30 septiembre 2016

Basia


Hoy cumple 62 años la cantante polaca nacida en Jaworzno (Polonia) Basia Trzetrzelewska (pronunciado bashia), que ya en su país perteneció a varias bandas pop y rock. En 1981 se establece en Londres y allí conoce a Mark Reilly y Danny White y juntos forman un trío dos años después bajo el nombre de Bronze, que más tarde cambiarían a Matt Bianco.

Matt Bianco
En 1984 aparece su primer álbum, 'Whose side are you on?' conteniendo una colección de temas jazz-pop con toques latinos muy bailables. El álbum se convierte en éxito en toda Europa, vendiendo millón y medio de copias y coloca dos singles en las listas del Reino Unido: 'Get out of your lazy bed' y 'Half a minute'. Al año siguiente Basia y Danny White, que a la postre acabarían siendo pareja, abandonan el proyecto Matt Bianco y en 1987 la cantante polaca graba su debut en solitario, 'Time and Tide', que le abre las puertas al mercado americano, en el que logra vender más de un millón de copias.

Le sigue 'London, Warsaw, New York' con el que repite éxito. Sin embargo, su tercer trabajo, 'The Sweetest Illusion' (1994) ya no recibe la misma acogida, aunque para entonces ya es muy popular en Asia y Europa -especialmente en Francia y Japón- donde sus discos se venden muy bien. Tras grabar un álbum en directo y publicar un recopilatorio, y a pesar de gozar de una carrera y reconocimiento internacionales, la muerte de varios seres queridos -entre ellos, su madre- provoca que Basia se retire unos años del mundillo al haber "perdido la ilusión para cantar".

En 2003 pareció haberla recuperado, ya que aceptó el ofrecimiento de Reilly y White para grabar una nueva entrega de Matt Bianco. 'Matt's Mood' aparece en 2004 y es de nuevo un éxito de público y crítica.
En 2011 terminó su gira por Estados Unidos para promocionar su último trabajo en solitario 'It's That Girl Again' (2009), en el que siguió contando con la ayuda de su pareja, Danny White.

Marilyn McCoo


Hoy cumple 73 años Marilyn McCoo, actriz, cantante y presentadora de TV, principalmente conocida por ser la cantante solista del grupo The 5th Dimension, con los que, a finales de los años sesenta, cosechó éxitos como 'Up, up and away' (1968), 'Stoned soul picnic', 'Wedding bell blues' y el medley 'Aquarius/Let the sunshine in' (1969).

Contrajo matrimonio con uno de los miembros del grupo, Billy Davis Jr, con el que formó un dúo en 1975 abandonando The 5th Dimension. Juntos obtendrían más éxitos como 'You don't have to be a star', nº1 en 1977. A principios de los años ochenta se separan profesionalmente (que no sentimentalmente, ya que su matrimonio con Billy Davis Jr dura hasta nuestros días) y Marilyn se dedica de lleno a la TV, presentando varios programas y apareciendo en series, aunque siguió grabando álbumes de vez en cuando.

Billy Davis Jr. y Marilyn McCoo
Además de celebrar su amor y vida en común -en 2009 fue el 40 aniversario- junto a Billy con la publicación del libro 'Up, up, and away' subtitulado 'Cómo encontramos el amor, la fe y un matrimonio duradero en el mundo del espectáculo', en 2008 grabaron nuevo disco juntos: 'The Many Faces of Love'.

Johnny Mathis


81 años cumple hoy Johnny Mathis, cantante y compositor estadounidense nacido en Gilmer (Texas). Mathis es el último de los vocalistas masculinos tradicionales que surgieron antes del estallido del rock en los años cincuenta. Comenzó cantando temas de jazz, pero su productor Mitch Miller, lo prefería interpretando pop melódico y canciones románticas.

Aunque John Roy Mathis creció como el cuarto de siete hermanos en una familia afroamericana pobre de San Francisco, su infancia y adolescencia ya comenzaron a predecir su posterior éxito. Su padre, Clem, un antiguo artista de vaudeville procedente de Texas reconoció pronto el talento de Johnny y cuando cumplió los ocho años le compró un piano de segunda mano y le enseño números de vaudeville que representaban en familia. El joven Mathis también cantaba en el coro de la iglesia y ganó un concurso de jóvenes talentos con catorce años. Un año antes había impresionado de tal manera a la profesora de canto Connie Cox, que esta le ofreció clases gratis, ya que la familia no estaba en condiciones de financiarlas. Las lecciones, centradas en canto clásico y ópera continuaron durante seis años.

Johnny, practicando el salto de altura
Pero la música no era el único campo donde Mathis mostró sus capacidades. Fue el primer alumno negro en ser elegido para la mesa presidencial de la asociación de estudiantes en la San Francisco Roosevelt Junior High School y cuando se cambió a la George Washington High School, lo eligieron tesorero de la clase. También brilló en atletismo siendo un destacado saltador de altura y jugador de basket. Ingresó en la universidad estatal de San Francisco con la intención de convertirse en profesor de lengua inglesa, pero sus aptitudes deportivas le hicieron considerar la carrera de entrenador deportivo o profesor de gimnasia. Poseedor de un récord universitario de salto de altura, fue invitado a participar en los Juegos Olímpicos de 1956, pero declinó la oferta para, finalmente, dedicarse a la música.

Helen Noga
Durante su estancia en la universidad se había interesado por el jazz y comenzó a cantar en los clubes locales con un sexteto liderado por uno de sus compañeros de estudios, Virgil Gonsalves. Durante una de sus actuaciones en el Black Hawk de San Francisco, atrajo la atención de una de las propietarias del local, Helen Noga, quien, determinada a convertirlo en una estrella, se convirtió en su mánager. Noga le ayudó a conseguir mejores contratos en clubes de mayor prestigio, en uno de los cuales fue descubierto por George Avakian, uno de los productores de Columbia Records.

Mathis y Mitch Miller
Aunque con ciertos remordimientos por no terminar sus estudios, Mathis se trasladó a Nueva York para grabar con Columbia. Allí también realizó actuaciones en los mejores clubes de la ciudad como el Village Vanguard y el Blue Angel. Su primer álbum, grabado con arreglos de jazz, obtuvo escasas ventas. Sin embargo, Awakian tenía fe en su último descubrimiento y lo mandó a trabajar con otro productor de Columbia, Mitch Miller, el cual inmediatamente se dio cuenta del estilo que necesitaba Johnny. Le hizo cambiar del jazz a las melódicas baladas pop que se convertirían en su marca registrada. Su primer éxito en esta línea fue 'Wonderful, wonderful', en 1957.

Le siguieron 'It's not for me to say', tema principal del film 'Lizzie', donde apareció haciendo un papel de un cantante de night-club y una de sus canciones más recordadas, 'Chances are', que fue nº1 en las listas pop de 1957. En 'A certain smile' , otro film de 1958, también interpretó un papel de cantante, esta vez de mayor importancia. Siguió publicando éxitos como 'Small world', 'Misty' (1969), 'Gina' (1962) y 'What will Mary say' (1963), pero su éxito discográfico comenzó a disminuir, por lo que, insatisfecho con el management de Nora, se independizó en 1964, estableciendo su propia compañía, Rojon Productions.


Desde entonces se concentró sobre todo en la grabación de álbumes, de los cuales ha publicado unos 130 con unas ventas globales de más de 350 millones de copias, con temas como 'On a clear day' (1965), 'Love theme from Romeo and Julia' (1969), 'Pieces of dreams''I'm coming home' (1973).

Se mantuvo en los setenta como un showman ocupado realizando numerosos conciertos. Hasta entonces, el público de Mathis había sido predominantemente blanco. Eso comenzó a cambiar en 1978 cuando volvió a lo más alto de las listas haciendo dúo con Deniece Williams en el tema 'Too much, too little, too late', su primer nº1 en las listas negras de R&B y el segundo en las listas pop. Ha grabado duetos con Gladys Knight, Regina Belle y Dionne Warwick. También se hizo cargo de la versión en inglés del 'Eres tú' de Mocedades.

Tras Elvis y Sinatra es uno de los artistas que más álbumes ha vendido de la historia. Actualmente, Mathis sigue actuando regularmente y procura que alguna de las actuaciones coincida con un torneo de golf, deporte del que es un apasionado. Ha conseguido siete albatros (hoyos en uno) a lo largo de su vida. En 1982 publicó un libro de cocina, 'Cooking for you alone' y realizó unas polémicas declaraciones en la revista Us: "La homosexualidad es un modo de vida al que estoy acostumbrado desde hace tiempo", seguramente refiriéndose a la relación que mantuvo durante varios años con un saxofonista.

Tras esta 'sallida del armario' no volvió a mencionar el tema durante más de veinte años. En una entrevista de 2006, el cantante reveló que, tras la publicación de sus declaraciones a Us, recibió numerosas amenazas de muerte, procedentes sobre todo de los estados del sur, por lo que decidió guardar silencio. Uno de sus últimos trabajos publicados ha sido 'Let it be me: Mathis in Nashville', que apareció en otoño de 2010 y recibió una nominación al Grammy por 'mejor álbum vocal de pop tradicional'. En 2013 apareció su sexto álbum de temas navideños: 'Sending You a Little Christmas'.

Cissy Houston


83 años cumple hoy la cantante de soul y gospel Cissy Houston, nacida en Newark (New Jersey). A principios de los sesenta -más o menos cuando estaba a punto de nacer una de sus hijas, la futura estrella Whitney Houston- formó parte junto a Dee Dee Warwick y Doris Troy del grupo vocal The Sweet Inspirations.

The Drinkard Singers en 1957
Nacida como Emily Drinkard, fue la última de ocho hermanos nacidos de la pareja formada por Nicholas y Delia Mae Drinkard, que procedían de Georgia. Ya desde su infancia, sus padres la animaron a cantar en el grupo vocal familiar de gospel The Drinkard Four, junto a su hermana Anne y sus hermanos Larry y Nicky. Más tarde se uniría otra hermana, Lee (madre de Dee Dee y Dionne Warwick) junto a Ann Moss y Marie Epps y el grupo se denominó The Drinkard Singers. Solían cantar en la Iglesia babtista New Hope y más tarde grabarían un álbum en vivo para RCA llamado 'A Joyful Noise'.

Sylvia, Estelle, Cissy y Myrna
A principios de los años sesenta se había formado otro grupo vocal llamado The Sweet Inspirations integrado por Doris Troy y las dos hermanas Warwick, Dee Dee y Dionne. Doris y Dionne consiguieron un hit como solistas y en 1963, poco antes de dar a luz a su hija Whitney, Cissy Houston se unió a The Sweet Inspirations junto a su sobrina Dee Dee y Sylvia Shemwell. Cuando la carrera de Dee Dee pareció despegar también, esta fue sustituida por Myrna Smith, y Estelle Brown se incorporó poco después, quedando configurado el grupo como cuarteto. Desde 1965 hasta 1970, Houston fue la voz solista de las Sweet Inspirations, que suministraron las voces a grabaciones de cientos de artistas como Aretha Franklin, Wilson Pickett, Otis Redding, Dusty Springfied, Drifters, Jimi Hendrix y Van Morrison (son las voces femeninas de 'Brown eyed girl'), antes de grabar bajo su nombre.

The Sweet Inspirations en 1968
En 1968 publicaron sus dos únicos álbumes, 'Sweet Inspirations' y 'What the World Needs Now is Love' y lograron una nominación al Grammy y un Top20 con el tema 'Sweet inspiration'. Poco después fue Cissy quien dejó el grupo y en 1969 comienza una carrera en solitario grabando durante los años siguientes algunos discos como 'I'll be there' (1970) y 'Be my baby' (1971). Fue la primera en grabar 'Midnight train to Georgia', un gran hit un año más tarde en la voz de Gladys Knight and the Pips.

Sin el éxito esperado, acompañó a Warwick como parte del coro de acompañamiento y colaboró con Connie Francis y Nina Simone.  Seguidamente se apartó de los escenarios con el fin de educar a sus tres hijos, Gary, Michael y Whitney y pasaar más tiempo con su entonces marido John. A finales de los años setenta volvió al negocio publicando los álbumes 'Cissy Houston' (1977), 'Warning Danger' (1979) y 'Step Aside for a Lady' (1980) Del musical de éxito Annie, grabó dos temas: 'Tomorrow' (1977) y 'Think it over' (1978), su última entrada en las listas.



A pesar del escaso éxito como solista, Cissy seguía estando considerada una gran vocalista de sesión, así como extraordinariamente versátil, adaptándose con facilidad a todos los géneros, y colaboró con Burt Bacharach, Herbie Mann, Aretha Franklin, Chaka Khan, Chuck Jackson y Luther Vandross, entre otros.

Whitney y Cissy
En los años noventa, ya pasado el testigo del pop a su hija Whitney, Cissy volvió a sus raíces gospel y en 1996 recibió un Grammy por el mejor álbum de gospel y soul tradicional, 'Face to Face'.
Los últimos años estuvo dedicada a su hija tratando de conducirla por el buen camino cuando se descubrió su adicción a las drogas. En más de una ocasión fue Cisssy quien arrastró a Whitney a las clínicas de rehabilitación. Whitney murió en febrero de 2012. Poco después, en un acto en tributo a su memoria, Cissy cantó 'Bridge over troubled water'.

29 septiembre 2016

Brett Anderson


Hoy cumple 49 años el cantante y compositor rock Brett Anderson, nacido en el condado de West Sussex (Inglaterra), vocalista de la banda Suede, formada en 1989. El panorama musical inglés andaba un poco perdido a principios de los noventa a causa de la invasión del grunge americano, que le estaba disputando la batuta de las nuevas tendencias del pop y el rock al Reino Unido.

De manera que cuando Suede publicaron su primer single en 1992, 'The Drowners', la crítica se rindió a sus pies, recibiéndoles como los 'nuevos Smiths' y la gran esperanza del pop británico. Sería entonces cuando se inició una relación muy especial con la prensa musical inglesa, tan propensa a exageraciones y escándalos, en la que no siempre saldrían bien parados. Incluso antes de que el primer álbum de Suede fuera lanzado al mercado, el estilo andrógino de Anderson y las imprecisas confesiones acerca de su sexualidad ("soy un bisexual que nunca ha tenido una experiencia homosexual") generaron más de una polémica. En 1993, 'Suede' se posicionó en el primer lugar de las listas en el Reino Unido.

Suede
Combinando la postura homoerótica de Morrissey con el glam de David Bowie, Anderson y su grupo coparon durante toda la década las listas británicas con temas como 'Animal nitrate' (1993), 'Stay together', 'The wild ones' (1994), 'Trash', 'The beautiful ones', 'Saturday night' (1996), 'Lazy', 'Filmstar' (1997), 'Electricity' y 'She's in fashion' (1999), hasta que, tras la publicación del fallido álbum 'A New Morning' (2002), se separan.


Tras una fugaz experiencia en The Tears, grupo formado junto a otro ex-Suede, el guitarrista Bernard Butler, con los que graba 'Here Come the Tears' (2004), Brett publica su primer álbum en solitario, 'Brett Anderson' que se publica en marzo de 2007 y del que se extrae el single 'Love is dead'.

En 2008 se anunció la presentación en un concierto a celebrar en Londres de 'Wilderness', el segundo álbum de Brett. A todos los asistentes se les entregó con el ticket de entrada una memoria USB que contenía el álbum en formato digital. Fue grabado en sólo siete días con la mayoría de los cortes registrados en directo. Brett toca el piano y las guitarras acústicas y está acompañado al chelo por Amy Langley. Uno de los temas, 'Back to you' esta cantado a dúo con la actriz francesa Emmanuelle Seigner.

Su tercer álbum, 'Slow Attack' (2009), está coescrito con Leo Abrahams. La música está más orquestada que en 'Wilderness' y los arreglos incorporan más instrumentos. Su última entrega hasta la fecha, fue su álbum 'Black Rainbows', publicado en septiembre de 2011, que vino precedido del single 'Brittle heart'.

En enero de 2010 se anunció oficialmente que Suede se volvían a reunir para una serie de conciertos. Siguieron actuando y tras una gira por Asia comenzaron a grabar un nuevo álbum que vio la luz en marzo de 2013, 'Bloodsports', su primer trabajo desde 2002 que fue recibido con excelentes críticas. A su publicación le siguió una gira europea y en febrero de 2014 anunciaron nuevo álbum, 'Night Thoughts' que se publicó en enero de 2016.

Mark Farner


68 años cumple hoy el guitarrista, cantante y compositor rock Mark Farner, nacido en Flint (Michigan). Farner, cuyo abuelo materno era indio cherokee, tenía sólo veinte cuando comenzó a formar parte de esa maquinaria de éxitos americana en la que se convirtió Grand Funk Railroad -la banda favorita de Homer Simpson- en los años setenta.

Mark, en 1971
Sin la bendición de la crítica, pero con una pléyade de fans, lograron vender más de 25 millones de copias de la decena de álbumes que grabaron hasta 1976. Quedaron para la historia del rock álbumes como 'On Time' (1969), 'Grand Funk' (1970), 'Closer to Home' (1970), 'We're An American Band' (1973) y 'Caught in the Act' (1975) y temas como 'I'm your captain' (1970), 'We're an american band' (1973), 'Some kind of wonderful', 'The locomotion' (1974) y 'Bad time' (1975).

Farner, tras la disolución del grupo emprendió carrera en solitario y grabó dos álbumes, 'Mark Farner' (1977) y 'No Frills' (1978), antes de reunirse de nuevo con su socio de Grand Funk, Don Brewer, para revivir la banda en 1980. Graban dos álbumes más, 'Grand Funk lives' y 'What's Funk' y, en 1988, Mark abandona la banda para dedicarse a la música cristiana.  Publica los álbumes 'Just Another Injustice' (1988), 'Wake Up' (1989) y 'Some Kind of Wonderful' (1991).

En 1996 se produjo una nueva reunión para un par de shows y, ante el éxito, decidieron seguir juntos tres años más dando conciertos, tras los cuales Farner volvió a su trabajo en solitario. Su último álbum fue 'For the people', publicado en 2006.
En el 2000, Brewer y Schacher, otro miembro de la formación original, decidieron reclutar al cantante Max Carl proveniente de 38 Special y al teclista Timothy Cashion y continuaron como Grand Funk Railroad. De gira constantemente desde entonces, esta agrupación ha construido una nueva audiencia, recuperando a fans de la banda original.

Jean-Luc Ponty


Hoy cumple 74 años el violinista de jazz-rock Jean-Luc Ponty nacido en Avranches (Francia). Hijo de profesores de música, Jean-Luc empezó a estudiar violín, piano y armonía a los cinco años, y a los diecisiete entró en el conservatorio superior de música de Paris, del que salió en 1960 con su primer premio de violín.

Durante sus años de conservatorio, Ponty descubrió el jazz y escuchó la música de Kenny Clarke, Bud Powell y Dexter Gordon en los clubes parisinos. Sin embargo la formación clásica estuvo como su prioridad principal y cuando finalizó el conservatorio, entre 1960 y 1962, comenzó a tocar en orquestas sinfónicas. Al mismo tiempo, en sus ratos libres, tocaba con grupos de jazz locales, como la orquesta de Jeff Gilson en Paris. Poco a poco el jazz tomó más protagonismo en su carrera y en 1963 abandonó la sinfónica para comenzar su nueva carrera. Tras actuar en el Festival de Jazz de Antibes -el único certamen importante de jazz en Europa en aquellos años- su fama se disparó.

En 1966 la revista Down Beat lo situó a la cabeza de los solistas con instrumentos poco habituales en el jazz. Tocó en el Blue Note de Paris y en el club Camaleón con el organista Eddy Louiss y el batería Daniel Humair. Su entrada en la escena del jazz americano se produjo en 1967 cuando acudió al Festival de Jazz de Monterey en California. Aquí llamó la atención de los aficionados estadounidenses así como de los sellos discográficos. Antes de regresar a Francia, Ponty realizó varias actuaciones y grabó algunos álbumes como 'The Jean-Luc Ponty Experience with The George Duke Trio' (1969) y 'Electric Connection' con la Gerald Wilson Big Band.

Jean-Luc tenía su propia banda en la que primaba la improvisacion, pero el violinista, educado en el clasicismo, no se encontraba del todo a gusto con la falta de estructura del género y la banda se disolvió a los dos años. En 1973 recibió la llamada de Frank Zappa para unirse a él en una gira. Ponty ya había colaborado con él en 'Hot Rats' 1969 y el músico se trasladó con su mujer y dos hijas a Los Angeles. Allí, además de acompañarle a cuatro de sus giras, colaboró con Zappa en sus álbumes 'Over-Nite Sensation' (1973) y 'Apostrophe' (1974).


Más adelante, hizo lo propio con la Mahavishnu Orchestra de John McLaughin en 'Apocalypse' (1974) y 'Visions of the Emerald Beyond' (1975).

Aunque no le faltaba trabajo, y colaboró con grandes artistas como Elton John, Jean-Luc todavía no había encontrado el vehículo ideal para expresarse musicalmente. En 1975 firma un contrato con Atlantic Records, donde los siguientes diez años publicaría 11 álbumes consecutivos con sus correspondientes giras por todo el mundo, entre los que destacan 'Upon the Wings of Music' (1975), 'Aurora' (1975), 'Imaginary Voyage' (1976), 'Enigmatic Ocean' (1977), 'A Taste for Passion' (1979), 'Individual Choice' (1983) y 'Open Mind' (1984).

En 1989 publica con Columbia 'The Gift of Time', al que seguiría el magnífico 'Storytelling' (1989), en el que demuestra su formación clásica y en el que tras muchos años, vuelve a tocar el violín acústico, y 'Tchokola' (1991), donde experimentó con ritmos africanos usando estructuras musicales de Senegal, Mali y Camerún.
De vuelta con Atlantic graba 'No Absolute Time' (1993) y 'The Rite of Strings' (1995), este último, también en formato acústico, con Stanley Clarke y Al DiMeola. Este super-trio realizó a continuación una gira de seis meses por Europa y el continente americano. En agosto de 2001 publicó el CD 'Life Enigma' en su propio sello, JLP Productions.

Ponty posee un virtuosismo extraordinario al violín eléctrico con el que ha descubierto sonoridades que resisten muy bien la prueba del tiempo. Su última entrega discográfica hasta la fecha fue 'The Atacama Experience' publicado en 2007.
Desde entonces no ha parado de realizar giras por todo el mundo. El año 2011 fue invitado por Chick Corea a unirse a ellos para una serie de conciertos en la cuarta encarnación de Return to Forever.
En abril de 2012 se reunió con el guitarrista Al DiMeola y el bajista Stanley Clarke para realizar un concierto en el Chatelet Theatre de Paris conmemorando sus 50 años en la música.
En septiembre de 2014 se anunció su colaboración con el cantante Jon Anderson que dio lugar a la formación de APB (AndersonPonty Band), cuyo álbum 'Better Late than Never' apareció en 2015.

Nicola Di Bari


Hoy cumple 76 años el cantautor italiano Nicola di Bari nacido en Zapponeta (Foggia). Comenzó a cantar en 1960, pero su particular tono de voz tardó en imponerse. En 1963 grabó su primer sencillo, y al año siguiente logró cierta repercusión con 'Amore torna a casa', siendo invitado a participar en el festival de San Remo 1965.

Compartió con Gene Pitney el tema 'Amici miei' que alcanzó la ronda final. En 1966 y 1967 volvió a participar con Pitney, interpretando 'Lei mi Aspetta' y 'Guardati alle spalle', sin llegar a la final. Su carrera discurrió sin más repercusión, hasta que por sorpresa logró un éxito enorme en San Remo 1970, donde alcanzó el segundo lugar con 'La prima cosa bella', en dupla con Ricchi e Poveri.

La consagración definitiva le llegó en la edición 1971 del festival, cuando compartió con Nada la canción ganadora 'Il cuore é uno zingaro'. Repitió el triunfo en 1972 -primer año en el que las canciones tuvieron un sólo intérprete- con 'I giorni dell'arcobaleno'. Ese mismo año representó a Italia en Eurovisión con la misma canción. En su última actuación en San Remo fue finalista en 1974, con 'Il matto del villaggio'.

Fue muy popular en España, Argentina y otros paises sudamericanos, por los que realizó continuas giras en los años 70 y 80, grabando muchos de sus temas en castellano. Otros éxitos fueron: 'Chitarra suona piú piano', 'Vagabondo', 'Agnese' y 'Il mondo é grigio, il mondo é blu'Tras años alejado del mundo del espectáculo, publicó en 2014 nuevo álbum, 'La Mia Veritá', en versión italiana y española, con versiones nuevas de antiguos éxitos y temas como 'Olvidame' y 'La jaula del recuerdo'.

Jerry Lee Lewis


Hoy cumple 81 años el pianista y cantante de rock & roll y country Jerry Lee Lewis, uno de los supervivientes de la primera generación del rock & roll junto a Little Richard y Fats Domino. Si Elvis era escandaloso, Jerry Lee Lewis era directamente un inadaptado social. Fue el primer rockstar de la historia. Rebelde, provocador, impertinente, blasfemo, abiertamente sexual e incluso polémico en su vida personal, este rubio de Ferriday (Louisiana), personificó el salvajismo del rock'n'roll en los años cincuenta.

A los 21 años, cuando se presentó a una audición en los estudios Sun, Jerry Lee había sido expulsado de una escuela religiosa, se había casado dos veces, había intentado trabajar (sin éxito) como vendedor de máquinas de coser y había pasado una temporada en prisión. Tocaba el piano desde los 10 años y carecía de toda clase de complejos: estaba seguro de que era el mejor, y no lo ocultaba. Su primer single fue una versión de un viejo tema llamado 'Crazy arms'. Las ventas funcionaron aceptablemente, por lo que Sam Phillips (dueño del estudio) convocó a Lewis para grabar más canciones.

Más seguro de sí mismo -si cabe- sus presentaciones comenzaron a dar muestra de una energía que rondaba lo maniático, parándose en medio de las canciones para tocar con los codos o los pies e incluso, como lo hizo una vez en una fecha compartida con Chuck Berry, incendiar su piano al final del show. Su siguiente single fue su verdadero salto al estrellato, tanto que Sam Phillips pasó a considerarlo como el único artista capaz de disputarle el trono a Elvis Presley. El tema se llamaba 'Whole lotta shakin' goin' on'. Y luego llegó la confirmación, con el mítico 'Great balls of fire'.

Jerry Lee y Myra
En 1958, en el pico de su carrera, el mayor de sus numerosos escándalos terminó destruyéndolo: contrajo matrimonio con Myra Gale Brown, que no solo era su prima, además tenía apenas trece años. En su primera gira por Gran Bretaña, la prensa se enteró del asunto y lo crucificó. A nadie interesó la explicación de que en el sur de Estados Unidos era una práctica muy habitual. El tour fue cancelado y a su regreso a America sus discos fueron prohibidos. Sus días como estrella del rock & roll habían terminado...

Jerry Lee Lewis recuperaría cierta popularidad a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando se dedicó al country & western y obtuvo algunos hits como 'Chantilly lace', en 1973. Luego su vida personal entró de nuevo en una pendiente descendente: su matrimonio con Myra terminó, sus dos esposas siguientes murieron (una ahogada, otra de sobredosis de metadona) y su hijo de 19 años también perdió la vida en un accidente.

El 22 de noviembre de 1976, Jerry estrella su Rolls Royce en una cuneta y es arrestado por conducir borracho. Diez horas después, se presentó en casa de Elvis Presley, -borracho de nuevo y con una pistola cargada- asegurando a voz en grito que su viejo colega de la Sun Records le había arrebatado el trono del Rock and Roll y merecía morir. El escándalo dio la vuelta a los Estados Unidos... Su adicción al alcohol y los tranquilizantes se volvió incontrolable. De no haber ingresado en la clínica de rehabilitación Betty Ford, difícilmente habría sobrevivido.

De hecho, muchos lo dieron por muerto hasta que en 1981 publicó el single 'Thirty nine and holding' (39 años y aguantando). A mediados de los años 80 su carrera tuvo un nuevo revival gracias a la película biográfica 'Great balls of fire'. Hasta nuestros días sigue dando recitales por todo el mundo, manteniendo las extravagancias escénicas de antaño y demostrando que nunca se es demasiado viejo para el rock n' roll.
A pesar de sus problemas personales, su talento musical es incuestionable. Apodado 'The Killer' (El Asesino) por su poderosa voz y su manera de tocar el piano en el escenario, fue descrito por su compañero Roy Orbison como "el cantante más salvaje de la historia de la música rock".

En 1986 Jerry Lee Lewis formó parte del primer grupo incluido en el Rock and Roll Hall of Fame, siendo el primer artista introducido en el mítico Salón de la Fama. Sus últimos trabajos han sido sendos álbumes de duetos, 'Last man standing' (2006) y 'Mean Old Man' (2010), con varios 'próceres' del rock (Jimmy Page, Ringo Starr, Mick Jagger, Keith Richard, Don Henley, Sheryl Crow, Eric Clapton y Neil Young, entre otros).
Uno de los pasatiempos favoritos del Killer cuando va pasadito de copas es (o por lo menos era) contarle a jóvenes periodistas incautos las trolas más fantásticas que uno se pueda imaginar acerca de su juventud y comienzos. Por eso muchas biografías de Jerry Lee están llenas de anécdotas y hechos que son pura invención.


Otra de las características de su personalidad es su extraordinaria soberbia. En la ocasión mencionada más arriba, se celebró un show en 1958 organizado por Alan Freed y Jerry Lee aparecía en el cartel inmediatamente antes que Chuck Berry, que era el artista que cerraba el show.

Acostumbrado a finalizar los conciertos con sus frenéticas canciones, le sentó como un tiro tener que tocar antes que Chuck Berry, precisamente en un momento en el que ambos estaban en lo mejor de sus respectivas carreras. Así que, mientras se despedía con el 'Whole lot of shakin' roció el piano con gasolina, le prendió fuego y dijo mientras salía del escenario: "Supera eso, negro!" ('Top that, nigger'). El episodio aparece en la película 'Great Balls of Fire', aunque con el diálogo suavizado, por supuesto. En el film Jerry Lee dice: "Supera eso, amigo".