema cantado para romper la monotonía del pase. La leyenda cuenta que un cliente que había bebido más de la cuenta, ante la persistente insistencia para que cantara una canción, logró que Nat -que no se sabía la canción que pedía y para quitárselo de encima- accediera, y cantara en su lugar 'Sweet Lorraine' (1940), dando comienzo así a su carrera como cantante. Aunque el trío llegó a ser muy conocido y popular en el área de Los Angeles, una gira nacional que realizaron, no cumplió las expectativas.
A Cole se le consideraba un pianista de jazz brillante. Apareció, por ejemplo, en los primeros conciertos de 'Jazz at the Philharmonic' (JATP). Su grupo, compuesto únicamente por piano, guitarra y bajo en la época de las grandes bandas significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. Cole actuó también como pianista acompañante de artistas de la categoría de Lester Young, Red Callender y Lionel Hampton.
Cuando en 1942 Glenn Wallichs, admirador de la música de Cole y su trío, se asoció con Johnny Mercer y Buddy DeSylvia para crear Capitol Records, Nat fue de los primeros artistas en firmar con el sello. En 1943 grabó sus primeras entradas en la Harlem Hit Parade, 'That ain't right' y'All for you', que también logró entrar en las listas de pop blancas. Le siguió 'Straighten up and fly right', que muchos consideran una de las grabaciones precursoras del rock & roll. Compuesta por Cole, está basada en un cuento folk que su padre solía contar en sus sermones de la iglesia. Fue nº1 en las listas negras y Top10 en las listas pop
En 1946, cuando conoció a su segunda mujer Marie Ellington, Nat ya era conocido en todo el país gracias a temas como '(Get your kicks on) Route 66','Gee, baby, ain't it good to you' y 'I can't see for looking'. Ese mismo año, en el mes de noviembre, consiguió su primer nº1 en las listas pop blancas de Billboard con 'I love you (For sentimental reasons)', que se mantuvo seis semanas en el puesto de honor y poco después, su fama se consolidó con el villancico 'The Christmas song', de Mel Tormé, que Cole grabó en cuatro ocasiones, siendo la última versión de 1961, con acompañamiento de orquesta y en estéreo, la más conocida y popular.
Nat y su hija Natalie
En 1948, año en que consiguió su segundo nº1 con 'Nature boy', se divorció y una semana después se casó con Marie Ellington que, aunque había cantado en la orquesta de Duke, no tenía parentesco con él. Con Marie tuvo tres hijas (la mayor, Natalie, seguiría con éxito la carrera de su padre) y dos adoptados.
Para entonces Cole era una estrella nacional que gustaba tanto a negros como blancos y se había dado cuenta de que lograba más éxito como crooner acompañado de orquesta que con el trío, por lo que tras lograr un nuevo hit con'Mona Lisa' (1950), uno de sus temas más conocidos, disolvió el King Cole Trio y dejó de tocar el piano en sus grabaciones. La clara dicción que Cole ejecutaba con su voz de barítono conseguía que las letras de sus canciones fueran cantadas por todo el mundo. Los autores se apresuraban a llevar sus composiciones a Capitol para ofrecerle sus canciones a Nat, porque sabían que si la cantaba él, tenían un 80% de probabilidades de obtener un éxito.
En 1951 logró un nuevo nº1 con 'Too young', y otro de los éxitos de ese año fue 'Unforgettable', un tema escrito por Irving Gordon, originalmente llamado 'Uncomparable', que sería el tema más emblemáico de Nat King Cole.
Marie y Nat Cole
Nat y Marie Cole personificaron la aceptación de las 'parejas negras' en la sociedad hollywoodiense. En noviembre de 1956 Cole hizo historia en la TV estadounidense, siendo el primer artista negro en presentar con'The Nat King Cole Show' un programa de variedades, que a pesar de la controversia suscitada y de la falta de patrocinio por una empresa nacional, logró mantenerse en antena un año, gracias a pequeñas empresas regionales y las colaboraciones de colegas y amigos como Ella Fitzgerald, Harry Belafonte, Frankie Laine, Mel Tormé, Peggy Lee y Eartha Kitt, los cuales actuaban sin cobrar para evitar gastos al programa.
Cole luchó durante toda su vida contra el racismo y se negó a actuar en los lugares en los que se practicaba la segregación racial. En 1956, mientras actuaba en Alabama, sufrió un ataque de miembros del 'Consejo de Ciudadanos Blancos' que pretendían secuestrarlo. Sufrió diversas heridas durante el asalto pero completó la actuación, en la que anunció que no volvería nunca más a actuar en el sur.
Aunque el rock & roll'Send for me' (1957) fue otro éxito para Cole, el gusto de los jóvenes había cambiado radicalmente y el estilo de crooner de Nat, así como el de Dean Martin, Frank Sinatra y Tony Bennett quedó relegado a audiencias más tradicionales, dejando paso en las listas a nuevos y jóvenes artistas. Nelson Riddle, colaborador durante años de Cole, abandonó Capitol Records para trabajar junto a Sinatra en su recién creado sello Reprise Records. Cole grabó un último trabajo con Riddle recogido en el álbum 'Wild is love' (1960), un álbum conceptual con temas escritos por Ray Rasch y Dotty Wayne. En los años sesenta aun fue capaz de conseguir hits como el influido por el country 'Ramblin rose', 'Dear lonely hearts','That sunday, that summer' y su último hit, 'Those lazy-hazy-crazy days of summer' (1963)
Cole era un gran fumador de los cigarrillos Kool. Consumidor de tres cajetillas diarias, estaba tan convencido de que eran los cigarrillos los que originaban ese sonido especial de su voz, que llegó a desarrollar la costumbre de fumar varios seguidos antes de cantar o grabar. A finales de 1964 Cole sufrió una aguda tos y un dolor en el pecho. Ingresado en el hospital de Santa Monica el mes de diciembre, se le descubrió un tumor en un pulmón, del que murió el 15 de febrero de 1965 a los 45 años. Su último álbum, 'L-O-V-E', grabado pocos días antes de su ingreso en el hospital, alcanzó el top5 de las listas de álbumes en 1965 y 18 años después, un empleado de Electrola, sello subsidiario alemán de Capitol Records, descubrió en sus archivos varios temas inéditos de Cole, entre ellos, uno en japonés y otro en español, 'Tú eres tan amable'.
I. «El mar y el barco de Simbad»: Largo e maestoso —Allegro non troppo en Mi mayor, (Kurt Masur, dir. & the Leipziger Gewandhausorchester)
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