Aniversarios de nacimiento y hechos importantes de la Historia de la Música publicados por fechas.
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52 años cumple hoy el músico, cantante y compositor británico nacido en Wigan (Inglaterra) Richard Ashcroft, conocido por haber liderado y desempeñado la voz solista en el grupo The Verve entre 1989 y 1999.
Con ellos grabó tres álbumes, uno de ellos el magnífico 'Urban Hymns', que ya pertenece por derecho propio a la lista de clásicos del britpop y que contiene hits como 'Bitter sweet symphony', 'The drugs don't work'y 'Lucky man'. Tras la primera separación de The Verve, Ashcroft continuó en solitario grabando cuatro álbumes hasta la fecha.
En 2007, Richard vuelve a reunir The Verve para grabar nuevo álbum, 'Forth' que aparece en junio de 2008. El disco alcanza el nº1, con temas como'Love is noise' y 'Rather be'. No obstante, vuelven a separarse ya que el resto de la banda considera que Ashcroft les utiliza para afianzar su propia carrera en solitario.
United Nations of Sound
En 2010, Ashcroft volvió a la escena con un nuevo grupo llamado RPA and the United Nations of Sound. El álbum homónimo se publicó el 22 de marzo de 2011 y se extrajeron dos singles:'Are you ready?' y 'Born again'. En mayo de 2016 apareció el álbum 'These People'. En junio de 2018 Ashcroft actuó como telonero de Liam Gallagher en su gira inglesa y norteamericana. En octubre de 2018 publicó su sexto álbum de estudio: 'Natural Rebel'y en mayo de 2019 Ashcroft recibió un premio Ivor Novello por su extraordinaria contribución a la Música Inglesa. Su entrega más reciente fue 'Acoustic Hymns Vol. 1' con versiones acústicas de sus canciones con The Verve y en solitario.
Hoy cumple 56 años el cantante, actor, compositor, director de orquesta, arreglista y pianista nacido en Nueva Orleans Harry Connick Jr, queapareció en escena con 22 años, una interesante voz y un sonido de pop vintage. Connick ha sido comparado con estrellas de la época dorada de América en la que triunfaban artistas como Sinatra, Duke Ellington y Tony Bennett. Aunque su virtuosismo al piano está fuera de toda duda, también ha probado a lo largo de los años que posee una calidad artística no sólo basada en su juventud y físico. De los pies a la cabeza, Connick es un showman experimentado. Bromea acerca del hecho que guarda más trajes en sus armarios que su ex-esposa modelo. En escena, también bromea, intercambia instrumentos con el baterista y el bajista del grupo, hace imitaciones y ocasionalmente improvisa unos pasos de claqué. Esto parece ir en contra de los stándares de jazz, que exigen un concierto más relajado y sedado. "¿Pero, dónde se ha quedado el espectáculo?", pregunta Connick, "Escucha a Louis Armstrong y eso sí es un show. El hacía diez veces más locuras en sus espectáculos que yo."
Nacido en Nueva Orleans, sus padres habían estudiado ambos la carrera de leyes y su padre llegó a ser juez de distrito de la ciudad. También poseían una tienda de discos y eran amantes de la música por lo que Harry creció rodeado de ella y con tres años ya mostró ser un prodigio al piano. Con cinco años tocó 'Star bangled banner' en la toma de posesión de su padre y con diez ya tocaba con una banda local de jazz. Con nueve años, Connick interpretó el concierto para piano Opus 37 de Beethoven con la New Orleans Symphony Orchestra. Asistió a un colegio de jesuitas y al New Orleans Center for Creative Arts. Allí conoció a Ellis Marsalis, un legendario instructor de jazz, padre de los también músicos Branford y Wynton Marsalis.
Cuando Harry se encontraba todavía en su periodo de high-school, Wynton Marsalis ya era una estrella de la trompeta y Connick le idolatraba. "Quería ser como Wynton. Quería tocar en su banda y me vestía y hablaba como él." Marsalis, como Connick, se caracterizaba por tocar estilos del pasado y fue ampliamente criticado por ello. Pero Harry es de la idea que intentar emular a los grandes maestros del pasado es esencial para los músicos jóvenes. "Es una lástima que a Wynton y a mí nos critiquen por mirar atrás, porque lo único que pretendemos con ello es desarrollar nuestro propio estilo y el único modo de hacerlo es entendiendo y asimilando al máximo la música de tus predecesores."
El sueño de Connick era seguir los pasos hacia el estrellato de su amigo Marsalis y cuanto antes, mejor. Con 18 años se trasladó a Nueva York, diciéndole a su padre que pretendía estudiar en la Manhattan School of Music. Su meta real era sin embargo firmar un contrato con el sello de Wynton, Columbia. Tras unos meses en la escuela de música, Harry la abandonó y comenzó a tocar por su cuenta en iglesias, pequeños clubes de jazz e incluso en la calle. "Soy de Nueva Orleans, y eso significa que haré cualquier cosa en cualquier lado con el fin de actuar, aunque tenga que bailar claqué en plena calle... Siento la necesidad de actuar a cada momento". Por fin, los cazatalentos de Columbia tomaron nota del joven artista y a su primer álbum 'Harry Connick Jr' (1987), una selección de standards del jazz al piano, le siguió '20' (1988), la edad de Connick en ese momento. En este segundo trabajo, ya aparecían temas cantados con ese estilo a lo Sinatra que le caracterizó en sus primeros años.
La consagración definitiva le vino del cine cuando realizó la banda sonora de la película 'Cuando Harry encontró a Sally' (1989) dirigida por Rob Reiner.
Los siguientes diez años grabó discos con frecuencia -prácticamente uno por año-, en 1990 se publicó 'We Are in Love' con temas compuestos por Connick acompañado de una big band, al que siguió 'Lofty's Roach Souffle', un álbum instrumental de jazz en formato trío. En 1991, 'Blue Light, Red Light' fue disco de platino con música, escrita y orquestada por Harry.
El año siguiente aparecieron simultáneamente '25', un álbum con standards jazz y pop interpretados al piano y '11' una colección de temas grabados cuando Harry contaba once años. En 1993 publicó su aclamado álbum navideño, 'When My Heart Finds Christmas' y en 1994 comenzó a experimentar con el funk de Nueva Orleans en el álbum 'She'. 'Star Turtle', que apareció en 1996, fue el primero de sus álbumes que no accedió a la categoría de platino, como tampoco su continuación 'To See You' (1997).
'Come By Me', acompañado de su banda de 16 músicos y una orquesta completa, sin embargo, recibió un Grammy y en 2001 Harry publicó '30' y 'Songs I Heard'. En ese momento, Connick ya era un respetado músico, cantante, director de orquesta, compositor y arreglista. Sólo los críticos novatos se atrevían a criticarle a estas alturas. Ha realizado varias giras internacionales y se ha convertido en un símbolo sexual para el publico juvenil, como lo fueron en su día, Frank Sinatra o Dick Haymes.
Hasta la fecha ha vendido más de 25 millones de copias en el mundo con sus versiones de clásicos del cancionero americano. Columbia Records permitió a Harry en 2003 grabar en el sello Marsalis, dirigido por su amigo Branford Marsalis, una serie de trabajos instrumentales menos comerciales presentados como 'Connick on Piano'. El primero fue 'Other Hours' (2003), al que siguió 'Occasion' en 2005 y dos años después apareció el Vol 3, 'Chanson du Vieux Carré'.
Pero no sólo en el campo musical Harry derrochaba buen hacer y talento. Hizo su debut en el cine con 'Memphis Belle' en 1990 y en 1995 asombró a propios y extraños con su papel de asesino en serie junto a Sigourney Weaver y Holly Hunter en 'Copycat'. También realizó papeles en 'Independence Day' (1996), 'Basic' (2003), 'Siempre queda el amor' (2007), 'Ejecutiva en apuros' (2009) y 'Winter-El delfín' (2011)
Una de sus últimas entregas discográficas en estudio fue 'Your Songs' (2009), álbum en el que Harry se encargó también de los arreglos y la dirección orquestal. En la edición europea del álbum se incluyó un tema bonus, una versión de 'And I love her'de Beatles -patética, en mi humilde opinión-, cantada a dúo con la sra. Sarkozy, Carla Bruni, en la que parece que ambos quieren rememorar el 'Je t'aime moi non plus' de Gainsbourg y Birkin...
En marzo de 2011 se publicó 'Harry Connick, Jr. in Concert on Broadway', que recoge parte de los shows que ofreció Harry en julio de 2010. El CD, también publicado en DVD, recibió un Emmy por 'mejor dirección musical'.
Tras aparecer en varios capítulos de la 13ª temporada de la serie Law & Order como el ayudante de fiscal de distrito David Haden, en junio de 2013, Connick publicó un nuevo álbum con temas originales, 'Every Man Should Know'. Ese mismo año participó como uno de los miembros del jurado del talent show American Idol. En octubre de 2015 se publicó 'That Would Be Me', con once nuevas canciones grabadas en Londres y Nashville bajo producción de Eg White y Butch Walker. El primer single extraído fue '(I do) Like we do'. En octubre de 2019 se publicó 'True Love: A Celebration Of Cole Porter' y su entrega más reciente fue 'Alone With My Faith' en 2021.
Hoy cumple 58 años el músico y compositor de música electrónica Richard Melville Hall, más conocido por el nombre artístico de Moby, nombre que Richard tomó de un lejano antepasado suyo, Herman Melville, autor de 'Moby Dick'. Ha sido una de las figuras más controvertidas del tecno, alabado por un lado por traer al primer plano el estilo, así como denostado por multitud de artistas y fans del género que le acusan de trivializar y banalizarlo.
En cualquier caso Moby fue una de las figuras de la música de baile más importantes de principio de los noventa ayudando a popularizar la música electrónica tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Moby fusionaba ritmos disco con guitarras distorsionadas, ritmos punk y producciones concretas que extraia del pop, dance o bandas sonoras. 'Go' alcanzó el top10 británico en 1991 convirtiendo a Moby en uno de los más solicitados productores tecno del momento.
Cuando la crítica americana comenzó a tomar en consideración su música con la publicación de 'Everything is Wrong' (1995), sus seguidores del principio de la década habían menguado, especialmente en el Reino Unido. Sin embargo siguió siendo un referente del género. En 1999 apareció 'Play', que con temas como 'Bodyrock', 'Natural blues' y 'Porcelain' fue su primer álbum nº1 en el Reino Unido. Vendió más de 10 millones de copias en el mundo y le consolidó como artista pop. Le siguió '18' (2002), que repitió éxito.
Desde entonces ha publicado cinco álbumes más. El mes de mayo de 2011 apareció el álbum 'Destroyed', del que se extrajeron los singles 'The day' y 'Lie down in darkness' y en 2012 Moby compuso la banda sonora de 'El legado de Bourne', cuarta entrega de la serie. El mismo año colaboró con el dúo de dubstep y electrohouse español Dubsidia y en octubre de 2013 se publicó su más reciente trabajo: 'Innocents', cuyo adelanto fue el single 'A case for shame'.
Moby es vegano y un firme defensor de los derechos animales. En noviembre de 2015 inauguró el restaurante Little Pine en Los Angeles, en el que sirven platos veganos con alimentos orgánicos inspirados en la comida mediterránea. El local tiene una sección con una biblioteca y una exposición de arte que gestiona el propio artista. Los beneficios del restaurante son donados a organizaciones de ayuda a animales. El 25 de febrero de 2016 puso a disposición en la página web del restaurante para la descarga gratuita un nuevo álbum de Moby llamado 'Long Ambients 1: Calm. Sleep.' con once cortes de música ambient que suman en total cuatro horas de música.
Hoy cumple 78 años el virtuoso de la guitarra folk-blues norteamericano Leo Kottke, que a lo largo de treinta años de carrera ha logrado convocar un nutrido grupo de fieles seguidores de culto.
Aunque nacido en Athens (Georgia), los constantes viajes de sus padres provocaron que Leo creciera en doce estados diferentes recibiendo todo tipo de influencias musicales, sobre todo el blues del delta del Mississippi y, especialmente, las obras de Mississippi John Hurt.
A pesar de sufrir sordera en ambos oídos causada primero a causa de un petardo en su niñez y, en segundo lugar, cuando hizo las prácticas de tiro en la Armada, Kottke quería ser músico y -tras recorrer el país- se estableció en Minneapolis donde se convirtió en una figura habitual de la escena folk.
Firmó para un pequeño sello, Oblivion, en el que publicó su primer álbum '6- and 12-String Guitar' (1969). Su segundo trabajo, 'Circle Round The Sun', llamó la atención del guitarrista John Fahey, cuyo mánager le consiguió a Kottke un contrato con Capitol Records.
El crítico Bruce Eder de Allmusic escribió: "Los cambiantes estados de ánimo que conforman el álbum hacen de su escucha una experiencia ensoñadora. Las canciones de Kottke son magníficas, aunque el virtuosismo instrumental ensombrece en ocasiones la belleza de la música". En 1976 firmó con Chrysalis, donde publicó cinco álbumes, entre ellos, 'Time Step' (1983). Diez años después se cambió a Private Music, sello en el que grabó ocho álbumes más hasta 1999.
Su apretada agenda de actuaciones y giras además de las numerosas grabaciones empezaron a pasar factura a los dedos de Kottke, problema que se añadía a su sordera, por lo que a finales de los ochenta tuvo que reducir drásticamente las apariciones en público.
De sus últimas grabaciones cabe destacar los álbumes grabados en colaboración con Mike Gordon, bajista de Phish: 'Clone' (2002) y 'Sixty Six Steps' (2005) y sus últimas entregas propias, 'Standing in my Shoes' (1997), 'One Guitar, No Vocals' (1999) y 'Try and Stop Me' (2004), publicado éste último en RCA. En agosto de 2020 publicó un tercer álbum con Mike Gordon, 'Noon'.
Hoy cumple 88 años el compositor estonio Arvo Pärt nacido en Paide (Estonia). Su obra se inserta dentro del estilo minimalista y más específicamente dentro del 'minimalismo sacro'. Es considerado un pionero en ese estilo, como sus contemporáneos Henryk Górecki y John Tavener.
Arvo Pärt es más conocido por las obras corales de su segundo período compositivo. Posee un lenguaje tonal austero de profunda belleza espiritual con técnicas minimalistas y contrapuntísticas. Resulta curioso que uno de los compositores modernos mas reconocidos y el que ha tenido más éxitos comerciales, en cuanto a ventas de discos se refiere, se dedique a la música sacra.
Aunque las primeras obras de Pärt muestran influencias rusas de Serguéi Prokófiev y Dmitri Shostakóvich, en los años siguientes rechazó los modelos tradicionales y comenzó a utilizar primero el serialismo y más tarde un collage de materiales, como en su “Sinfonía nº 2” (1966). Tras un periodo de transición en el que utilizó la polifonía europea, como en su “Sinfonía nº 3” (1971), alcanzó una fase de madurez.
Pärt experimentó una profunda crisis personal después del primer período. Su respuesta fue sumergirse en la música antigua, es decir, volver a las raíces de la música occidental. Estudió canto llano, canto gregoriano y las primeras apariciones de la polifonía en el Renacimiento. Al mismo tiempo comenzó a explorar la religión y se unió a la rígida Iglesia ortodoxa rusa, indicando que quizá su crisis no era exclusivamente musical, sino también espiritual.
Entre 1968 y 1971 se dedicó al estudio de los compositores medievales franco-flamencos, desde Guillaume de Machaut a Josquin des Prez. Siguió un periodo de silencio que duró hasta 1976, fecha de su primer contacto con la música de la iglesia ortodoxa.
En 1980 pudo abandonar Estonia junto con su familia con destino a Israel, aunque por último decidió establecerse en Viena y más tarde, en 1982, en Berlín.
La música que produjo en esta época fue radicalmente diferente. Pärt la describe como “tintineante” (tintinnabular) como el tañir de campanas. La música se caracterizaba por armonías simples, frecuentemente notas sueltas sin adornos, o acordes triádicos (los cuales formaron la base de la armonía occidental). Hay alguna reminiscencia al sonido de las campanas (de allí el nombre). Los tintinábulos son rítmicamente simples y no cambian el tempo. Es clara la influencia de la música antigua en estas obras.
Otra característica de las últimas obras de Pärt es que tienen textos sagrados (aunque la mayoría de las veces prefería usar el latín o la lengua eclesiástica eslava que se usa en la liturgia de la iglesia ortodoxa en vez de su lengua materna (el idioma estonio).
Pärt es más conocido por sus últimas obras, y es un caso infrecuente de compositor moderno que alcanza la popularidad en vida.
La música de Arvo Pärt ha atraído a la atención pública en Occidente, particularmente gracias a Manfred Eicher, que a partir de 1984 grabó varias de sus composiciones para el sello ECM Records, además de influir en la nueva generación de compositores estonios como Erkki-Sven Tüür y Lepo Sumera.
Pärt ha dicho que su música es similar a la luz que pasa a través de un prisma (óptica): “la música puede tener un significado ligeramente diferente en cada oyente, creando un espectro de experiencias musicales, similar al arco iris.”
El compositor minimalista Steve Reich comentó acerca de Pärt: «Ya desde que estaba en Estonia, Arvo estaba sintiendo lo mismo que el resto de nosotros. [...] Amo su música y amo el hecho de que sea un hombre tan talentoso y valiente. [...] Está completamente fuera de la corriente dominante y sin embargo es enormemente popular, lo cual es muy inspirador. Su música llena una profunda necesidad humana que no tiene nada que ver con la moda».
Las obras de Arvo Pärt se agrupan en: Obras para voces y orquesta, obras para voces y conjunto instrumental (y piano), obras para coro (y órgano), obras orquestales, obras para instrumentos solistas y orquesta y obras instrumentales.
- “Tabula rasa” (1977) (The 12 Cellists of the Berlin Philharmonic Orchestra, Dennis Russell Davies, Staatsorchester Stuttgart, Saulus Sondeckis & Lithuanian Chamber Orchestra)
- “Cantus in memoriam Benjamin Britten” (1977) (The 12 Cellists of the Berlin Philharmonic Orchestra, Dennis Russell Davies, Staatsorchester Stuttgart, Saulus Sondeckis & Lithuanian Chamber Orchestra)
- “Spiegel Im Spiegel” para violín o violonchelo y piano (1978) (Tasmin Little, violín & Martin Roscoe, piano)
- “Fratres para violín y piano”(1980) Parte 1), Parte 2) (Ryan Cockerham, violín & Adam Jackson, piano)
-“De Profundis”(1986) (Christopher Bowers-Broadbent, organ Tonu Kaljuste, percusión & Estonian Philharmonic Chamber Choir)
- “Miserere” (1989) (The Hilliard Ensemble & David Vernier)
- “Magníficat para coro” (1989) (Tönu Kaljuste , dir. & Estonian Philharmonic Chamber Choir)
- “My heart is in the highlands” (2000) (Else Torpand & Christopher Bowers)
- “Sinfonía nº 4” - 2º movimiento (2008) (The Los Angeles Philharmonic).
- “Salve Regina” (2001 - 2011) (The Estonian Philharmonic Chamber Choir. Conducted by Paul Hillier).
Su reciente Sinfonía nº4 , denominada 'Los Angeles' está dedicada a Mikhail Khodorkovsky y se estrenó en el Walt Disney Concert Hall de Los Angeles el 10 de enero de 2009. Fue nominada a un Grammy por 'mejor composición clásica contemporánea'.
La música de Pärt se ha usado en más de cincuenta filmes, como “Väike motoroller” (1962) y “Promised Land” (‘Tierra prometida, 2004). El “Cantus in Memory of Benjamin Britten” fue usado en “Les Amants du Pont-Neuf” (de Léos Carax, 1991), en “Fahrenheit 9/11”, cuando mostraba el final de los ataques terroristas del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York y en la película “Japón” del cineasta mexicano Carlos Reygadas. “Spiegel im Spiegel” fue usado en “Wit” (de Mike Nichols, 2001) , en "Swept Away" de Guy Ritchie protagonizada por Madonna (2002), en el drama “Gerry” (de Gus van Sant, 2003), “Soldados de Salamina” (de Fernando Trueba, 2002) y en “Elegy” (de Isabel Coixet, 2008).
El 31 de marzo de 2020, fue galardonado en España con el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento, en la categoría de Música y Ópera
Los tres primeros 'Alone with everybody' (2000), 'Human Conditions' (2002) y 'Keys to the World' (2006) alcanzan los primeros tres puestos de las listas inglesas con temas como 'A song for the lovers', 'Money to burn', 'Check the meaning' y 'Break the night with colour'.
