31 julio 2016

Stanley Jordan


Hoy cumple 57 años el pianista y guitarrista de jazz Stanley Jordan, nacido en Chicago. Jordan saltó a la fama a principios de los años 80 por una técnica novedosa de tocar la guitarra que consiste en presionar las cuerdas con las dos manos, en lugar de la tradicional de rasgar con los dedos de una mano y presionar las cuerdas contra el mástil con los dedos de la otra.

Nacido en Chicago, pero criado en California, con seis años comenzó sus clases de piano clásico. Unos años después pasó un tiempo estudiando trompeta, lo que terminó llevándole a la guitarra, en una época en la que los guitarristas comenzaban a ocupar portadas en las revistas musicales. Fue así, leyendo un artículo en una consulta de médico, como conoció a una de sus mayores influencias: Jimi Hendrix. "Él me inspiró a pensar que el límite era el cielo, a buscar más allá de lo conocido, lo que terminó conduciéndome al jazz"

Stanley comenzó a tocar en varias bandas de soul y de rock y con quince años, frustrado por no poder usar la versatilidad del piano con la guitarra, experimentó con afinaciones alternativas, descubriendo una conocida como 'afinación por cuartas' (Mi, La, Re, Sol, Do, Fa). Unos meses después empezó a considerar aplicar la técnica de 'tapping', para lo que sus conocimientos de piano le ayudaron a desarrollar su propia teoría y técnica, lo que él llama el 'sistema cromático' (básicamente, el sistema usa la escala cromática para medir los intervalos en vez de la mayor, y comienza en cero, en lugar de uno)

En 1977 ingresó en la Universidad de Princetown donde uno de sus maestros Milton Babbitt, había llegado a unas conclusiones similares a finales de los años cincuenta. Ambos trabajaron juntos y Babbitt se convirtió en el mentor y consejero de Jordan. Además de teoría musical, Stanley estudió informática y su papel en la composición musical, un campo en el que siguió trabajando tras graduarse. Con su licenciatura de música bajo el brazo, Jordan marchó a la conquista de Nueva York donde tocaba en pequeños clubes o incluso en la calle. En 1983 logró autoproducirse un álbum, 'Touch sensitive', que despertó escasa atención.

Esto cambió tras la aparición de Jordan en el Kool Festival de Nueva York y el álbum que grabó a continuación con el renovado sello Blue Note, 'Magic Touch' (1985), en el que desplegaba su personal técnica de 'tapping'. Producido por Al DiMeola, vendió cerca de medio millón de copias, una gran cifra considerando que se trataba se un álbum instrumental de jazz.

Desde entonces ha publicado una decena de álbumes entre los que destacan, 'Standards Vol 1' (1986), 'Cornucopia' (1990), 'Bolero' (1994), 'State of Nature' (2008) y 'Friends' (2011), su más reciente entrega. Jordan reside actualmente en Sedona, Arizona donde tiene la sede su empresa Sedona Books and Music. También es alumno de la Universidad Estatal de Arizona donde cursa estudios de un master en terapia musical.

Lobo


Hoy cumple 73 años el cantautor norteamericano Roland Kent Lavoie,  más conocido por su nombre artístico, Lobo. Nacido en Tallahassie (Florida), a principios de los 70 consiguió varios top10 en las listas Billboard con una serie de baladas que asimismo tuvieron bastante éxito en el Reino Unido y varios países europeos.

Sus temas más populares fueron 'Me and you and a dog named Boo' (1971), 'I'd love you to want me', 'Don't expect me to be your friend' (1972), 'How can I tell her' y 'It sure took a long long time' (1973). A finales de la década su popularidad decreció y en 1981 fundó su propio sello, Lobo Records (más tarde Evergreen), en el que publicó varios singles sin repercusión. En 1985 se retiró de los escenarios pero su repentina popularidad en el sureste asiático a finales de los 90 le animó a seguir grabando y actuando por aquellos lares.

En el año 2000 firmó con una compañía alemana, donde se hizo muy popular gracias a una serie de TV de gran audiencia que incluía el tema 'I'd love you to want me'. Allí grabó varios CDs con temas como 'Let it be me', 'Who'll stop the rain' y 'Different drum'. Su último trabajo hasta la fecha fue 'Out of Time', en 2008, con nuevas versiones de sus éxitos más alguna composición nueva.

Kenny Burrell


Hoy cumple 85 años el guitarrista de jazz Kenny Burrell, nacido en Detroit (Michigan). Perteneciente a una familia musical, comenzó a tocar la guitarra con doce años recogiendo influencias de Charlie Christian, Django Reinhardt y Wes Montgomery.

Nació en una familia de talentosos instrumentistas. Su padre tocaba el banjo, la mandolina y el ukulele; sus hermanos mayores eran ambos guitarristas. Su madre, que era cantante y pianista, insistió para que Kenny recibiera lecciones de piano, pero el joven Burrell no pareció muy entusiasmado con ello. Poco después su atención se centró en el saxofón, un instrumento que su familia no se podía permitir, por lo que a los doce años se decidió por la guitarra, teniendo a su hermano como guía. Pero fue cuando escuchó un disco de Charlie Christian, cuando verdaderamente creció su pasión por el instrumento. En su escuela, la Miller High School de Detroit, su profesor de música, Louis Cabara, le enseñó teoría y composición así como los aspectos filosóficos de la música.

Kenny, aún adolescente y entusiasmado con los sonidos del jazz, los buscaba aventurándose en los numerosos nightclubs de la ciudad. Una noche, él y el pianista Tommy Flanagan se pintaron mostachos para poder acceder a un local donde tocaba Charlie Parker, una experiencia inolvidable para Kenny. En 1948 Burrell ya era un respetado miembro de la comunidad jazzística de Detroit y su talento con la guitarra impresionaba a músicos de renombre nacional como Dizzy Gillespie e Illinois Jaquet. Con el sexteto de Dizzy realizó Kenny su primera grabación seria, 'Birk's Works' (1951).

Gillespie insistía para que se uniese a su banda, pero sus padres no lo permitieron hasta que finalizara sus estudios musicales en la Wayne State University, en la que ingresó en 1952. Durante su estancia en la universidad, Kenny fundó la New World Music Society, un colectivo privado de músicos que incluía a los artistas locales Elvin Jones, Yusef Lateef, Donald Byrd y Pepper Adams. Tuvo como profesor de guitarra clásica a Joe Fava y concluyó sus estudios en 1955 con diploma. Ese mismo año ingresa en la banda de Oscar Peterson para sustituir a Herb Ellis. Unos meses después se traslada a Nueva York, donde trabaja con Hampton Hawes.

El jefe de Blue Note, Alfred Lion, decide hacer de Burrell un artista discográfico y en 1956 aparecen 'Introducing Kenny Burrell', 'Swingin' y 'K.B. Blues', publicado en la filial japonesa de Blue Note. Entre 1957 y 1959 entra a formar parte de la banda de Benny Goodman ocupando el lugar que había pertenecido a uno de sus ídolos, Charlie Christian. En los años siguientes trabajó junto a Kenny Dorham, Gene Ammons, Jimmy Smith, Hank Mobley, Stan Getz o Coleman Hawkins, que sabían apreciar el swing basado en el blues que ejecutaba Burrell. En marzo de 1958 se produjo un encuentro histórico entre Kenny y John Coltrane que se plasmó en 'Kenny Burrell & John Coltrane'.


En los años sesenta realizó numerosas giras y apariciones en TV, además de innumerables grabaciones como guitarrista de sesión. En los setenta fundó en Nueva York el Club The Guitar, donde realizó talleres e impartió cursillos.

En 1978 dio clases de Historia de la Música en la Universidad de Los Angeles, lo que no impidió que siguiera grabando discos magníficos. De los más de cuarenta álbumes que conforman su discografía, destacan: 'Midnight Blue' (1963), los que grabó con Fantasy Records en los años setenta ('Both feet on the ground', 'Sky Street', 'Up the street, 'round the corner, down the block', 'Ellington is Forever, 1 y 2'), 'Sunup to Sundown' (1991) y 'Lotus Blossom' (1995).

Burrell es el director de estudios jazzísticos en la UCLA (Universidad de California de Los Angeles) e imparte un curso llamado 'Ellingtonia', en el que se examinan la vida y talentos de Duke Ellington. En la actualidad, aparece de cuando en cuando con alguna formación de All Stars, como fue el caso en 2011 con motivo de su ochenta aniversario, en el que se reunieron con Kenny en el escenario del Royce Hall de la UCLA, Dee Dee Bridgewater, Stevie Wonder y B.B. King. El año 2013 apareció el álbum 'Special Requests (And Other Favorites)' grabado en directo en Hollywood en noviembre de 2012 y en 2015 se publicó su grabación más reciente: 'The Road to Love'.

30 julio 2016

Kate Bush


58 años cumple hoy la cantante, compositora y productora británica Kate Bush, descubierta por David Gilmour, el cual se quedó fascinado con su talento y su estilo cantando (el registro de Kate abarca cuatro octavas). El año de su debut en 1978 con el single 'Wuthering heights', fue la mujer más fotografiada del Reino Unido, ya que se convirtió en la primera inglesa en conseguir un nº1 en las listas británicas con un tema propio.

Desde entonces ha publicado nueve álbumes con un contenido ecléctico -combina baladas románticas con aires de rock psicodélico, folk y reggae- y una producción meticulosa. A su álbum debut 'The Kick Inside', le siguieron álbumes de gran éxito en Gran Bretaña como 'Never for ever' (1980) y 'Hounds of love' (1985) con temas como 'Babooshka' y 'Running up that hill'. En 1987 grabó el dueto 'Don't give up' con Peter Gabriel y, dos años después, el tema 'Love and anger', contenido en el álbum 'The Sensual World', es nº1 de las listas de rock alternativo en EEUU.

'Aerial' (2005)
En 1991 participa en el álbum 'Two Rooms', tributo a las composiciones de Elton John y Bernie Taupin, con el tema 'Rocket man'. En 2005 publicó 'Aerial', su primer trabajo tras un largo silencio de doce años, del que se extrajo como single 'King of the mountain'. El mes de mayo de 2011 apareció 'Director's Cut'. Se trata de una recopilación de temas de dos álbumes anteriores, 'The Sensual World' y 'The Red Shoes', con nuevas mezclas y en algún caso, regrabaciones completas. Fue el primer álbum que apareció en su nuevo sello, Fish People.

El mismo año publica en noviembre su más reciente entrega, '50 Words for Snow', con siete nuevos temas de la cantautora con Steve Gadd a la batería. Su talento como compositora ha sido alabado por artistas como Tori Amos, Björk o Rufus Wainwright y puede afirmarse que es la solista británica de mayor éxito de los últimos treinta años.

David Sanborn


Hoy cumple 71 años el saxofonista estadounidense David Sanborn, ganador de seis premios Grammy, que hasta la fecha ha publicado un par de docenas de álbumes y es conocido por sus múltiples colaboraciones con músicos de pop como Paul Simon, Steely Dan o David Bowie. Aunque generalmente asociado con el 'smooth jazz', él personalmente rechaza el género y la etiqueta. El crítico Scott Yannow lo describió como "el saxofonista más influyente en los intérpretes del jazz-pop y el R&B de los últimos 20 años"

David William Sanborn nació en Tampa (Florida) y se crió en St Louis (Missouri). De niño sufrió la polio, por lo que en la adolescencia le recomendaron como terapia para ensanchar sus pulmones, tocar el saxofón. Por aquella época, en St. Louis, sólo había bandas de R&B, por lo que sus primeros pasos con el instrumento fueron tocando con músicos legendarios como Albert King y Little Milton o en la orquesta de Gil Evans. Estudió en la Northwestern University, la única que por entonces impartía clases de saxofón, dirigidas por Fred Hemke. La universidad se encontraba cerca de Chicago y allí Sanborn se interesó por la rica tradición de blues de la ciudad. Sus mayores influencias fueron Hank Crawford, Lou Donaldson, Charlie Parker y Jackie McLean.

David en Woodstock 69
A finales de los años sesenta, David se había convertido en un músico de sesión muy solicitado. En 1967 se unió a la Paul Butterfield Blues Band, en la que permaneció hasta 1969, actuando con ellos en el Festival de Woodstock. En 1972 participó en el álbum 'Talking Book' de Stevie Wonder y en 1975 definió el sonido de 'Young Americans' de David Bowie.

'Heart to Heart' (1978)
Ese mismo año debuta con su primer álbum, 'Taking Off', cuyo tema 'Butterfat' con su saxo pasado por wha-wha, ayudó a que las grandes dicográficas se sintieran interesados en la fusion jazz-pop. En su tercer álbum, 'Heart to Heart' (1978), amplió su sección de ritmo con arreglos de metales (cortesía de la Gil Evans Orchestra), muy bien recibidos por la crítica. Durante esos años también colaboró en las bandas de Steely Dan y Rickie Lee Jones. Con su siguiente trabajo, 'Hideaway', de 1980, que le supuso su primera nominación a un Grammy, Sanborn saltó al primer plano de la actualidad convirtiéndose en el saxofonista más conocido del pop.

'Straight to the Heart' (1984)
Su primer gramófono dorado lo obtuvo en 1982 por su álbum millonario en ventas 'Voyeur' (1981). El resto de la década, además de alternar sus grabaciones con el saxo alto y soprano, experimentó con todo tipo de géneros y estilos y en 1984 publicó uno de sus álbumes más aclamados, 'Straight to the Heart'. En 1987 obtuvo un nuevo Grammy por su trabajo junto a Bob James en el álbum 'Double Vision' y dos años más tarde el tercero por 'Close-Up' (1988). Sanborn mantuvo su popularidad durante los años noventa con discos como su entrega de funk urbano en 'Upfront' (1992).

'Pearls' (1995)
Un año antes sorprendió al mercado pop con una incursión en el jazz tradicional, 'Another Hand' con nuevos valores del género como Bill Frisell y Marc Ribot así como pesos pesados como Charlie Haden y Jackie DeJohnette. Asimismo, en 1993 grabó un álbum con el saxofonista avant garde Tim Berne. En 1995 apareció 'Pearls' con arreglos orquestales dirigidos por Johnny Mandel y en 1996 volvió a sus texturas tradicionales de R&B y pop urbano con 'Songs From the Night Before'.

David Sanborn y Bob James
En 1999 publico 'Inside' y participó con Eric Clapton en un show televisado desde el Madison Square Garden, celebrado para recoger fondos para el Crossroad Centre, una institución de rehabilitación de drogadictos, que el guitarrista creó en la isla de Antigua en 1997. Los trabajos más recientes de Sanborn han sido 'Only Everything' (2010), 'Quartette Humaine', de nuevo con Bob James en 2013 y 'Time and the River' publicado en 2015 que marcó su 40 aniversario como líder.Por otro lado, en 2011 estuvo actuando como DMS junto a George Duke y Marcus Miller.

Danny Daniel


Hoy celebra su 74 aniversario el cantante y compositor asturiano Danny Daniel nacido en Gijón que, como los Beatles, comenzó profesionalmente en Hamburgo en 1966 y llegó a ser bastante popular, primero a partir de su vinculación con la cantante Donna Hightower con la que logró un fuerte impacto con 'El vals de las mariposas', tema muy vendido en España y América Latina y más tarde como autor de grandes éxitos para Julio Iglesias.

Danny heredó de su padre la afición por la música. Le hizo estudiar tres años de solfeo y un regalo fantástico: un acordeón. En aquellos tiempos Danny escuchaba Radio Luxemburgo y a través de ella descubría grandes canciones que todavía no llegaban a España.
De Asturias saltó a Palma de Mallorca y comenzó a ganarse la vida cantando. Se acompañaba con su guitarra y comenzó en un hotel con un repertorio para turistas con temas como 'Bésame mucho', 'La luna y el toro', 'Malagueña', etc. Se marchó a Suecia y luego a Hamburgo, volviendo a Mallorca dos años después. Allí Bonet de San Pedro -el crooner mallorquin-, le aconsejó ir a Madrid para intentar introducirse en el mundo del disco.

En 1970 conoció a Donna Hightower, con la que comenzó una colaboración que duró hasta 1973. Además del mencionado 'Vals de las mariposas', Danny y Donna grabaron 'Dreams like mine', compitiendo y ganando en el II Festival de la Costa del Sol.
También compuso para Donna el tema 'This world today is a mess' que vendió más de siete millones de copias en Europa.
Su primer gran éxito como solista le llegó con el tema '16 años', que luego cantaría con gran éxito Julio Iglesias, así como 'Por el amor de una mujer', escrita por Danny recordando a Marcia Bell, su primer amor. Las versiones de Julio le dieron el espaldarazo como compositor, restándole importancia como intérprete.

Danny aseguró por ello que nunca más dejaría a Julio cantar sus temas, pero la vida da muchas vueltas y años más tarde estaba instalado en Miami y escribía nuevos hits para el cantante.
Otros éxitos de Danny fueron 'Hoy tan bonita' (1971), 'Vals para Donna' (1972), 'Niña no te pintes tanto' y 'Viento de otoño' (1974). En 2004 publicó un álbum, 'Cuando brilla una estrella' en el que realizó una discreta incursión en el mundo lírico que pasó inadvertido.
En 2011 publicó el álbum 'Mas allá del sentimiento' en el que interpretaba canciones cubanas de los inicios del siglo XX y su trabajo más reciente fue 'La voz de mi alma', álbum en el que interpreta temas como 'Amapola', 'O sole mío' o 'Volver, volver', entre otros, con un registro de voz lírico, desconocido en el artista.

Paul Anka


Hoy cumple 75 años el cantante, compositor y actor canadiense Paul Anka, nacido en Ottawa. Fue uno de los mayores ídolos de adolescentes de finales de los cincuenta. Evolucionó hasta tener un público adulto y, como intérprete y compositor de éxito, además de próspero productor y ejecutivo discográfico, ha logrado sobrevivir en el negocio hasta el segundo milenio.

Hijo de emigrantes sirios que poseían un restaurante en Ottawa, Paul mostró pronto sus habilidades, haciendo imitaciones con doce años. Con catorce años, 'tomaba prestado' el coche familiar para asistir a concursos de talentos en las radios locales y empezó a componer sus primeras canciones. Alentado por sus padres, grabó en 1956 su primer single, 'I confess' en el pequeño sello Riviera. Como miembro de un grupo vocal, los Rover Boys, viajó a Nueva York, donde consiguió una audición con el productor de ABC Records, Don Costa. Paul le cantó una canción que le había compuesto a una antigua 'canguro' que tuvo siendo pequeño, 'Diana'. A Costa le gustó, lo grabó, y el año 1957, la canción de Anka fue nº1 en ambos lados del Atlántico y ya lleva más de 10 millones de copias vendidas en el mundo.

El año siguiente, Anka colocó cuatro canciones más en el Top20, incluyendo 'You are my destiny' y 'Crazy love', atemperando la rebelión general que emanaba el rock and roll, con letras que más que llamar a la desobediencia, se cuestionaban educadamente la autoridad paterna. Compuso uno de los últimos hits de Buddy Holly, 'It doesn't matter anymore' y se introdujo en el mundo del cine con films como 'Let's Rock' y 'Girls Town'. En 'Girls Town' apareció su mayor éxito en América, 'Lonely boy', el primero de una serie de hits en 1959, como 'Put your head on my shoulder', 'Time to cry' y 'Puppy love' (escrita para Annette Funicello).

En 1961, cuando toda la locura adolescente por Paul Anka había pasado, Paul contaba veinte años, era multimillonario, poseía su propio sello discográfico, unas 125 canciones escritas y el reconocimiento de haber compuesto y grabado el single ('Diana') más vendido de todos los tiempos después de 'White Christmas' de Bing Crosby. En vez de dormirse en los laureles Anka se dirigió al público adulto y se reinventó apareciendo en el Copacabana. También tuvo una corta etapa 'italiana' , en la que colaboró con los compositores Ennio Morricone, Lucio Battisti y el letrista Mogol. En Italia grabó un docena de singles (algunos en italiano), como 'Ogni giorno' (1962), 'Piangerò per te' (1963) y 'Ogni volta' (1964). Ésta última fue interpretada por Anka en el Festival de San Remo de 1964 y sólo en Italia, vendió más de un millón de discos.

Firmó con RCA Records y en una jugada maestra adquirió los derechos de sus viejos éxitos e hizo una fortuna sólo con reediciones. Diversificó su carrera apareciendo en películas como 'El día más largo' de 1962, a cuya banda sonora aportó la canción del mismo título.
Paul Anka fue de los primeros cantantes pop en aparecer en los shows de Las Vegas. También condujo programas de TV en EEUU, como 'Hullabaloo', 'The Midnight Special' y 'Spotlite'. Realizó giras por Asia y por Europa (donde conoció a su mujer, la modelo parisina Anne de Zogheb). Compuso la canción de presentación de 'The Tonight Show', que se mantuvo en antena unos 30 años y reescribió y tradujo la letra francesa de la canción 'Comme d'habitude', convirtiéndola (muy a pesar de Sinatra, que confesó en una ocasión odiar la canción) en 'My way', uno de los mayores éxitos comerciales de Frank. También a Tom Jones le proporcionó uno de sus mayores éxitos, 'She's a lady'.

Aunque desde 1963 sólo tuvo un hit en el Top40, en 1974 volvió al nº1 con '(You're) Having my baby', un dueto grabado en Muscle Shoals (Alabama) con su protegida, Odia Coates. Sus siguientes dos singles, 'One man woman/One woman man' y 'I don't like to sleep alone', fueron ambos Top10, y su single en solitario 'Times of your life' (1975) fue nº7.

En los ochenta y noventa continuó sus shows internacionales y en los casinos de Las Vegas, y su discografía en esta etapa consta únicamente de compilaciones de éxitos y conciertos en directo. En 2005 grabó 'Rock Swings' un álbum con standards contemporáneos, como 'Wonderwall' y 'Smells like teen spirit' cuyo éxito originó una secuela, 'Classic Songs: My Way' (2007), que incluye más standards y duetos con Michael Buble y Jon Bon Jovi. Precisamente de duetos consta su más reciente entrega discográfica 'Duets' (2013).

Buddy Guy


Hoy cumple 80 años el guitarrista de blues Buddy Guy, nacido en Lettsworth (Louisiana). Aunque su música suele ser etiquetada como 'Chicago blues', su estilo es único e inclasificable. Puede variar desde el blues más profundo y tradicional a imprevisibles y radicales amalgamas de blues, soul, free jazz y rock progresivo que mutan en cada actuación de Guy.

Willie Dixon, Waters y Guy en Chess
Buddy aprendió las primeras nociones de guitarra en un arco 'diddley' de fabricación casera de dos cuerdas. Más tarde conseguiría una guitarra acústica Harmony, que ahora descansa en el Rock and Roll Hall of Fame. A comienzos de los años cincuenta tocó con varias bandas de Baton Rouge y, tras moverse a Chicago y ganar una competición de guitarristas que se llevó a cabo con la participación de Otis Rush y Magic Sam, Buddy cayó bajo la influencia de Muddy Waters quien lo llevó a Chess Records. Chess fue su discográfica hasta 1968, pero Leonard Chess, cuyos gustos eran muy tradicionales, tildaba la música de Guy de 'ruidosa' y lo mantuvo relegado como músico de sesión en las grabaciones de Muddy Waters, Howlin' Wolf, Little Walter, Sonny Boy Williamson, Koko Taylor, entre otros.

Buddy Guy y Junior Wells en 1969

En 1967, por fin se publicó 'I left my blues in San Francisco', que estilísticamente era muy similar a todos los del boom del soul de la época. Durante esos años apareció en varias grabaciones de Junior Wells en Vanguard Records, hoy consideradas de los mejores muestras del 'chicago blues' de los años sesenta.

Con Clapton en el Supershow
En 1969 apareció junto a Eric Clapton, Jack Bruce, Buddy Miles, Led Zeppelin, Stephen Stills y Jon Hiseman entre otros, en el 'Supershow', unas actuaciones filmadas en una fábrica abandonada de Staines (Inglaterra). Pretendía ser una reunión de grandes músicos al estilo del 'super session' de Al Kooper y Mike Bloomfield.
En los setenta, Buddy Guy cayó en el olvido, como la mayoría de músicos de blues que inspiraron e instigaron el blues-rock que practicaban ahora sus discípulos los cuales recibían la fama y el reconocimiento. Eric Clapton fue uno de los que se acordó de Guy en 1990 y lo contrató para que formara parte del grupo con el que Clapton realizó 42 conciertos en el Royal Albert Hall de Londres a lo largo de dos años. Un 'grandes éxitos' de esos conciertos, '24 Nights', se publicó en 1991.

Ese mismo año, Guy obtuvo un contrato de grabación con Silvertone Records. Su primer álbum con el nuevo sello, 'Damn Right, I've Got The Blues', fue un gran éxito y contaba con colaboraciones de Eric Clapton, Jeff Beck, Mark Knopfler y los Memphis Horns. Recibió un Grammy al mejor álbum de blues contemporáneo. En 1993 y 1994 repitió premio y éxito con 'Feels like Rain' y 'Slippin' In', y desde entonces, ha publicado más de una docena de álbumes de estudio, además de varios discos en directo y recopilaciones de sus primeras grabaciones. Su entrega más reciente fue 'Rhythm & Blues', publicado en julio de 2013, que supuso su cuarto album en alcanzar el nº1 en las listas de blues, tras 'Sweet Tea' (2001), 'Skin Deep' (2008) y 'Living Proof' (2010), por el que obtuvo su sexto premio Grammy.

Ha sido llamado 'el puente entre blues y rock and roll' y fue el enlace histórico entre los pioneros del blues eléctrico de Chicago como Muddy Waters y Howlin' Wolf y los más contemporáneos Eric Clapton, Jeff Beck, Hendrix, Jimmy Page y Stevie Ray Vaughan. Éste último dijo: "Sin Buddy Guy no existiría Stevie Ray. Buddy tiene la increíble capacidad de ir de un espectro a otro. Puede tocar con el silencio más silencioso que jamás hayas oido ¡y también puede tocar de la forma más ruidosa que jamás hayas oido!. Yo acostumbro tocar fuerte, la mayoría de las veces, pero los tonos de Buddy son sencillamente increíbles... ¡el puede ponerle tanta emoción usando tan poco volumen!".

También Clapton manifestó su pasión por su música: "Buddy Guy fue para mí lo que Elvis significó para otros". Eric, nada proclive a los halagos también llegó a afirmar: "Buddy Guy es sin ninguna duda el mejor guitarrista vivo. Su forma de tocar revolucionó el blues rock". Jimi Hendrix, cuyas acrobacias con la guitarra tocando por encima de la cabeza o con los dientes estaban inspiradas en Buddy que ya las practicaba años antes, dijo: "El paraíso es estar tumbado a los pies de Buddy Guy mientras lo escuchas tocar su guitarra". Todo un 'músico de músicos', al que actualmente se le puede ver casi cada noche en Chicago sentado junto a la barra del 'Legends', el mejor local de blues de la ciudad, que Buddy regenta con orgullo. En julio de 2015 publicó su álbum más reciente 'Born to Play Guitar' que, de nuevo, obtuvo el Grammy en 2016 al mejor álbum de blues.

Christine McGuire


Hoy cumple 90 años la cantante estadounidense Christine McGuire, una de las componentes del trío vocal de hermanas The McGuire Sisters las cuales, inspiradas en las Andrews Sisters, fueron muy populares en Norteamérica durante la década de los años cincuenta con temas como 'Sincerely' y 'Sugartime'.

Las tres hermanas, Christine, Dorothy y Phyllis nacieron en Middletown (Ohio) y se criaron en Miamisburg. Su madre, Lillie, fue ordenada ministra de la primera Iglesia de Dios y las tres niñas comenzaron a cantar himnos religiosos en las bodas y entierros que se celebraban en la iglesia. En aquel momento (1935), la menor, Phyllis, contaba sólo cuatro años de edad. Aunque les estaba prohibida la música secular, escuchaban secretamente a sus futuros modelos, las Andrews Sisters y las Dinning Sisters a través de la radio. Años más tarde, hacia 1949, cantaban también en bases militares y hospitales de veteranos de guerra, añadiendo a su repertorio de himnos, temas populares.

Karl Taylor, un promotor y agente, tras oírlas en la iglesia, les ofreció un trabajo en un hotel. Poco después las McGuire Sisters actuaban con una de las bandas de Taylor en restaurantes nocturnos, hoteles y en programas locales de TV. En diciembre de 1952 se presentaron al concurso de talentos de Arthur Godfrey en Nueva York, cantando 'Mona Lisa' y 'Pretty Eyed Baby'. Ganaron el primer premio y Godfrey las contrató para su programa matinal, donde reemplazaron a las Chordettes. Permanecería con Godfrey siete años. Ese mismo año 1952 habían firmado un contrato discográfico con Coral Records, sello dirigido por Gordon Jenkins. Cuando éste pasó a Capitol, le sustituyó Bob Thiele, que contrató a los mejores musicos para acompañar a las McGuire Sisters en sus grabaciones.

Entre 1954 y 1958 consiguieron varios hits en el Top20 como 'Goodnight, sweetheart goodnight''Muskrat ramble' (1954), 'No more', 'He' (1955), 'Sincerely', 'Something's gotta give' (1955), 'Picnic' (1956), 'Sugartime' (1957), 'May you always' (1958) y 'Just for old time's sake' (1961). 'Sugartime', de 1957, con Steve Allen al piano, se convirtió en su canción más emblemática. El tema, de dos minutos y medio, contiene 29 veces la palabra 'sugar' (azúcar).

En 1968 realizaron una de sus últimas actuaciones juntas en el Ed Sullivan Show, desde el Caesars Palace de Las Vegas y en el cénit de su popularidad, las hermanas decidieron dar por finalizada su andadura como trío vocal. Christine y Dorothy se dedicaron a sus respectivas familias y Phyllis, continuó en el negocio actuando junto a artistas como Sammy Davis Jr. o Johnny Carson. Los siguientes diecisiete años, las tres hermanas sólo cantaron en reuniones familiares, pero en 1985 decidieron volver y, tras seis meses de estrictos ensayos, actuaron en Reno (Nevada) donde les acogió una gran masa de fans que no las habían olvidado.

Christine, Phyllis y Dorothy
Las McGuire Sisters han actuado ante cinco presidentes de Estados Unidos (Nixon, Carter, Ford, Reagan y Bush) así como ante la reina Elizabeth de Inglaterra. Continuaron un par de años en el circuito de Las Vegas y desde entonces sólo han aparecido esporádicamente en público, la última vez en un programa especial de revival de los cincuenta, emitido en 2004 'Magic Moments'. Actualmente, además de regentar el McGuire's Pub, en Bradenton (Florida), Christine reside en Las Vegas, donde hasta hace poco practicaba su deporte favorito, el golf.
Su hermana Dorothy murió el 7 de septiembre de 2012.