27 marzo 2015

Clark Datchler


Hoy cumple 50 años el músico, cantante y productor inglés Clark Datchler, nacido en Sutton, Surrey  y conocido por haber sido el cantante solista, compositor y multi-instrumentista del grupo anglo-americano de new wave Johnny Hates Jazz, formado en Londres en 1986. Dos años después, coincidiendo con la publicación del álbum debut, 'Turn back the clock', Clark decidió seguir en solitario...

Establecido en Amsterdam grabó 'Raindance', el primero de una serie de trabajos dedicados a la conservación del medio ambiente. De vuelta en el Reino Unido se une al Partido Verde y en el año 2000 se instala en EEUU donde graba -en un estudio alimentado por energía solar- 'Tomorrow' un álbum , de nuevo con un leit-motiv medioambiental, autoproducido con numerosos músicos invitados procedentes de varios grupos. A finales de 2009, Johnny Hates Jazz se volvió a formar para celebrar varias giras durante 2010 y en 2013 apareció nuevo álbum de la banda, 'Magnetized'.

26 marzo 2015

Pierre Boulez


Hoy cumple 90 años el compositor, pedagogo y director de orquesta francés, Pierre Boulez, nacido en Montbrison, alto valle del Loira, en el seno de una familia burguesa y católica de industriales. Pese a que el padre deseaba que Pierre estudiase ingeniería, lo cierto fue que el joven demostró unas aptitudes casi innatas para la música y desde los siete años recibió sus primeras clases de piano por parte de su hermana Jeanne. Ya en la Escuela Católica de St Étienne, Boulez formó parte de un pequeño conjunto de cámara y cantó en el coro de la institución.

Boulez y Olivier Messiaen
Tras unos infructuosos intentos de acceder como estudiante de piano al Conservatorio de Lyon, en 1942 consiguió ser aceptado en el Conservatorio de París como alumno de composición y análisis, dejando de lado sus estudios de ingeniería. Inició estudios de matemáticas en el Politécnico de Lyon antes de ingresar en 1944 en las clases de armonía de Olivier Messiaen en el Conservatorio de París También estudiará contrapunto con Andrée Vaurabourg (esposa del compositor suizo Arthur Honegger) y la técnica dodecafónica con René Leibowitz.

Hay cuatro facetas mayores que es necesario conocer cuando queremos abordar al compositor: Primero la obra absolutamente inscrita en la contemporaneidad; segundo, sus escritos, ya que Boulez recopila numerosos textos analíticos, estéticos, críticos... contenidos que provocan a menudo la controversia, no dudando agudizar la palabra, ya sea contra sus colegas, contra las instituciones o contra el estado en que se encuentra la creación; Tercero, director de orquesta, ya que él dirige las más grandes formaciones internacionales a las cuales es invitado regularmente; y por último, Boulez ha sido el organizador cultural que siempre supo conciliar durante sus eventos vanguardismo y sentido de la comunicación.

Comenzó cultivando una música atonal dentro de un estilo serial post-weberniano influido por Olivier Messiaen. Este serialismo, a diferencia del dodecafonismo, no sólo aplicaba el concepto de serie a la altura de las notas, sino también a otras variables del sonido: ritmos, dinámicas, etc. Esto daría lugar al llamado serialismo integral, del cual fue uno de sus principales representantes junto a compositores tan variados como Karlheinz Stockhausen, Ernst Krenek, Milton Babbitt o el propio Messiaen.


Se convirtió en director y compositor en el famoso teatro de Jean-Luis Barrrault. Continuando la labor de figuras como Pierre Schaeffer y Edgar Varèse, se convirtió en un pionero de los avances en la música clásica electrónica y la música por ordenador. Desde 1950 ha experimentado con la música aleatoria, manteniendo una notable correspondencia con John Cage.

Boulez a menudo retoma obras de su repertorio para su revisión: la última de sus tres sonatas para piano, por ejemplo, es una obra "abierta" que ha estado en continua revisión desde su estreno en 1957 (sólo se han publicado dos de sus cinco movimientos), y “...explosante-fixe...” (Pierre Boulez, dir. Berliner Philharmoniker), un concierto para flauta y electrónica, fue primero escrito en los setenta y completamente revisado en los noventa. En 1970, el presidente francés Georges Pompidou invitó a Boulez a crear y dirigir una institución para la exploración y desarrollo de la música moderna, dando lugar al IRCAM (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), del que Boulez fue director hasta 1992 (en 2005 todavía tiene una oficina en el IRCAM).

Como director de orquesta está especializado en obras de autores de la primera mitad del siglo XX como Claude Debussy, Arnold Schoenberg, Igor Stravinski, Béla Bartók, Anton Webern y Edgar Varèse. Ha dirigido óperas, conciertos y obras de numerosos autores clásicos y contemporáneos. Ha sido director de la Orquesta filarmónica de Nueva York desde 1971 hasta 1977. Entre 1976 y 1995, Boulez tuvo la cátedra de Composición, Técnica y Lenguaje Musical en el famoso Collège de France. Ha trabajado como director de la Orquesta Sinfónica de la BBC y de la Filarmónica de Nueva York. Actualmente es el principal director invitado en la Orquesta Sinfónica de Chicago y dirige regularmente la Orquesta Filarmónica de Viena, la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Sinfónica de Londres, la Orquesta de Cleveland y la Lucerne Festival Academy Orchestra. En 2002 recibió el prestigioso premio “Glenn Gould” por el conjunto de su aportación musical.


En 1984 Boulez colaboró con Frank Zappa y dirigió el Conjunto Inter contemporáneo, el cual realizó e interpretó tres piezas compuestas por Zappa “The Perfect Stranger”, (Orquesta Ensemble InterContemporain). Nunca usó una batuta estando frente a la orquesta, sólo conducía con sus manos.

Toda la obra de Boulez puede ser vista como una inmensa lógica de lo inaudito, e igualmente comprendida, al mismo tiempo, como una gran continuación de la tradición de escritura musical “culta”. La madurez del compositor ha sustituido la feroz concentración del Boulez temprano por una música serena, más expansiva y accesible. Una música intrincada, pero alejada de toda retórica grandilocuente. Es una música elegante y refinada, revestida de las más exquisitas sonoridades, y dotada de una imaginación contrapuntística y un sentido de la fantasía extraordinarios. Las líneas melódicas revolotean entre cambios inesperados de rumbo, como peces reagrupándose nerviosamente en una pecera. “Me siento un inútil si no estoy creando. La función de un director de orquesta es la reproducción. Cuando estoy tocando, me siento muy satisfecho, pero mi existencia se basa en la creación. Si no, me siento superfluo. Y eso sigue siendo así”.



Entre Mallarmé y Paul Klee
La presencia que la obra de Mallarmé, poeta y crítico francés que representa la culminación y al mismo tiempo la superación del simbolismo francés, tiene en Pierre Boulez podría reconocerse como una relación crucial en el largo camino creativo del compositor, hasta el punto de poder afirmar que toda su obra puede entenderse como un diálogo construido sobre los presupuestos de la poética mallarmiana.

Stéphane Mallarmé
Boulez ha escrito gran parte de su obra sobra la base de sus lectura e interpretaciones de la poesía de René Char y Mallarmé, en especial sus muy influyentes “Le marteau sans maitre” (Zahir Ensemble & dir. Juan García) y “Pli selon pli”, basadas no sólo en textos de ambos poetas, sino en la estructura que emerge de los poemas que le dieron origen.

La admiración que Pierre Boulez siente por el famoso pintor alemán Paul Klee (1890-1948) es, al igual que en el caso de su fascinación por el poeta Mallarmé, muy importante. Las referencias continuadas a los escritos y obra del pintor. Boulez descubre en los escritos de Klee dos aspectos que le resultan particularmente atractivos. El primero, una actitud analítica relacionada con el proceso de composición que Klee aplica a su propio proceso creativo. En él, los materiales más básicos - "punto y línea sobre el plano" había señalado Kandinsky - daban lugar a un proceso de composición-construcción que conducía a la obra. Fue sin duda alguna el Klee de la Bauhaus, tan próximo a Kandinsky en ideas y amistad, el que reflexionará de manera atenta sobre la disponibilidad del espacio y su relación con la forma, que ya desde los años '20 se transforma en variaciones sucesivas.

En segundo lugar, Boulez descubre, siempre siguiendo a Klee, las particulares afinidades que rigen el campo de la música y de la pintura. En 1989 aparece su ensayo “Le pays fértiles”, título inspirado en un trabajo de Klee de 1929. Es aquí que Boulez desarrolla una lectura atenta, detenida de los presupuestos de la obra de Klee y de su concepto mismo de composición. Es curioso observar como Boulez va identificando las relaciones entre escritos y obra del pintor, de forma que puede llegar a establecer una relación de simetrías fascinantes. Una clara concepción compositiva se afirma de acuerdo a una poética que Boulez se atreve a imaginar como mallarmiana. La renuncia a la forma como principio, la composición azarosa en un proceso abierto, sometido siempre a una ley de posibles que Klee reconocerá de origen leibniziano, generará una reflexión final en la que la admiración primera se transforma en afinidad intelectual y espiritual.


Obras selectas
Sonatas para piano: nº 1 (1946) (Idil Biret), nº 2 (Maurizio Pollini) (1947-1948) y nº 3 (Steffen Schleiermacher) (1955-; sin finalizar: sólo se han publicado dos de sus cinco movimientos)
“Les soleils des eaux” (1948, rev. 1958) para soprano, coro mixto y orquesta, según dos poemas de René Char (Elizabeth Atherton, soprano & BBC Symphony Chorus, dir. Pierre Boulez)
“Polyphonie X” (1951) (SWF Symphony Orchestra, dir. Hans Rosboud)
•  “Structures” I (1952) (Pi-Hsien Chen Ian Pace) y II (1956-1961) (Yvonne Loriod & Pierre Boulez) para dos pianos.

“Le Marteau sans maître” (contralto, flauta contralto, guitarra, vibráfono, xilorimba, percusión y viola, 1953-1955) (Ballet du XXe Siècle, Scala de Milan)
“Pli selon pli” (soprano y orquesta, 1957-1962)
“Domaines” (clarinete solo, 1968-1969 (Phillip T. Young Recital Hall, University of Victoria School); clarinete y conjunto instrumental, 1968-1969)
“Cummings ist der Dichter” (para coro y conjunto, 1970) (Coro y Orquesta BBC, dir. Pierre Boulez)
•  “Éclat/Multiples” (orquesta de cámara, 1966-1970) (BBC Symphony Orchestra & Pierre Boulez)
“Rituel in memoriam Bruno Maderna” (para orquesta, 1974-1975)
“Messagesquisse” (siete violonchelos, 1976-1977) (Hassan Moataz Elmolla & West eastern divan orchestra, dir. Daniel Baremboim)
“Notations” (versión para piano: 1945, versión orquestal: 1978-...) (Maurizio Pollini)


“Répons” (dos pianos, xilófono, glockenspiel, arpa, vibráfono, sintetizador, orquesta y electrónica, 1980-1984) (Andrew Gerzso, Ensemble InterContemporain & Pierre Boulez)
“Dérive 1” para seis instrumentos; primera versión, 1984; segunda versión, 1986 (Ensemble Intercontemporain, dir. Peter Eötvös)

“Le visage nupcial” (soprano, contralto, coro femenino y orquesta, 1951/1989) (BBC Symphony Orchestra & Pierre Boulez)
“Anthèmes 1” (violín, 1992) (Claudia Schaer)
“...explosante-fixe...” (conjunto instrumental y electrónica; primera versión, 1972-1974; segunda versión, 1991-1993)
“Incises” (piano, 1994/2001) (David Fray)
“Sur Incises” (tres pianos, tres arpas y tres percusionistas, 1996-1998) (explicación Boulez)
“Anthèmes 2” (violín y electrónica, 1997) (Hae-Sun Kang)
“Dérive 2” para once instrumentos (1998/2002-2006) (Talea Ensemble James Baker

25 marzo 2015

Elton John


Hoy cumple 68 años el músico inglés Sir Reginald Kenneth Dwight, o lo que es lo mismo, Elton John. Su carrera abarca cinco décadas, ha grabado una treintena de álbumes, vendido más de 250 millones de copias y ganado un Oscar, un Globo de Oro, un Tony y seis Grammy. En las listas USA tuvo siete álbumes consecutivos en el no 1 y 56 singles en el top 40, nueve de ellos nº 1. Cifras mareantes para un dinosaurio del rock, que ha mantenido el estrellato como pocos.

Reginald nació en suburbio del norte de Londres como hijo único de la pareja formada por Stanley y Sheila Dwight, que no se casaron hasta cumplir Reg los seis años. Con cuatro años ya tocaba el piano de oído y poco después era capaz de interpretar numerosas piezas clásicas. Su talento le hizo merecedor de una beca para estudiar en la Royal Academy of Music de Londres, a cuyas clases atendía todos los fines de semana entre los once y dieciséis años. Sus padres eran aficionados a la música y pronto descubrió el rock and roll a través de los discos de Elvis y Fats Domino que llegaban a casa. La música fue para el una vía de escape a una infancia infeliz. La relación con su padre fue inexistente y sufría de un terrible complejo de inferioridad.

Sus padres se divorciaron cuando cumplió los catorce años y Reg decidió dedicarse profesionalmente a la música. Aunque su padre intentó persuadirle para que siguiera una carrera más convencional, su madre le brindó todo su apoyo. Sheila se volvió a casar con un artista local, Fred Farebrother, con quien Reg sí tuvo una relación más afectuosa. Con la ayuda de Fred, Reginald consiguió un trabajo como pianista en un pub de un hotel cercano. Anunciado simplemente como Reggie, tocaba temas de Ray Charles y Jim Reeves, así como sus primeras composiciones originales. Poco después formó parte brevemente de un grupo llamado Corvettes y, en 1964 él y sus colegas fundan la banda Bluesology.

Bluesology (Elton a la dcha)
Firman con Fontana Records y graban en julio de 1965 su primer single, 'Come back baby', un tema compuesto por Reg. Le siguió en noviembre 'Mr Frantic', también compuesto y cantado por el pianista. Las ventas fueron escasas y la banda realizó conciertos en Alemania, antes de convertirse en la banda de acompañamiento del cantante Long John Baldry. Fue aquí cuando Reg adoptó su nuevo nombre artístico, Elton John, fusionando los nombres de John Baldry y Elton Dean, el saxofonista del grupo. Desilusionado con la dirección musical de Baldry, se presentó a audiciones para ser cantante de bandas como Gentle Giant y King Crimson, ambas sin éxito. A continuación atendió un anuncio que había publicado Ray Williams, director artístico de Liberty Records, en la revista NME, con el fin de buscar compositores para su sello. Este lo puso en contacto con el letrista Bernie Taupin y en 1967 comenzó entre ambos una amistad y sociedad artística que dura hasta hoy.

Bernie Taupin y Elton John
En 1967 se grabó la primera composición del dúo, 'Scarecrow' y los meses siguientes escribieron numerosos temas para varios artistas británicos como Roger Cook, Engelbert Humperdinck y Lulu. Bernie escribía las letras y John les ponía música en un tiempo récord. En menos de una hora tenían lista una nueva canción. También tocó como músico de sesión para otros, entre ellos The Hollies, en cuyo hit 'He ain't heavy, he's my brother', Elton tocó el piano.

Una de las demos que John y Taupin grabaron, llamó la atención del editor musical de la música de Beatles, Dick James, que contrató al dúo de compositores. Su primer single con DJM fue 'I've been loving you' (1968), producido por Caleb Quayle, guitarrista de Bluesology. Le siguieron el single 'Lady Samantha' y el álbum 'Empty Sky' en 1969, que contenía 'Skyline pigeon', la primera canción de la que Taupin y John se sintieron realmente satisfechos.
Su siguiente álbum, 'Elton John' (1970), contó con la producción de Gus Dudgeon y los arreglos orquestales de Paul Buckmaster, dos personas que desempeñarían un papel importante en la carrera de Elton. El álbum contiene grandes temas como 'Take me to the pilot' y 'Border song'.


Pero es sobre todo, 'Your song', el tema que en verano de 1970 alcanza el Top10 de las listas británicas y estadounidenses, el que le despeja el camino hacia el estrellato.

Elton John, Nigel Olsson y Dee Murray
Ese mismo año publica 'Tumbleweed Connection', un álbum conceptual dedicado a temas de country & western y temática Americana, con temas como 'Burn down the mission', 'Come down in time' y 'Country comfort'. En este disco John cuenta ya con el bajista Dee Murray y el batería Nigel Olsson, miembros de su futura banda, con los que publica un miniálbum en directo,  '17-11-70', grabado durante una actuación en una emisora de radio y en la que el trío demuestra su energía en vivo con poderosas versiones de 'Honky tonk woman' y 'Get back'.

Es con esta formación con la que Elton John realiza su presentación en EE.UU. en el Troubadour de Los Angeles con gran éxito. Tras componer la música para la banda sonora del film 'Friends', Elton publica su cuarto LP: 'Madman Across the Water' (1971), en el que cuenta con un nuevo miembro de su  banda: el guitarrista Davey Johnstone. Con magníficos temas como 'Tiny dancer', 'Levon' o 'Madman across the water', el álbum fue Top10 en las listas estadounidenses.

En mayo de 1972 publicó 'Honky Chateau', uno de sus mejores trabajos y el primero de una serie de siete álbumes consecutivos que alcanzaron el nº1 en EE.UU. Se extrajeron los singles 'Honky cat' y 'Rocket man'. Al mismo tiempo su actitud escénica se tornó más extravagante y llamativa, apareciendo en todo tipo de atuendos con lentejuelas, plumas, zapatos de plataformas increíbles, escafandras espaciales y una colección de gafas, a cual más hortera y estrambótica, cuyo valor llegó a estimarse en los años setenta en más de 40.000$

Elton funda su propio sello discográfico, Rocket Records, en el que ficha al olvidado Neil Sedaka, ayudándole e relanzar su carrera y Kiki Dee, una cantante británica en la que pone especial interés. Elton, no obstante, continúa publicando sus trabajos en MCA Records y a continuación aparece 'Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player', que contenía su primer nº1 en el Hot100, 'Crocodile rock' y una de las mejores baladas del dúo John/Taupin, 'Daniel'.


En la cúspide del pop, su siguiente trabajo, el doble 'Goodbye Yellow Brick Road' (1973), vendió más de dos millones de copias en menos de seis meses. Temas destacables del álbum fueron 'Bennie and the Jets', 'Goodbye yellow brick road', 'Candle in the wind', 'Saturday night's alright for fighting' y 'Funeral for a friend/Love lies bleeding'.

El año siguiente apareció 'Caribou', considerado una obra menor, sin embargo alcanzó también el nº1 con temas como 'The bitch is back' y 'Don't let the sun go down on me'. Seguidamente se produjo una colaboración con John Lennon que culminó con la grabación de un single en el que Elton realizó una versión de 'Lucy in the sky with diamonds' con John a los coros. En la cara B grabó un tema compuesto por Lennon, 'One day at a time'.

Elton John y John Lennon en 1974
En contrapartida, Elton colaboró con Lennon y le prestó a su banda en el tema 'Whatever gets you through the night'. Durante la grabación Elton apostó con Lennon que si el single alcanzaba el nº1, ambos lo tocarían en directo. John, que se encontraba en pleno 'lost weekend', aceptó convencido de que era un hecho más que improbable. Cuando efectivamente el single fue nº1 (el único de la carrera de Lennon), no tuvo más remedio que cumplir su promesa y John realizó su última aparición en directo, cantando tres temas junto a Elton John en el Madison Square Garden de Nueva York.


En 1975 Elton apareció en la película Tommy encarnando el papel de 'Pinball wizzard', y publica el álbum autobiográfico 'Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy', cuyo single 'Someone saved my life tonight' relata el momento en el que Long John Baldry, a finales de los años sesenta, rescató a Elton de un intento de suicidio provocado por un matrimonio no deseado.

Tras este álbum, Elton prescindió de Olsson y Murray, dos músicos que le ayudaron a definir el sonido que lo encumbró y realizó cambios en la Elton John Band, permaneciendo en ella el guitarrista Davey Johnstone y Ray Cooper a la percusión. 'Rock Of The Westies' se publicó en 1975 y generó su último nº1 en solitario: 'Island girl'.

Para entonces, Elton John había enterrado cualquier atisbo de sentido del ridículo y aparecía en sus conciertos disfrazado de Pato Donald, estatua de la libertad o Mozart, sin olvidar las plumas y las cada vez más gigantescas gafas fantasía. En 1976 publicó un álbum en directo, 'Here And There' y a continuación su undécimo álbum oficial: 'Blue Moves', cuyo single fue 'Sorry seems to be the hardest word'.

Kiki Dee y Elton John
En 1976 graba en colaboración con su protegida Kiki Dee, 'Don't go breaking my heart', que fue nº1 en el Reino Unido. Unos meses después anunció su retirada de los escenarios. Taupin comenzó a colaborar con otros como Alice Cooper y Jefferson Starship y John trabajó con un nuevo letrista, Gary Osborne en su nuevo álbum, 'A single Man', cuyos singles, 'Part-time love' y 'Song for Guy' tuvieron mejor resultado en el Reino Unido que en EE.UU.

En 1977 cumplió uno de sus sueños trabajando con el productor de Philadelphia Thom Bell, cuyo resultado fue el EP 'The Thom Bell Sessions', que incluía el hit 'Mama can't buy you love'.
Dos años después volvió a la carretera y fue uno de los primeros artistas occidentales en realizar giras por la antigua URRS e Israel.


En 1981 John y Taupin retomaron su colaboración y apareció el álbum '21 at 33', cuyo single (con letra de Osborne) 'Little Jeannie', fue su primer Top5 en cuatro años.

En los años ochenta recuperó a Nigel Olsson y Dee Murray y publicó una serie de obras menores como 'The Fox' (1981), 'Jump Up' (1982), 'Too Low For Zero' (1983), 'Breaking Hearts' (1984), 'Ice on Fire' (1985), 'Leather Jackets' (1986), 'Reg Strikes Back' (1988) y 'Sleeping With The Past' (1989).

En 1984 se casó con su amiga e ingeniera de grabación Renate Blauel (el matrimonio duró tres años), en 1986 sufrió una operación de nódulos en la garganta que le causó un cambio de voz y los mayores hits de esos años fueron 'Sad songs (Say so much)' (1984), 'Nikita' (1986), 'I don't wanna go on with you like that' (1988) y su vuelta al nº1, 'That's what friends are for', publicado como Dionne Warwick and Friends, con Stevie Wonder y Gladys Knight.

Aunque sus álbumes ya no obtenían el éxito de los de su época dorada a principio de los años setenta, Elton seguía llenando estadios allá donde iba. En 1988 ofreció cinco conciertos seguidos con llenos absolutos en el Madison Square Garden. En 1990 consiguió su primer nº1 en el Reino Unido como artista en solitario con el tema 'Sacrifice'.


Ese mismo año, Elton confesó su abuso durante años del alcohol y la cocaína y decidió solicitar ayuda y tratamiento en el Parkside Lutheran Hospital. Dos años después puso en marcha la Elton John AIDS Foundation y cedió los royalties de sus singles a al investigación contra el SIDA.

Un Elton John sobrio, recuperado y más comedido que en años anteriores todavía fue capaz de cautivar a sus fans con el álbum 'The One' en 1992 y un año después publicó 'Duets', en el que interpretaba duetos vocales junto a otros artistas como George Michael en 'Don't let the sun go down on me' y repitió su experiencia con Kiki Dee con el tema 'True love', que fue Top10 en el Reino Unido.

Elton John y David Furnish
Ese mismo año firmó con Taupin un contrato por doce años con Wagner/Chapell Music que les supuso un adelanto de 39 millones de dólares, una cifra récord. En 1993 comenzó su relación con el cineasta David Furnish que dura hasta el presente. En 1994 Elton colaboró con el letrista Tim Rice en la composición de canciones para el film de Disney 'El Rey León'. Los temas de la película, 'Can you feel the love tonight' y 'Circle of life' le generaron nuevos fans, un Grammy y un Oscar por mejor canción original. Seguidamente se embarcó en una gira mundial de 41 conciertos demostrando una renovada energía escénica menos espectacular, pero más profesional.

Elton canta en el funeral de Diana
En 1996 volvió a las portadas de las revistas, cuando con motivo del funeral de su amiga Diana de Gales, interpretó su clásico 'Candle in the wind' con la letra adaptada a la princesa desaparecida. El single fue uno de los discos más vendidos de la historia con unas ventas mundiales estimadas en 33 millones de copias. Los beneficios de aproximadamente 55 millones de libras fueron donados a la fundación en memoria de la princesa Diana de Gales.

En 1998 fue nombrado Caballero del Imperio Británico por la reina Elizabeth II y desde entonces recibe el tratamiento de Sir. En el nuevo milenio, Elton ha publicado más álbumes con nuevas canciones de John/Taupin como 'Songs From the West Coast' (2001), 'Peachtree Road' (2004) y 'The Captain & the Kid' (2006), en el que los autores retoman la historia autobiográfica plasmada en 'Captain Fantastic' y continúan la crónica de los treinta años siguientes de sus vidas.

Actualmente, Elton, además de seguir con su exitosa carrera continúa ejerciendo labores filantrópicas. Es famosa su fiesta anual de etiqueta con la que recoge fondos para su fundación, a la que suelen acudir prominentes celebridades que colaboran con sus donaciones a la causa. En 2006, sendas subastas tras el baile, generaron beneficios de 3,5 millones de libras. En 2004 debutó en Las Vegas donde a lo largo de tres años ofreció 75 conciertos y en 2008 hizo tándem, con Billy Joel realizando con él una serie de conciertos llamados 'Face to Face'.

'The Diving Board' (2013)
En octubre de 2010 publicó 'The Union', una colaboración con el también legendario pianista Leon Russell. Dos años después dio su permiso para que el dúo de dance electrónico australiano Pnau editara el álbum 'Good morning to the night' con remezclas editadas de varios éxitos del pianista. El álbum más reciente de Elton John, 'The Diving Board', se publicó en septiembre de 2013 y es el 30º de su carrera
Alguno de los 'alias' que Sir Elton John ha usado para registrarse en hoteles han incluido: 'Prince Fooboo', 'Sir Humphrey Handbag', 'Lillian Lollipop', 'Lord Choc Ice', 'Lord Elpus', 'Binky Poodleclip' y 'Sir Henry Poodle'. Su apodo oficial es 'Rocket Man', aunque Rod Stewart le sigue llamando 'Sharon'...


24 marzo 2015

Nena Kerner


Hoy cumple 55 años Nena Kerner, cantante alemana nacida en Hagen. El apodo -se llama Gabriele en realidad- se lo pusieron en España cuando vino con sus padres de vacaciones con tres años de edad. En 1982 fue la sensación en Alemania y en 1984 lo fue en todo el mundo gracias a su hit '99 Luftballons', (99 globos) que en la versión inglesa adquirieron color rojo: '99 red balloons'. En los últimos años, coincidiendo con el 20º aniversario de su éxito, Nena experimentó un resurgimiento de su carrera. En 2005 publicó el álbum 'Willst du mit mir gehn', cuyo single 'Liebe ist', devolvió a Nena a lo más alto de las listas alemanas.


Canciones con historia: '99 Luftballons'

En la primera visita de los Stones a la Waldbühne de Berlín el 15 de septiembre de 1965, los tumultos que se producen en el concierto, acaban con más de 70 heridos en los hospitales. Diecisiete años después, los Rolling Stones vuelven a actuar en la Waldbühne, pero esta vez quieren sembrar paz. En el momento cumbre del concierto, liberan varios racimos de globos que se elevan hacia el cielo berlinés.

Carlo Karges, guitarrista y miembro de la banda Nena, sigue con la mirada los globos que se pierden lentamente en dirección este. ¿Qué pasaría -piensa Karges- si los globos pasan la frontera y llegan a Alemania del Este? Con ésta pregunta y con sus posibles respuestas escribe una canción, '99 Luftballons', que se convierte en el estandarte de la 'nueva ola' alemana y del movimiento pacifista de los años ochenta. En media Europa e incluso en EE.UU., el disco alcanza lo más alto de las listas.

Pocos años después, los globos podían volar de nuevo en ambas direcciones sin temor. Sin embargo, en las emisoras de radio americanas ya no era posible escuchar la canción de Nena. '99 Luftballons' se encontraba en 1991, durante la Guerra del Golfo, en la lista de canciones prohibidas por considerarla "pacifista y derrotista".

Nena publicó en 2009 nuevo single y nuevo álbum ‘Made in Germany’. Por otro lado fue cofundadora en 2007 de la Neue Schule Hamburg, un centro de enseñanza concertado que sigue el modelo Sudbury de educación. Desde entonces han aparecido dos nuevos trabajos:’Du Bist Gut’ en 2012 y ‘Oldschool’, su entrega más reciente publicada en febrero de 2015.

Nick Lowe


Hoy cumple 66 años el músico, cantante  y productor inglés Nick Lowe, una figura fundamental para la new wave y el pub-rock británico. Fundador junto a Dave Edmunds de Rockpile (sólo con ésto le bastaría para acceder al Olimpo musical), fue productor, -entre muchos otros- de los cinco primeros trabajos de Elvis Costello. Músico en constante reinvención, el año 2011 Nick estuvo de gira por EE.UU. abriendo en solitario y con guitarra acústica los shows de Wilco. También en 2011 se publicó su trabajo más reciente, 'The Old Magic' y se reeditó su magnífico álbum 'Labour of Lust' de 1979.

Su primera experiencia profesional en un escenario fue en 1965 con un grupo llamado Kippington Lodge. Lowe era el bajista y compositor principal de la banda, que incluía a su buen amigo, el guitarrista Brinsley Schwarz. Kippington Lodge llegó a publicar cinco singles en el sello Parlophone antes de cambiar de nombre y adoptar el de Brinsley Schwarz en 1969, justo cuando surgió la escena del pub-rock en Londres. El mánager Dave Robinson planeó una estrategia publicitaria especial: El grupo iba a actuar como telonero de Van Morrison y Quicksilver Messenger Service en el Fillmore East de Nueva York. Al concierto estaban invitados los críticos musicales británicos más relevantes del momento, para los que se fletó especialmente un avión. Pero una cadena de sucesos, retrasos e imprevistos acabaron generando una actuación mediocre, muy por debajo de su nivel habitual, por lo que las críticas fueron demoledoras. Tampoco su primer álbum 'Brinsley Schwarz' (1970), se libró de ellas.

Brinsley Schwarz
Su segundo álbum 'Despite it all' apareció al final de 1970. En él se nota la influencia que ejerció el grupo norteamericano de country-rock Eggs over Easy en las composiciones de Lowe. Habían coincidido tocando en el Marquee, donde los americanos contaban entre sus fans a Graham Parker, Elvis Costello y el propio Nick Lowe. El guitarrista Ian Gomm se unió a ellos en el tercer álbum 'Silver Pistol', en el que también se nota la influencia de los canadienses The Band y la guitarra de Robbie Robertson en el sonido de la banda. Apareció en 1971 y, para entonces, sus magníficos directos en las salas londinenses habían llamado la atención de la crítica británica, que bautizó el nuevo movimiento con el término 'pub rock'.

'Nervous On the Road' (1972) es un magnífico e injustamente olvidado álbum y una obra esencial de pub-rock. Mejor producido que los anteriores, contiene una excelente selección de canciones -la mayoría de Lowe- en las que el grupo interpreta un potente rock and roll sin pretensiones y con gran sentido del humor en sus letras, como en 'Surrender to the rhythm', 'Happy doing what we're doing' y 'Nervous on the road'. Tras un par de años de intensas giras, graban su último álbum, 'The New Favourites Of Brinsley Schwarz' (1974), en el que Lowe escribe sus mejores canciones hasta ese momento, '(What's so funny 'bout) Peace, love and understanding?' y 'The ugly things'.


Fue aquí donde Nick entró en contacto con Dave Edmunds, que produjo el álbum. La colaboración fue más allá y Brinsley Schwarz tocó como banda de acompañamiento de Edmunds durante un tiempo, hasta que se disolvieron en 1975.

En ese momento, Lowe ya era un veterano de los estudios y la escena del pub-rock londinense y se encontraba preparado para acometer producciones importantes. En 1976 fundó Stiff Records con Jake Riviera y Dave Robinson, donde, además de grabar sus propios temas, ayudaba a nuevos grupos a evolucionar y encontrar su propio sonido. En su primera grabación propia con el sello, 'And so it goes', Nick demuestra su talento como compositor, productor e instrumentista, tocando todos los instrumentos menos la batería. Aunque no entró en las listas, fue votado el quinto mejor single del año por la revista NME y recuperaron con creces la inversión a través de la venta por correo y distribuyéndolo en tiendas de discos especializadas. Esta iniciativa ayudó a que apareciera una nueva generación de sellos independientes basados en el lema 'Hágaselo usted mismo'

Rockpile
A continuación se asoció con Dave y ambos fundaron con el guitarrista Billy Bremmer y el batería Terry Williams el grupo Rockpile, uno de los más influyentes en la new wave británica. Aunque utilizaban ese nombre para los conciertos, por motivos de derechos, no firmaban ningún disco como Rockpile (ya que Nick y Dave trabajaban con discográficas diferentes); de modo que la banda trabajaba bajo el nombre de Nick o de Dave, indistintamente.

En 1977, Riviera dejó Stiff Records y Lowe y Elvis Costello se asociaron para formar Radar Label. Fue en este sello donde Lowe publicó el primer álbum bajo su nombre, 'Jesus of Cool' (1978), que contenía los temas 'I love the sound of breaking glass', 'Heart of the city' y 'Little Hitler'. En EE.UU., donde la mención de Jesús en el título resultaba algo incómoda, se publicó por otro nombre: 'Pure pop for now people'. Asimismo Lowe produjo el primer álbum de Elvis Costello, 'My Aim is True' (1977), colaboración que se extendería en sus cuatro trabajos posteriores, 'This Year's Model' (1978), 'Armed Forces' (1979), 'Get Happy!' (1980) y 'Trust' (1981).


En 1979 publicó su segundo álbum, 'Labour of Lust', que incluía el magnífico 'Cruel to be kind', su único hit en EE.UU., coescrito con Ian Gomm para un último proyecto de álbum de Brinsley Schwarz que no llegó a editarse.

Por fin, en 1980, libres de obligaciones contractuales, publican un álbum como Rockpile, 'Seconds of Pleasure' con temas como 'Teacher, teacher' y 'Heart'. Sin embargo, tensiones surgidas entre Lowe y Edmunds llevarían a la disolución de la banda en 1981.

Durante la década de los años ochenta se concentró en labores de producción, trabajando con John Hiatt, Paul Carrack, los Fabulous Thunderbirds y su por un tiempo esposa Carlene Carter. En 1982 publicó 'Nick the Knife', que además de varios temas coescritos con Carlene, incluía una nueva versión lenta de 'Heart', ya grabada con Rockpile. El resto de la década publicó cuatro álbumes más, alguno de ellos, como 'Nick Lowe & his Cowboy Outfit' o 'Rose of England', con excelentes críticas, pero fueron un fracaso de ventas.

En 1990 publica 'Party of One', en el que de nuevo colabora con Dave Edmunds, que además produce el álbum. Cuenta con Jim Keltner a la batería, Paul Carrack a los teclados y Ry Cooder a la guitarra eléctrica. Publicado en el sello Reprise Records, filial de Warner Bros, Lowe no se encontraba muy a gusto con las promociones 'a lo gran estrella' que realizaban los sellos multinacionales. Por otro lado, las pobres ventas del álbum llevaron a la compañía a rescindir el contrato con Lowe. "Me dieron una cantidad de dinero y me dijeron que simplemente desapareciese, lo que me pareció estupendo"

Lowe vuelve a sus orígenes de sellos independientes y firma su mejor obra, 'The Impossible Bird' (1994), donde se incluye su propia versión de 'Beast in me', un tema que compuso para Johnny Cash. Otros temas destacables son 'Soulful wind', '12-step program (To quit you babe)' y 'Withered on the vine'. Desde entonces ha publicado varios álbumes más como 'Dig my Mood' (1998), 'The Convincer' (2001) y 'At my Age' (2007). En 'The Old Magic' (2011), el único álbum de Nick Lowe que ha logrado entrar en las listas inglesas, demuestra que continúa manteniéndose innovador y creativo huyendo de la imagen de 'viejo-y-decrépito-rockero-que-sigue-tocando-sus-éxitos-de-cuando-era-joven-y-guapo', que Nick siempre ha intentado evitar. Su entrega más reciente fue un álbum con temas navideños publicado en 2013: ‘Quality Street’