Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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LP 1968: ‘SUPER SESSION’ (Al Kooper, Mike Bloomfield, Stephen Stills)
El 22 de julio de 1968 se publicó en Estados Unidos 'Super Session', bajo el sello Columbia Records, que reflejaba el trabajo en estudio del organista Al Kooper con los guitarristas Mike Bloomfield y Stephen Stills, los cuales tocaron en sesiones separadas. El álbum, cuya producción costó solo 13.000$, vendió más de medio millón de copias y alcanzó el puesto 13 de Billboard. Fue, debido a su éxito, uno de los que se citan como iniciadores del concepto 'supergrupo' al final de la década de los sesenta y es uno de esos trabajos al que no le ha sentado mal el paso del tiempo.
El 22 de julio de 1977 se publicó en el Reino Unido ‘My Aim Is True’, el álbum debut del cantante y compositor Elvis Costello. El joven MacManus había estado actuando en pubs y clubs de Liverpool y Londres desde 1970 y cuando logró firmar contrato en 1976 con el recién fundado sello Stiff Records, ya tenía suficientes temas escritos como para llenar un álbum. Compuestos en sus escasos ratos libres de madrugada y en el metro de camino a su trabajo en una oficina, se grabaron asimismo de madrugada en seis sesiones de cuatro horas con un coste de 1.000£. La producción corrió a cargo de Nick Lowe, que se encargaría también de los cuatro siguientes álbumes de Costello. Dos canciones de ‘My Aim Is True’ se publicaron unos meses antes editados en single: ‘Less than zero’ y ‘Alison’. Cuando la compañía publicó el álbum, pidieron a Costello que dejara el trabajo igualándole el sueldo de su oficina, un adelanto de 150£, un amplificador y un magnetófono para grabar sus maquetas. Tres semanas después de la aparición del disco, Elvis ya ocupaba la portada de una revista musical. Costello describió la situación como “un éxito de la noche a la mañana tras siete años de trabajo”. En la edición americana, publicada en marzo del año siguiente (1978) se incluyó el tema ‘Watching the detectives’, aparecido en el Reino Unido como single en octubre del 77.
51 años cumple hoy Rufus Wainwright, cantante y compositor estadounidense-canadiense hijo y hermano de cantantes. Rufus compone música pop que suena a otra era, como si sus competidores, en vez de ser Jewel, Britney Spears o los Red Hot Chili Peppers, fueran en realidad Cole Porter, Irving Berlin o los hermanos Gershwin. Consciente de su homosexualidad desde los catorce años, sin embargo entre sus fans existe una mayoría de mujeres. Con su breve aparición en un comercial la noche de Fin de Año en 1998, cantando 'What are you doing New Year's eve?', terminó de llamar la atención del gran público que comenzó a apreciar sus interpretaciones llenas de sentimiento y emoción.
El padre de Rufus es el conocido cantautor folk rock Loudon Wainwright III, autor del tema 'Dead skunk' que fue Top20 en 1973, su única entrada en listas. Se separó de la también cantante folk Kate McGarrigle cuando Rufus contaba cuatro años de edad. Rufus se crió con su madre en Canadá y con seis años comenzó a estudiar piano. La atmósfera artística y bohemia que reinaba en casa de los McGarrigle atraía a numerosos músicos que pasaban a menudo por allí. En el círculo familiar, Rufus y su hermana Martha montaban y escenificaban pequeños shows para su abuela. En el tocadiscos de la casa era habitual escuchar todo tipo de ópera y mamá McGarrigle supervisaba los progresos al piano de sus hijos.
Ya de adolescente, Rufus se incorporó al número artístico familiar, acreditado como 'McGarrigle Sisters and Family'. Realizaron giras por Norteamérica y Europa y con catorce años, Rufus compuso su primera canción, 'I'm a runnin'' para un filme infantil en el que también participó como actor siendo nominado por ello a un Juno y un Genie, los equivalentes canadienses al Grammy y Oscar, respectivamente.
En una de las escasas visitas de su padre (se veían un par de semanas al año), Loudon ya percibió la homosexualidad de Rufus, cuando éste pretendía emular a Blondie cada vez que sonaba 'Heart of glass' en la radio. Efectivamente, Rufus comenzaba a tener conflictos con su sexualidad y, por aquel tiempo muy aficionado a la ópera, solía identificarse más con los papeles de las heroínas con destino fatal que con los papeles de tenor. Otros de sus iconos de aquella época eran Edith Piaf y Judy Garland. Ingresó en la prestigiosa escuela privada Millbrook School, situada en las afueras de Nueva York, En un entorno idílico y rural, Rufus recobró su equilibrio emocional y, ya perfectamente reconciliado con su homosexualidad, comenzó a tomar parte en musicales como 'Cabaret' y 'Godspell'. Volvió a Canadá para estudiar composición clásica en la Universidad McGill de Montreal, pero lo dejó cuando se dio cuenta que ponían más énfasis en los aspectos tecnológicos de la música que en la inspiración artística.
Fue entonces cuando se propuso componer canciones para el mercado pop. Animado por su madre, aprendió a tocar también la guitarra y poco a poco fue encontrando su propia voz y personalidad artística. Una de sus demos llegó a manos de su padre, el cual se la pasó a uno de sus amigos del negocio, Van Dyke Parks. Éste, a su vez mandó las cintas a Lenny Waronker de DreamWorks, en cuyo sello grababa el padre de Rufus. Antes de escuchar las demos, Waronker pensó para sí: "Si este chaval tuviera la mitad del talento y la musicalidad de su madre y otra mitad de la voz de su padre podríamos tener algo interesante". Cuando por fin terminó de oir el trabajo de Rufus, pasaron unos segundos antes de que cerrara la boca y exclamara: "Oh, Dios mío!! Esto es impresionante!!"
Waronker, que acababa de aterrizar en DreamWorks -la compañía de Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg- para liderar su sección musical, puso a Rufus a trabajar con el productor Jon Brion. Pasaron un tiempo inusualmente largo (casi tres años entre 1996 y 1997) realizando el álbum y grabaron más de 50 canciones. Los costes de producción se elevaron a 700.000$. No obstante, muchos consideraron el dinero bien empleado. Su álbum debut, 'Rufus Wainwright' contenía cortes memorables como el operístico 'Foolish love', 'Barcelona' y 'Damned ladies' o 'Millbrook' dedicado a sus compañeros de escuela, pasando por el inquietante 'Matinee idol' en memoria del fallecido River Phoenix. En Rolling Stone, Neva Choni escribía: "Si las canciones de Rufus Wainwright les pueden parecer standards de toda la vida, es porque sus canciones desprenden clase y elegancia".
Con el fin de inspirarse para escribir las canciones de su segundo álbum, Rufus se alojó durante seis meses en el famoso Chelsea Hotel. 'Poses' se publicó en junio de 2001 recibiendo magníficas críticas pero sus ventas fueron menores que su trabajo anterior. Incluía canciones como 'Cigarettes and chocolate milk' o la que daba título al álbum, además de una versión del tema de Lennon'Across the universe'.
A continuación se aficionó al 'cristal' (metanfetamina) y en 2002, adicto hasta las cejas y tras pasar lo que el llamó la "semana más surrealista de mi vida" en la que realizó un cameo en una serie de TV británica, pasó varias noches de fiesta con Barbara Bush, hija de George W. Bush, cantó con Antony and the Johnsons en una presentación de una colección de moda y acompañó a su madre y a Marianne Faithfull en una 'salida nocturna libertina', decidió poner fin a su adicción. "Pensé que, o bien ingresaba en una clínica o me iba a vivir un tiempo con mi padre. Necesitaba a un cabrón sin escrúpulos para que me diese un par de gritos y él encajaba en el papel"
Su siguiente entrega fue 'Want', pensada en principio como un álbum doble y que finalmente fue publicada en dos partes: 'Want One' en 2003 y 'Want Two' en 2004. Un año después contribuyó con su voz a un tema del aclamado álbum debut de Antony & the Johnsons, 'I am a Bird Now' y al álbum de Burt Bacharach'At This Time'. Para la banda sonora de 'Shrek', aportó en 2007 su versión del 'Hallelujah' de Cohen.
Su quinto álbum, 'Release the Stars' se publicó en el sello Geffen en mayo de 2007. Producido por el mismo Wainwright, contaba con participaciones de Richard Thompson, Neil Tennant, Joan Wasser y su hermana Martha así como su madre Kate McGarrigle, entre otros. Fue nº2 en las listas británicas y se extrajeron tres singles publicados en iTunes: 'Going to a town', 'Rules and regulations' y 'Tiergarten'.
En 2006 Wainwright ofreció un recital en el Carnegie Hall en el que recreó completamente el famoso y legendario concierto que dio Judy Garland allí mismo en 1961. Repitió el mismo show, llamado 'Rufus does Judy at Carnegie Hall' en el London Palladium, el Olympia de Paris y el Hollywood Bowl de Los Angeles.
Tras una extensa gira entre los años 2007 y 2008, Rufus comenzó a componer su primera ópera, 'Prima Donna'. Fue estrenada en Manchester en 2009 con división de opiniones. Ese mismo año anunció la grabación de su nuevo álbum de estudio, 'All Days Are Nights: Songs For Lulu', publicado en la primavera de 2010 y cuyo adelanto en single fue 'Who are you New York?'.
Jörn Weisbrodt y Rufus Wainwright
El año 2011 se puso a la venta 'House of Rufus', una caja que contiene sus seis discos de estudio, dos en directo, dos con material inédito y seis DVDs, una colección que abarca prácticamente toda su producción en audio y video hasta esa fecha. En abril de 2012 apareció 'Out Of The Game', cuyo video promocional estuvo protagonizado por la actriz británica Helena Bonham Carter. Rufus está casado desde principios de 2012 con el director artístico alemán Jörn Weisbrodt y un año antes, en febrero de 2011 anunció el nacimiento de una hija, concebida con su amiga de la infancia, Cora Cohen, hija del célebre cantautor canadiense.
El año 2015 se publicó en el sello Deutsche Grammophon la grabación de 'Prima Donna'. En el mismo sello se editó 'Take All My Loves: 9 Shakespeare Sonnets', álbum publicado en abril de 2016. Contiene nueve adaptaciones de sonetos de Shakespeare e incluye colaboraciones de artistas invitados como Helena Bonham Carter, Fiora Cutler, Peter Eyre, Carrie Fisher, Inge Keller, Siân Phillips, Anna Prohaska, William Shatner, Martha Wainwright y Florence Welch. Su segunda ópera 'Hadrian' se estrenó en octubre de 2018 en Toronto y su publicación más reciente fue el álbum ''Folkocracy' en junio de 2023.
77 años cumple hoy Don Henley, cofundador, baterista, guitarrista y cantante del grupo Eagles. Durante las 'vacaciones' que el grupo se tomó desde 1980 hasta 1994 para desarrollar proyectos en solitario, Don fue el que más éxito obtuvo, consiguiendo -además de los seis ganados con los Eagles- dos premios Grammy por los temas 'The boys of summer' (1984) y 'The end of the innocence' (1989).
Don nació en Linden, una pequeña ciudad del noreste de Texas y asistió a la North Texas State University en Denton entre 1967 y 1969. En 1970 se trasladó a Los Angeles para grabar un álbum con su primera banda, Shiloh, producido por su paisano Kenny Rogers. Poco después, Henley conoció a Glenn Frey y ambos se convirtieron en miembros del grupo de acompañamiento de Linda Ronstadt, etapa en la que desarrollaron un sonido muy compacto con la ayuda de Bernie Leadon y Randy Meisner. Esto llevó a que, una vez terminado su trabajo con Ronstadt, decidieran formar en septiembre de 1971 su propia banda, los Eagles. Su primer trabajo tuvo un éxito casi inmediato, gracias a la consistencia de sus primeros hits: 'Take it easy', 'Peaceful easy feeling' y 'Witchy woman' (co-escrito por Henley y Leadon).
Leadon, Henley, Meisner y Felder
El segundo esfuerzo de los Eagles, 'Desperado', fue de nuevo un gran disco de country rock que, a pesar de contener hits como 'Tequila sunrise' y el que dio título al álbum, cantado por Henley, recibió críticas más tibias. El resultado fue que en su tercer álbum, 'On the Border' intentaron distanciarse de la etiqueta country-rock. Para ello, Leadon llamó a su compañero de colegio Don Felder, quien con su aportación a la guitarra contribuyó al Top10, 'Already gone'.
Con el gran éxito de 'On the Border' y su continuación, 'One of these nights', cuyo single del mismo título estaba cantado por Henley, las tensiones crecieron en el grupo ya que Leadon se sentía frustrado al comprobar que la dirección musical del grupo había cambiado de sus amados country y bluegrass a un rock 'AOR' destinado a llenar estadios. En 1975 Leadon abandonó los Eagles y fue sustituido por Joe Walsh (ex-James Gang).
Los Eagles en 1976
El primer álbum con la nueva formación, 'Hotel California' se mantuvo ocho semanas en el primer puesto y es su álbum más vendido, con más de 16 millones de copias sólo en los Estados Unidos. Produjo dos singles que asimismo fueron nº1, 'Hotel California', también con voz solista de Don Henley y 'New kid in town'. Fue el trabajo definitivo que los encumbró internacionalmente. Seguidamente, el bajista Randy Meisner abandonó el grupo y fue remplazado por el ex-Poco Timothy Schmit.
Don Henley y Stevie Nicks
Dos años tardaron en publicar su siguiente trabajo, 'The Long Run' (1979), que contenía hits como el que dio título al álbum (de nuevo con voz solista de Henley), 'Heartache tonight' (que fue nº1) y la balada 'I can't tell you why'. Pero las tensiones crecieron en el grupo y tras una fuerte discusión de Frey y Henley en julio de 1980, los Eagles se separaron. A continuación, Henley inició su carrera en solitario y cantó junto a Stevie Nicks (su novia en aquella época) el tema 'Leather and lace'.
Su primer álbum, 'I Can't Stand Still' (1982) tuvo un éxito moderado. Sin embargo el single'Dirty laundry' fue un Top5 en 1983 y fue disco de oro. En 1984 publicó 'Building the Perfect Beast' (1984), cuyo single, 'The boys of summer' también alcanzó el Top5 de Billboard y Don obtuvo por él un Grammy a la mejor interpretación masculina de rock. El video que se rodó para la canción, dirigido por Jean-Baptiste Mondino ganó varios premios MTV, incluido el de 'mejor video del año'. Otros temas del álbum como 'All she wants to do is dance' (Top10), 'Not enough love in the world' y 'Sunset grill' también fueron muy emitidas por las FMs.
Su siguiente álbum, que tardó cinco años en aparecer, 'The End of Innocence' (1989) tuvo mayor éxito aún. El tema que dió título al álbum fue una colaboración con Bruce Hornsby que alcanzó el Top10.
Otros temas populares del álbum fueron 'The heart of the matter', 'The last worthless evening' y 'New York minute'. En 1992 grabó un dueto con Patty Smyth, 'Sometimes love just ain't enough', que fue nº1 en Canadá y nº2 en Estadoa Unidos. Una disputa legal con Geffen Records lo tuvo unos años sin grabar hasta que se resolvió con la reconciliación de Frey y Henley y la vuelta de los Eagles en abril de 1994 para una actuación, que Frey anunció así: "Por cierto, nunca nos separamos. Simplemente nos tomamos unas vacaciones de 14 años".
Los Eagles en 1994
La formación de 'The Long Run', Felder, Henley, Frey, Walsh y Schmit grabó el álbum 'Hell freezes Over' (El infierno se congela), llamado así por la contestación que dio Henley en una ocasión a un periodista cuando éste le preguntó cuándo se volverían a reunir los Eagles."Cuando el infierno se congele!", le espetó. El álbum debutó en el nº1 de las listas y contenía cuatro temas nuevos, dos de los cuales, 'Get over it' y 'Love will keep us alive' alcanzaron el Top40.
En 1998, los siete miembros pasados y actuales de Eagles se reunieron para la ceremonia de su ingreso en el Salón de la Fama del Rock'n'Roll e interpretaron juntos 'Take it Easy' y 'Hotel California'. Don Henley siguió alternando su trabajo con los Eagles con su propia carrera en solitario, publicando en mayo de 2000 su último álbum hasta la fecha, 'Inside Job'.
En febrero de 2001, Don Felder fue expulsado de los Eagles y la banda continuó como cuarteto. En octubre de 2007 publicaron 'Long Road out of Eden', su primer trabajo con canciones originales desde 1979, que les supuso dos nuevos premios Grammy y otro debut del álbum en el nº1 de las listas, lo que hace ya su sexto trabajo que alcanza el puesto de honor. En junio de 2009 apareció el recopilatorio 'The Very Best Of Don Henley' y el 18 de julio de 2015 se anunció la salida de su nuevo álbum en solitario, 'Cass County', publicado el mes de septiembre.
En febrero de 2016 Don apareció en la ceremonia de entrega de los premios Grammy junto a Jackson Browne y el resto de Eagles vivos (Bernie Leadon, Joe Walsh y Timothy B. Schmit) interpretando el tema 'Take it easy' en homenaje a Glenn Frey, fallecido un mes antes. El mes de junio siguiente, Henley anunció en una entrevista de Rolling Stone el fin de la banda. Sin embargo un año después seguían activos con Vince Gill y el hijo de Glenn, Deacon Frey, como nuevos miembros. En 2020 realizaron el tour 'Hotel California 2020' que pese a la interrupción que supuso el covid-19, en 2021 se reanudó y en 2022 continuaron en EEUU y Europa. En 2023 anunciaron su gira de despedida, 'The Long Goodbye Tour ' que dio comienzo en septiembre y se extendió hasta mediados de noviembre.
Hoy cumple 78 años la cantante francesa Mireille Mathieu, 'el ruiseñor de Avignon'. Descubierta en 1965, es el arquetipo de la cantante popular europea de los años 60 y 70, periodo en el que conoció sus mayores éxitos. Ha grabado más de 1.200 canciones en once lenguas y sus ventas de álbumes superan la cifra de 125 millones. Es un símbolo de la canción francesa y su gran popularidad en Alemania fue aprovechada por De Gaulle y Adenauer para cimentar la amistad franco-germana en los setenta.
Nació como la mayor de 14 hermanos y comenzó a cantar desde pequeña, apareciendo por primera vez en público con sólo cuatro años, cantando en la iglesia de su barrio en Avignon. Con catorce años comenzó a trabajar en una fábrica para ayudar a la familia y para pagar sus clases de canto. Con obstinación se presenta tres años consecutivos en el concurso 'On chante dans mon quartier' (En mi barrio se canta) organizado por la alcaldía de Avignon donde triunfa con la mítica canción 'La vie en rose' que se convierte desde entonces en su fetiche, su canción insignia para todos los conciertos o giras.
Descubierta por Johnny Stark -agente de Johnny Hallyday-, tras aparecer Mireille en el programa de TV 'Jeu de la Chance', fue asesorada por el director de orquesta Paul Mauriat y el compositor André Pascal quien escribió para ella 'Mon credo', 'Viens dans ma rue' y 'La première etoile'.
Johnny Stark y Mireille
Otro de los primeros autores que escribieron canciones para ella fue Francis Lai, quien compuso dos temas para el primer álbum de Mireille, 'Cest ton nom' y 'Un homme et une femme' y la acompañaba a menudo con el acordeón en sus actuaciones. Después de su aparición en televisión en 1965 y su debut en el Olympia de París, fue inmediatamente señalada como la siguiente Édith Piaf y se convirtió en una estrella en Francia y toda Europa
Su imagen como cantante 'oficial', 'voz de la Francia' se construye a partir de esta época con la interpretación de la que permanece como una de sus canciones más emblemáticas: 'Paris en colère'. Escrita por Maurice Vidalin con música de Maurice Jarre para el largometraje de Renè Clement 'Paris brûle-t-il?', la canción es desde su aparición, un inmenso éxito y permanece hasta hoy como la canción símbolo de la liberación de París, al punto de que en el 2004, el alcalde de Paris, Bertrand Delanoë, le pidió a Mireille que la cantara frente al palacio de gobierno en presencia del entonces presidente Jacques Chirac para la celebración del sexagésimo aniversario de la liberación de Paris.
Mientras, en el Reino Unido y en Norteamérica se hacía muy popular su versión francesa de la canción 'The last Waltz' de Engelbert Humperdinck. Hit tras hit pronto viajó a Canadá y a Estados Unidos donde apareció en el 'Show de Ed Sullivan' y el 'Show de Danny Kaye'. Conoció a Elvis en Hollywood y en las Vegas cantó junto a Dean Martin y Frank Sinatra cosechando numerosos aplausos.
A la vez que tiene éxitos como 'Tous les enfants chantent avec moi' con música de Bobby Goldsboro, Mireille abre su repertorio a otros estilos. La colaboración con Alice Dona y Serge Lama le permite cantar canciones como 'Le silence' o 'Le strapontin' en 1977. Justo después de ser aprobada la ley Veil aborda la cuestión del aborto en 1976 en la canción 'L’anniversaire'. Mireille adapta también algunos éxitos anglosajones como 'A blue bayou' (1978) de Roy Orbison y 'Woman in love' (1980)
Al comienzo de los años 80 Mireille se convirtió en una cantante 'a la americana' grabando en 1979 dos álbumes completos con Paul Anka (en francés y en inglés) y otro con el director de orquesta americano Don Costa. En los shows de Maritie y Gilbert Carpentier interpretaba los éxitos de la comedia musical americana como 'Over the rainbow','La chanson du Trolley' o 'People'. Comienza una larga colaboración con Janine Reiss, profesora de canto de Ópera que le permite reforzar su dominio vocal; esto se nota en canciones como 'Chanter' (1984) y en dúos con cantantes de ópera como Peter Hoffman ('Scarborough fair') o Plácido Domingo ('Tous mes rêves')
Desde entonces continuó grabando álbumes, tanto en francés o alemán, como el que dedicó en 1993 a su gran ídolo, Edith Piaf y realizando conciertos como los que ofreció en el Olympia de Paris para presentar su álbum nº 37 en Francia, 'De tes mains'. Volvió al Olympia en 2005 para celebrar el 40 aniversario de su carrera y la publicación de 'Mireille Mathieu 2005'.
Mireille saluda a Gadaffi ante Putin
También es muy querida en Rusia, donde cantó en noviembre de 2008 en honor de Vladimir Putin, quien la había invitado oficialmente. Al concierto asistió también el líder libio Muammar el Gadaffi. En 2010, durante un Almuerzo de Estado, le fue concedida por el presidente ruso Dmitry Medvedev, la Medalla Rusa de la Amistad y en marzo de 2012, Mireille actuó con su orquesta en tres ciudades de Siberia, Perm, Tyumen y Yekaterinburg. El año 2015 tuvo que suspender todos sus conciertos programados en Rusia debido a la situación económica por la que atravesaba el país.
Mireille, que ha permanecido soltera y sin hijos hasta la actualidad, es extremadamente reservada con su vida privada y vive junto a su hermana Monique en Paris. Desde noviembre de 2011 ha pasado de ser Caballero de la Legión de Honor Francesa (honor concedido en 1999) a Oficial. El año 2014 celebró 50 años de carrera y ofreció dos conciertos en el Olympia de Paris el mes de octubre. El mes de marzo del 2015 realizó una gira por Alemania en la que llenó en todos sus conciertos. Desde 2020 sus conciertos en Bulgaria y Rusia han sido cancelados por la pandemia covid-19 y actualmente la guerra en Ucrania le imposibilita (como a cualquier otro artista francés) actuar en Rusia. Mathieu ha condenado firmemente la invasión rusa.
Antonio María Valencia - Sacha Distel - Núria Feliu
• JOSEF STRAUSS (1827-1870), compositor y director de orquesta austriaco nacido en Viena. Hijo de Johann Strauss (padre) y hermano de Johann Strauss (hijo). Comenzó alejado de la música, como aparejador en la construcción pero en 1852 se vio obligado a suplir a su hermano Johann en su cargo de maestro de capilla. A lo largo de los años posteriores, sustituyó cada vez con más frecuencia las ausencias de su hermano. Recibió clases de composición y aprendió a tocar el violín. Fue autor de valses, polkas y una opereta.
• ÉDOUARD RISLER (1873-1929), pianista francés que realizó con motivo de la Expo 1889 en Paris una de las primeras grabaciones de la historia en un cilindro de cera para el fonógrafo inventado por Edison. Fue uno de los primeros en interpretar en 1906 un ciclo con las 32 sonatas de piano de Beethoven, conciertos alabados por Arthur Rubinstein.
• ANTONIO MARÍA VALENCIA (1902-1952), músico y compositor colombiano nacido en Cali, uno de los pocos músicos colombianos de su época que completó su formación en Europa para luego desenvolverse como virtuoso pianista, compositor, director de orquesta y como uno de los precursores del proceso de institucionalización de la enseñanza musical en el país. Fundó y dirigió varias instituciones musicales y artísticas, entre ellas el Conservatorio de Cali (hoy Conservatorio Antonio María Valencia), así como la orquesta sinfónica de la ciudad.
• LEOPOLDO MAGENTI CHELVI (1894-1969), compositor español de obras líricas como 'El Ruiseñor de la Huerta', 'La Labradora', 'La Barbiana' y 'La Cotorra del Mercat'. Fue catedrático de piano en el Conservatorio de Valencia.
• TED FIORITO (1900-1971), compositor, líder de banda y teclista estadounidense, popular en el ámbito radiofónico nacional de las décadas de 1920 y 1930.
• RICHIE KAMUCA (1930-1977), saxofonista estadounidense de jazz nacido en Philadelphia. A los 16 años, trabajó con Clifford Brown y tocó con músicos como Philly Joe Jones, Ray Bryant o Red Garland. Fue suplente de Charlie Parker en un club de Filadelfia. En los años 50 toca en la big bands de Stan Kenton y Woody Herman y forma parte en California de los Lighthouse All Stars de Howard Rumsey. También trabaja en la banda de Shorty Rogers con quien graba 40 Lps en un solo año (1959). Realiza giras por Europa, junto con Shelly Manne y con Terry Gibbs y reside algunos años en Nueva York, trabajando con Gerry Mulligan, Zoot Sims y Jimmy Rushing. De regreso a Los Ángeles, en 1972, toca con diversas bandas y forma su propio grupo, junto a Blue Mitchell (1975).
• SONNY STITT (1924-1982) saxofonista de jazz, especialista en bop y hard bop. Fue uno de los saxofonistas más grabados de su generación, apareciendo en más de 100 álbumes tanto como líder o como sideman de músicos como Gene Ammons, Art Blakey, Dizzy Gillespie, Miles Davis y Milt Jackson.
• MARTTI TALVELA (1935-1989), cantante de ópera finlandés, con voz de bajo nacido en Hiitola. De imponente presencia escénica (medía más de dos metros de altura y pesaba entre 130 y 150 kilos), poseyó una de las voces de bajo más sonoras y potentes de la posguerra.
• JIMMY KEYES (1930-1995), cantante estadounidense nacido en el Bronx, Nueva York, primer tenor entre 1951 y 1960 del grupo vocal The Chords, conocidos por su único gran éxito de 1954: ‘Sh-Boom’ que fue top5 en las listas R&B y top10 en las listas pop.
• ROB COLLINS (1963-1996), teclista del grupo de pop alternativo británico The Charlatans. (En USA, 'The Charlatans UK'). Su estilo psicodélico al órgano supuso un plus en hits como 'The only one I know', el tema que introdujo a la banda en 1990. Collins murió en un accidente de tráfico a los 31 años.
• SACHA DISTEL (1933-2004), chansonnier francés que comenzó su carrera como guitarrista de jazz, y llegó a tocar con Dizzy Gillespie y Louis Armstrong. En los sesenta, ya como crooner, compuso el tema 'La belle vie', que versionó en inglés Tony Bennett (The good life). Otros éxitos de Sacha fueron 'Scoubidou' y su versión de 'Raindrops keep fallin' on my head'.
• ILLINOIS JACQUET (1922-2004), saxofonista tenor de jazz, conocido por su solo en 'Flying Home' (1942), reconocido como el primer solo de saxo de R&B. Su estilo influiría en gran medida en los saxofonistas de R&B y rock'n'roll de los años cincuenta.
• EUGENE RECORD (1940-2005), cantante solista del grupo de Chicago, The Chi-Lites, conocidos por sus hits de 1971 y 1972, 'Have you seen her' y 'Oh girl'.
• JESSIE MAE HEMPHILL (1923-2006), guitarrista, compositora y cantante estadounidense nacida cerca de Como y Senatobia, Mississippi, especializada en el country blues característico del norte del estado de Mississippi. Grabó discos en los años 80 y realizó giras por Estados Unidos y países como Francia, Alemania, España, Italia y Bélgica.
• GERALD CHAMBERLAIN (1942-2007), trombonista estadounidense de jazz nacido en Refugio, Texas. Tras servir tres años como paracaidista en la 2ª Guerra Mundial, estudió con Leon Brown en la North Texas State University. Trabajó con Ten Wheel Drive, Buddy Rich, Ronnie Foster y Woody Herman y realizó giras con Machito Big Band, Mario Bauza y Eddie Palmieri. Tocó también con la Philharmonic Orchestra en Miami y con la orquesta de ‘Cats’ en Broadway. Posteriormente dejó la música y trabajó como croupier de blackjack.
• JOE BECK (1945-2008), guitarrista estadounidense de jazz nacido en Filadelfia que se encontraba cómodo tocando diversos estilos como soul jazz, post bop o fusion. Con numerosos álbumes en su haber, participó en trabajos de Miles Davis, Gil Evans, Buddy Rich, Woody Herman, Stan Getz, James Brown y Herbie Hancock, entre otros.
• PHILIP WALKER (1937-2010), cantante y guitarrista de blues que a lo largo de cincuenta años de carrera tocó junto a Little Richard, Clifton Chenier, Lonnie Brooks, Etta James y Lowell Fulsom. También grabó álbumes bajo su nombre como 'Going Back Home' (2007) su último trabajo.
• EDDIE HARDIN (1949-2015), teclista británico, sustituto de Stevie Winwood en 1967 en la banda Spencer Davis Group. Un año después abandonó el grupo con el baterista Pete York para formar Hardin & York. Volvieron con Spencer Davis en 1973 para grabar dos álbumes y disolverse en 1974. También publicó álbumes en solitario y trabajó con la banda rock Axis Point. En 2006, Spencer Davis Group se reunió de nuevo y Hardin militó en la formación europea de la banda hasta su muerte en 2015.
• DOMINIC DUVAL (1945-2016), contrabajista estadounidense de jazz nacido en Nueva York. Trabajó a menudo con Joe McPhee y grabó como líder o colíder cerca de una treintena de álbumes.
• ART NEVILLE (1937-2019). cantante y teclista estadounidense de Nueva Orleans. Fue fundador en 1965 de la banda funk The Meters cuyo estilo sentó las bases del funk de Nueva Orleans, cofundador en 1977 de la banda de rock, soul y jazz The Neville Brothers y cofundador de la banda paralela The Funky Meters formada en 1989.
• PALO PANDOLFO (1964-2021), guitarrista y cantautor rock argentino nacido en Buenos Aires, líder en los años 80 la banda post punk Don Cornelio y La Zona. Posteriormente formó el grupo Los Visitantes con el que grabó seis álbumes. Palo fue autor de éxitos como ‘Ella vendrá’, ‘Tazas de té chino’, ‘Playas oscuras’ y ’Estaré’. En 2001 publicó ‘A través de los sueños’ su debut como solista y desde 2013 grabó cinco álbumes con su grupo La Hermandad.
• NÚRIA FELIU (1941-2022), actriz y cantante catalana nacida en Barcelona. Debutó como cantante el 1965 y desde entonces publicó más de cuarenta álbumes en los que destacan sus versiones de canciones populares catalanas, boleros y cuplés. Asimismo realizó versiones cantadas en catalán de standards norteamericanos del country y del jazz, destacando especialmente su colaboración con el pianista Tete Montoliu.
Hoy cumple 75 años el compositor y pianista estadounidense Alan Menken nacido en Manhattan en una familia judía, hijo de Judith y Norman Menken. Alan, que tenia un talento instrumental muy marcado con un temprano interés hacia Beethoven y Brahms, se interesó más tarde en añadir algo de rock and roll a su amplio universo musical. Gracias a sus partituras para los filmes de Disney en los años noventa, hoy es poseedor de 8 premios Oscar en la categoría musical, superado solo por Alfred Newman.
"Al crecer, estuve rodeado por una familia que amaba los musicales de Broadway", dice Menken, "Con regularidad, nos juntábamos alrededor del piano con mi padre, y cantábamos; la casa estuvo llena de los sonidos de Rodgers y Hart, los Gershwin, Rodgers y Hammerstein, Frank Loesser, Lerner y Loewe y todos los otros grandes compositores de canciones de Broadway." Alan Menken, es en buena parte responsable del renacer de las películas animadas de Disney y por esta labor recibiría un buen número de Oscars. En 1986, su trabajo en “La Pequeña Tienda De Los Horrores”ya le había supuesto una primera nominación a los premios de la Academia en el apartado de canción.
En 1989 su magnífica banda sonora para “La Sirenita” (2 Globos de oro y 2 Grammy) conseguiría dos Óscar (banda sonora y canción), resultado que alcanzaría por triplicado con “La Bella y La Bestia” (2 Globos de Oro y 3 Grammy), “Aladdin” (2 Globos de Oro y Cuatro Grammy) y “Pocahontas” (1 Globo de Oro y 1 Grammy) hasta alcanzar sus 8 estatuillas. Menken volvería a estar nominado en 1996 por “El Jorobado De Notre Dame” (Oración de Esmeralda) y nuevamente en 1997 por su último trabajo hasta la fecha para Disney: “Hércules”.
Canciones como "Under the Sea" o "A whole new world" orquestaron la milagrosa resurrección de los estudios Disney a finales de los ochenta y principios de los noventa, pero con el final del siglo, la industria tomó otros derroteros, la inocencia perdió frente al cinismo y el cuento de hadas cayó en desuso. Menken ha reaparecido puntualmente en aproximaciones a ese mundo de 'princesas Disney' -"Enchanted" y "Tangled" o "Mirror, Mirror" con la actriz Julia Roberts. El tema central de “Enredados” (Tangled), el clásico Disney que nos cuenta la historia de Rapunzel, obtuvo el Grammy en 2012 a la “Mejor Canción escrita para un Medio Visual”, por “I see the light” con letra de Glenn Slater e interpretación de Mandy Moore y Zachary Levi.
En 2012 ganó un Tony por su composición para el musical "Newsies". "Para mí el reconocimiento de mi profesión, los Grammy, los Óscar o los Tony, ha sido muy importante. Pero mi principal recompensa es ver disfrutar a los niños. Que me siente ante un piano y que todo el mundo pueda cantar conmigo", asegura Menken.
Videojuegos
2005 – “Kingdom Hearts II” (Under The Sea, Part of Your World y Beauty and the Beast)
2002 – “Kingdom Hearts” (Under The Sea)
Televisión
2018 - “Tangled” (Enredados, serie TV)
2015 - “Galavant”
1998 – “Hércules” (serie animada de la película Hércules de Disney)
1969 – “Barrio Sésamo” Filmografía
Hoy cumple 80 años el músico inglés nacionalizado estadounidense Rick Davies. En 1969 publicó un anuncio en la revista Melody Maker buscando músicos para un grupo. El primero en acudir fue Roger Hodgson y juntos fundaron el grupo Daddy, que más tarde se convertiría en Supertramp. En 1974, tras dos álbumes fallidos y tras varios cambios en la formación, publican 'Crime of the century', que supuso el comienzo de su espectacular éxito. Desgraciadamente, las personalidades de ambos músicos chocaron y pese a varios intentos de reunión, desde su separación en 1983 siguen actuando cada uno por su lado, aunque Davies conserva los derechos del nombre de la banda.
Rick Davies en los sesenta
Richard Davies nació en Swindon, Wiltshire, de la pareja formada por Dick Davies, un marino mercante, y Betty, propietaria de una peluquería. Asistió a la Sandord Street School, donde las únicas calificaciones aceptables las recibía en clase de música. Su primer contacto personal con la música tuvo lugar a los ocho años, cuando sus padres le regalaron una gramola de segunda mano con varios discos de su anterior dueño, entre los que se encontraba 'Drummin' man' de Gene Krupa, el cual según el propio Davies, "me golpeó como un rayo. Debí escucharlo unas 2.000 veces". Un amigo de la familia regaló a Davies una batería improvisada con latas de galletas, y a los 12 años se unió como tamborilero a la British Railways Staff Association Brass & Silver Jubilee Band.
A partir de 1959, Davies se sintió atraído por el rock and roll y se unió a una banda llamada Vince and the Vigilantes. En 1962, mientras estudiaba en el departamento de arte del Swindon College, formó su propia banda, Rick's Blues, en la que tocaba un piano eléctrico Hohner, dejando de lado la batería, de la que se hizo cargo un joven Raymond (Gilbert) O'Sullivan, que más tarde sería padrino de boda de Rick. "Rick me enseñó cómo tocar la batería y el piano. De hecho, me enseñó todo sobre música". Cuando el padre de Davies enfermó, Rick disolvió el grupo, abandonó la escuela y comenzó a trabajar como soldador en una fábrica de Swindon.
Palmer, Hodgson y Davies
En 1966, Davies se convirtió en el organista del grupo The Lonely Ones, más tarde conocidos como The Joint, con quienes grabó varias bandas sonoras de películas alemanas. Mientras se encontraban en Munich, Davies conoció a Stanley August Miesegaes, un millonario holandés que ofreció a Rick financiar un nuevo proyecto musical. Davies volvió a Inglaterra donde publicó un anuncio en el periódico musical Melody Maker, buscando músicos para un grupo y ofreciendo una "oportunidad única". Entre otros, acudieron a la prueba el percusionista Keith Baker (posteriormente reemplazado por Roger Millar), el guitarrista Richard Palmer y el bajista Roger Hodgson. Formaron el grupo Daddy, rebautizado como Supertramp en enero de 1970.
Pese a proceder de diferentes estratos sociales e influencias musicales (Davies venía de la clase obrera y era un devoto del blues y el jazz, mientras Hodgson había estudiado en colegios privados y era fan del pop y la psicodelia) Rick y Roger entablaron una relación inmediata y Supertramp se convirtió en uno de los primeros grupos en ser contratados por el recién creado sello discográfico A&M Records. En verano de 1970, publicaron su primer álbum, 'Supertramp' y participaron en el Festival de la Isla de Wight.
Con la marcha del guitarrista Richard Palmer-James y del batería Robert Millar, Supertramp publicó su segundo álbum, 'Indelibly Stamped'(1971) con nuevos músicos, pero las malas ventas llevaron al resto del grupo a abandonar, con la excepción de Davies y Hodgson. Buscaron nuevos componentes para la banda y reclutaron al bajista Dougie Thompson, el baterista Bob Siebenberg y el saxofonista y cantante John Helliwell.
'Crime Of The Century' (1974)
El éxito comercial y de crítica tuvo lugar finalmente con la publicación en 1974 de 'Crime of the Century', que alcanzó el cuarto puesto en las listas de éxitos británicas y abrió al grupo sus puertas al mercado estadounidense. Así, en 1977 los miembros de Supertramp establecieron su residencia en Estados Unidos y publicaron varios álbumes con ventas crecientes como 'Crisis? What Crisis?' (1975) e 'Even in the Quietest Moments'(1977).
En 1979, Supertramp publicó 'Breakfast in America', que alcanzó el primer puesto en la lista Billboard de álbumes y ha vendido hasta la fecha más de 20 millones de copia. Un año después apareció 'Paris', que recogía una selección de temas en directo pertenecientes a los shows que dio la banda en Francia en otoño de 1979
'Breakfast In America' (1979)
La formación clásica de Supertramp se mantuvo constante hasta la marcha de Hodgson en 1983. Con el paso de los años, la relación de amistad entre Davies y Hodgson se fue deteriorando a medida que sus inclinaciones musicales y sus estilos de vida coincidían cada vez menos. Hodgson, que había compuesto la mayoría de éxitos comerciales del grupo, quería seguir en esa línea pop. Davies en cambio, prefería seguir experimentando con sus composiciones de rock progresivo. El distanciamiento geográfico de Hodgson con el resto del grupo al trasladar su residencia al norte de California, la dificultad por conciliar las ideas musicales de ambos en el siguiente álbum '...Famous Last Words...' (1982) y la entrada de la mujer de Rick, Sue Davies, como representante de Supertramp, fueron algunas de las razones que llevaron a Hodgson a abandonar el grupo.
Rick Davies tomó entonces el liderazgo, publicando los nuevos trabajos de estudio de forma más esporádica y con largos periodos de inactividad, orientando el sonido del grupo hacia el blues y el R&B. En 1984, publicó 'Brother Where You Bound', un álbum con una marcada crítica política y con una pieza central homónima de 16 minutos que contó con la colaboración del guitarrista de Pink Floyd David Gilmour. El sencillo 'Cannonball' alcanzó el puesto 28 en la lista Billboard Hot 100.
Supertramp en 1988
Tres años después, Davies publicó con Supertramp'Free As A Bird', un álbum alejado del rock progresivo habitual en trabajos anteriores y con un marcado uso de sintetizadores y cajas de ritmo. A pesar de que el sencillo'I'm begging you' alcanzó el primer puesto en la lista dance/club, 'Free As A Bird' obtuvo un escaso éxito comercial, y tras la gira de promoción del álbum en 1988, Davies disolvió el grupo.
En 1993, Davies coincidió con Hodgson en un concierto homenaje a Jerry Moss, fundador de A&M Records, en el que interpretaron varias canciones juntos.
Tras el concierto, ambos comenzaron a colaborar en un intento por rehacer la formación clásica de Supertramp, desarrollando canciones como 'You win I lose' y 'And the light'. Sin embargo, la colaboración no dio el resultado esperado, y Davies continuó trabajando en solitario, para disgusto de la mayoría de fans del grupo, que consideraban que Supertramp sin Hodgson no tenía sentido.
'Some Things Never Change' (1997)
Tras una década de inactividad, Davies reformó Supertramp en 1997 junto a John Helliwell y Bob Siebenberg para publicar 'Some Things Never Change', con una posterior gira de promoción recogida en el álbum en directo 'It Was the Best of Times', publicado en 1999. Tres años después, Davies firmó un contrato con EMI para publicar'Slow Motion', el último trabajo de estudio de Supertramp hasta la fecha, y emprendió la gira 'One More For The Road'. En 2002 obtuvo la ciudadanía estadounidense después de residir en Estados Unidos durante más de tres décadas y en 2005 recopiló el álbum 'Retrospectacle: The Supertramp Anthology', además de trabajar en otra posible reunión de Supertramp con Hodgson que tampoco fructificó.
Supertramp 2010
Tras ocho años de inactividad, Davies volvió a reformar Supertramp en 2010 para emprender una gira con motivo del 40º aniversario del grupo, nuevamente sin Hodgson, lo que provocó el enfado de Roger, según el cual el uso de sus canciones rompe un acuerdo verbal entre él y Rick de no interpretarlas a cambio de mantener Davies el nombre de Supertramp. Ante esta situación, Hodgson mantuvo la línea de años anteriores y ofreció conciertos en solitario a nivel mundial. En verano de 2011 Davies extendió su gira a Canadá y Francia y aprobó la publicación de una versión deluxe de 'Breakfast in America' conmemorando el 30º aniversario del álbum.
Preguntado si Hodgson se uniría a él en algún show de la gira respondió: "Sé que que hay muchos fans de Supertramp a los que les gustaría que ocurriera. Hubo un tiempo en el que yo lo deseaba también. Pero hechos recientes lo han hecho imposible. Para ofrecer un buen espectáculo a nuestros seguidores, necesitas armonía, tanto en el plano personal como en el musical. Desafortunadamente, eso ya no es así y no quisiera destruir recuerdos de tiempos más armoniosos para todos."
Actualmente, Rick Davies es propietario de la empresa Rick Davies Productions (RDP), que posee los derechos de autor de las grabaciones de Supertramp. El año 2015 se le diagnosticó un melanoma múltiple y canceló todas sus giras. Tras someterse a tratamiento médico retomó la gira en 2018. Desde su recuperación lidera un grupo llamado Ricky and the Rockets y ha manifestado que probablemente no vuelva a actuar bajo el nombre Supertramp.
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