09 junio 2012

Les Paul


El 9 de junio de 1915 nació en Waukesha, Wisconsin el guitarrista, compositor e inventor Les Paul. Además de ser un extraordinario guitarrista, Les Paul está acreditado como uno de los inventores más revolucionarios de la tecnología musical, siendo pionero en numerosas innovaciones electrónicas, que hoy son procedimientos cotidianos en la industria musical: el 'phasing' con cinta, el efecto 'delay' y la grabación multipista. Como instrumentista también innovó incorporando secuencias de acordes, licks, trinos y técnicas de trasteado que han inspirado a numerosos guitarristas. Pero su mayor aportación a la evolución del rock'n'roll fue el desarrollo de la guitarra eléctrica de cuerpo macizo que hizo posible el sonido del rock and roll, concretamente la Gibson Les Paul, considerada junto con la Fender Stratocaster, la guitarra eléctrica más popular del mundo.

Nacido Lester William Polfuss, de una pareja de origen alemán, comenzó su educación musical al mismo tiemp que descubrió la electrónica. Con nueve años ya se había fabricado su primer receptor de radio y empezaba a tocar la armónica. Uno de los primeros sonidos que escuchó con su radio fue el de una guitarra, y no tardó en hacerse con una. Su primer invento fue un soporte de armónica para poder usarla mientras tocaba la guitarra, que aún hoy se comercializa basado en su diseño original. Con trece años ya tocaba en fiestas ganando unos 30$ semanales.

Muchas de sus actuaciones eran en el exterior y Les tenía que tocar con fuerza para hacerse oir. Resolvió el problema introduciendo un pick-up de fonógrafo en su guitarra y con un cable envió la señal al altavoz de su radio, que actuaba de amplificador. Con diecisiete años se unió al grupo de música country Rube Ronson's Texas Cowboys y, tras abandonar los estudios, en 1934 se trasladó a Chicago, donde actuaba en emisoras de radio. En 1936 realizó su primera grabación bajo el seudónimo 'Rhubarb Red' y acompañó al cantante de blues George White. Por esta época adoptó su nombre artístico definitivo, Les Paul.

Su estilo con la guitarra estaba poderosamente influenciado por Django Reinhardt, a quien admiraba y llegó a conocer tras la segunda Guerra Mundial. Hacia 1933, Paul comenzó a darle vueltas a la idea de una guitarra de cuerpo macizo con micrófonos incorporados para lograr un mayor 'sustain' de las notas. La teoría era que si el cuerpo de la guitarra y los micrófonos permanecían fijos y quietos, ésto permitiría a las cuerdas vibrar durante más tiempo, produciendo el 'sustain'. En 1934 encargó a los hermanos Larsen la fabricación de una guitarra de estas características.

Les Paul Trio
En 1937 Paul formó un trío con Jim Atkins (hermano de Chet) y Ernie Newton. Los tres se trasladaron a Nueva York y consiguieron un trabajo con Fred Waring and His Pennsylvanians, tocando en la NBC en programas de emisión nacional cinco noches por semana durante tres años. Con tal audiencia, muchos de los oyentes no se encontraban preparados para los sonidos de una guitarra eléctrica y en la radio se recibían llamadas para que la desenchufara.

Detalle de el 'Log'
En 1940 Les volvió a Chicago para tocar con la banda de Ben Bernie y para trabajar como director musical de dos emisoras de radio locales, WJJD y WIND. Al mismo tiempo continuaba experimentando con su idea de cuerpo macizo para la guitarra y en 1941 fabricó un instrumento al que llamó 'The Log' (el tronco), que consistía en una pieza de madera maciza de 9x9 cm con un puente y un par de 'pick ups' a la que había ensamblado un mástil. Por estética añadió dos medios cuerpos de una Epiphone a los lados. "Podías salir a comer y cuando volvías, la nota seguía sonando" comentó Paul en una entrevista de Guitars: "No sonaba como un banjo o una mandolina, pero sí como una guitarra, una guitarra eléctrica. Ese era el sonido que estaba buscando". Mientras experimentaba en su apartamento con su guitarra, sufrió una descarga eléctrica que casi lo mata. Tuvo que pasar dos años recuperándose, durante los cuales se instaló en Hollywood y formó un nuevo trio.


Allí, dos de sus vecinos también estaban desarrollando un tipo de guitarra eléctrica, Paul Bigsby y Leo Fender, los cuales se acercaron a comprobar el invento de Les. Paul trató de patentarlo y comercializarlo, pero cuando presentó su guitarra en Gibson, éstos le invitaron amablemente a desaparecer con él, burlándose de aquel "palo de escoba con micrófonos". Siete años después, cuando Fender presentó la Broadcaster, la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido, en Gibson se apresuraron a localizar a aquel 'loco de la escoba'.

Les Paul y Bing Crosby
En California, Les Paul acompañó a artistas como Dinah Shore y las Andrews Sisters en sus grabaciones, como 'Rumors are flying' o 'It's a pity to say goodnight'. También participó en 1944 junto a Nat King Cole y otros en el concierto inaugural de Jazz at the Philarmonic en Los Angeles. Ese mismo año, Les Paul y su trío aparecieron en el show radiofónico de Bing Crosby. Este, interesado en los inventos de Paul, financió varios de sus experimentos electrónicos para mejorar las grabaciones.

Tras grabar juntos 'It's been a long long time', el cantante convenció a Paul para que se construyera su propio estudio de grabación. Paul siguió su consejo y en 1948 se instaló en su garaje con su maquinaria, grabando a otros artistas y sus propios temas, como 'Lover', 'Brazil' y 'Goofus' y 'Nola' en los que tocaba todas las partes de guitarra usando la técnica inventada por él de la grabación multipista.

Mary Ford y Les Paul
En 1948, Paul sufrió un accidente automovilístico, hiriéndose el codo derecho de tal modo que sólo se podía restituir adoptando una postura fija, sin posibilidad de movimiento. La alternativa era la amputación. Finalmente, cirujanos especializados de Los Angeles ajustaron su brazo en una posición que le permitiría seguir tocando la guitarra. Tardó un año y medio en recuperarse. Mientras tanto había conocido a la cantante del grupo de Gene Autry, Coleen Summer, con la que se casó. Coleen adoptó el nombre artístico de Mary Ford y juntos, comenzaron a grabar una serie de éxitos como 'Tennesee waltz' y 'Mockin' bird hill' (1951), que marcaron el comienzo del 'sonido Les Paul'. En ellos, Mary Ford también utilizaba el multipista grabando todas las voces.

Gibson Les Paul Custom 1954
En 1951 consiguieron su primer nº1 con el tema 'How high the moon', que vendió un millón y medio de copias. En 1952 la empresa Ampex comercializó el primer grabador de ocho pistas, que Paul diseño años antes. Para entonces, los responsables de Gibson Guitar Corporation habían vuelto a conectar con Paul y comenzaron a construir las guitarras basadas en sus diseños desarrollando la mítica Gibson 'Les Paul'. Les Paul y Mary Ford sigueron grabando éxitos con su sonido característico como 'Tiger rag', 'Meet Mr Callaghan' y 'Bye bye blues'. En 1953 lograron un nuevo disco de oro con el tema 'Vaya con Dios (May God be with you)' que se mantuvo nueve semanas en el nº1.


En 1954 la pareja protagonizó una serie de cortas piezas de cinco minutos en TV en las que Les y Mary interpretaban una o dos canciones desde su casa, como parte de su vida cotidiana. La serie, llamada 'Les Paul & Mary Ford at Home' se emitió numerosas veces a los largo de 1954 y 1955.

Mary Ford y Les Paul
En 1955 obtuvieron su último Top10 con 'Hummingbird' y su última entrada en el Hot100 fue en 1961 con 'Jura (I swear I love you)'. Continuaron actuando y realizando giras hasta que, en 1962, la pareja se separó. Seguidamente, Paul se retiró del mundo musical, concentrándose en sus inventos electrónicos. No volvió a grabar hasta 1968 año en el que se publicó 'Les Paul Now', en el que repasaba sus viejos éxitos.

En 1975 grabó para RCA junto a Chet Atkins y acompañado por los mejores músicos de sesión de Nashville, 'Chester and Lester'. En 1987 tuvo que ser intervenido quirúrgicamente del corazón. Tras recuperarse volvió a los escenarios y a pesar de su creciente artritis en las manos, siguió tocando con más de 80 años y aparecía cada lunes con su trio en un local cercano a Times Square. El año 2006 fue premiado con dos premios Grammy por el álbum 'Les Paul & Friends: American Made World Played'. Murió tres años después, de neumonía, a los 94 años.

Jackie Wilson


El 9 de junio de 1947 nació en Detroit (Michigan) el cantante de R&B Jackie Wilson, un artista que inspiró poderosamente a Elvis Presley y Michael Jackson. Llamado 'Mr. Excitement', su calidad vocal y su presencia escénica le convirtieron en uno de los cantantes de R&B más populares de los años cincuenta y sesenta. Entre 1957 y 1975 grabó 50 singles de éxito, entre los que destacan 'Lonely teardrops', 'Higher and higher' y 'Night'.

Jack Leroy Wilson nació en el mismo ghetto de Detroit del que salió Berry Gordy, el fundador de Motown Records. Fue el único hijo -tras dos abortos- de Jack y Eliza Mae Wilson. Su padre, alcohólico y sin trabajo, paraba pocas veces por casa. Jackie se hizo miembro de una pandilla de barrio llamada los Shakers y se metió más de una vez en problemas con la policía. Ya desde temprana edad, su madre -que había cantado en un coro- cantaba con él transmitiendole el amor por la música. En la adolescencia, Jackie se unió a un cuarteto llamado the Ever Ready Gospel Singers, que fue muy popular en las iglesias de la zona. Wilson no era muy religioso, pero adoraba cantar y el dinero que sacaba de las propinas lo gastaba en alcohol barato, al que se había aficionado desde los nueve años. Poco después sus padres se divorciaron y tras ser detenido un par de veces por delincuencia juvenil, con quince años, fue expulsado de la escuela. En su segunda estancia en el correccional de menores, Jackie había aprendido a boxear, por lo que -mintiendo sobre su edad- se lanzó a buscar la gloria en los campeonatos de amateurs.
A los dieciséis años compitió -como si tuviera dieciocho- ganando los combates de su división. Su madre, a pesar de sus triunfos y preocupada por su salud e integridad física, le obligó a abandonar el boxeo. Wilson se casó entonces con Freda Hood (forzado por el padre de ella) y fue padre a los diecisiete.

Billy Ward and the Dominoes
Como alternativa al boxeo buscó abrirse camino en el mundo de la canción y, tras actuar un tiempo como solista, formó un grupo llamado The Falcons (no confundir con otro grupo de igual nombre en el que militó Wilson Pickett) que contaba entre sus miembros al primo de Wilson, Levi Stubbs, futuro líder de los Four Tops. Poco después, Jackie fue descubierto por el cazatalentos Johnny Otis y tras grabar sus primeros discos en el sello Dee Gee Records bajo el nombre de Sonny Wilson, fue reclutado en 1953 por Billy Ward y The Dominoes para sustituir a Clyde McPhatter que había dejado el grupo para formar The Drifters.

Antes de ello, sin embargo, Clyde enseñó a Wilson el estilo vocal y la presencia escénica que requería ser el vocalista del grupo. Jackie permaneció cuatro años en el grupo y con él en la formación obtuvieron dos hits en las listas R&B con 'You can't keep a good man down' y 'Rags to riches'.
En 1957 Jackie decidió seguir su carrera en solitario y firmó con el sello Brunswick, subsidiario de Decca. Pidió ayuda a su amigo de la infancia Berry Gordy y este le proporcionó algunas canciones escritas por él. Una de ellas fue 'Reet Petit', su primera entrada en las listas pop. En 1958 grabó 'Lonely teardrops', su primer nº1 en las listas de R&B y Top10 en el Hot100.

Siguieron otros hits proporcionados por Berry como 'You better know it' (1959), 'Doggin' aound' y 'A woman, a lover, a friend' (1960), todos ellos nº1 en las listas de R&B. Berry aprovechó los beneficios de sus royalties para fundar Motown y a través de sus canciones, Wilson encontró elcasmino hacia la fama. Su extraordinaria vitalidad actuando, con sus dinámicos pasos de baile, su magnífica voz y su vestimenta impecable irradiaban, entre otras cosas, una poderosa sexualidad, por lo que pronto lo apodaron 'Mr Excitement', un título que portaría hasta el final de su carrera. En sus shows Jackie recorría de lado a lado el escenario, giraba, saltaba, se abría de piernas, se arrastraba y una de sus rutinas favoritas era invitar a las chicas menos agraciadas del público a subir con él al escenario para besarle.

Elvis y Wilson
Todos estos detalles influyeron poderosamente en posteriores artistas como James Brown, Michael Jackson y Elvis Presley. Elvis, impresionado con Wilson (le llamaba 'el Elvis negro'), quiso conocerle y ambos se hicieron amigos inmediatamente. Wilson reconoció asimismo influencias de Presley: "Muchos han acusado a Elvis de haber robado la música negra, cuando en realidad, la mayoría de los artistas negros han copiado de él sus movimientos escénicos"

A lo largo de la década de los sesenta, Wilson era un personaje habitual en las listas de Pop y R&B. En 1960 grabó 'Night', Top5 en ambas listas y disco de oro. Nuevos hits fueron 'All my love' (1960), 'My empty arms' (1961) y 'Baby workout' (1963). En 1966 trabajó con el veterano productor Carl Davis, con quien grabó dos de sus mayores éxitos: '(Your love keeps lifting me) Higuer and higher' (1967) y 'Whispers'. Les siguió 'I get the sweetest feeling' (1968)

A partir de aquí, aunque continuó grabando discos de cierto éxito como '(I can feel those vibrations) This love is real' (1970), su carrera entró en declive y en 1972 Wilson se vio relegado al circuito de oldies, a casinos y salas de baile. Muchos críticos mantienen que la falta de promoción de su música por parte de Brunswick afectó en gran medida a que su carrera discográfica no durara más. Su última entrada en las listas pop fue 'You got me walking' (1972) y en las listas de R&B su último hit fue 'Don't burn no bridges' (1975), acompañado por The Chi-Lites.

La noche del 25 de septiembre de 1975, Wilson se encontraba actuando como parte de la revista de Dick Clark en el Latin Casino de Cherry Hill (New Jersey), un suburbio de Philadelphia. Durante el show, Jackie sufrió un infarto y se derrumbó sobre el escenario golpeándose la cabeza. Aunque logró sobrevivir ocho años más, gran parte de ellos estuvo postergado en una cama, en estado semicomatoso e incapaz de cuidarse por sí mismo. Murió el 19 de enero de 1984 en un hospital de Mount Holly (New Jersey) a la edad de 49 años.

Franco Donatoni


El 9 de junio de 1927 nació en Verona el compositor y director de orquesta italiano Franco Donatoni. A los siete años comienza el estudio del violín. Pronto recibirá clases de composición en el Liceo Musical de Verona y posteriormente se matriculará en los conservatorios «Giuseppe Verdi» de Milán y «Giovanni Battista Martini» de Bolonia, en los que tendrá como profesores a personalidades como Piero Bottagisio, Ettore Desderi y Lino Liviabella. Finalmente, acabará perfeccionando su formación con Ildebrando Pizzetti en la Academia Nacional de Santa Cecilia de Roma.

Durante su estancia en Roma frecuentó a Goffredo Petrassi, quien, sin ser oficialmente su profesor, prodigó consejos y sugerencias al joven Donatoni, ayudándolo en su trabajo de composición. Fue el propio Petrassi quien, como miembro del jurado del Concurso de Composición de Radio Luxemburgo, premió en 1952 su “Concertino para cuerdas, metal y timbales solistas”. Este premio significó el inicio de la carrera internacional del compositor. A mitad de los años cincuenta Donatoni conoció a Bruno Maderna en su Verona natal. El apoyo y los consejos de Maderna fueron decisivos en Donatoni y ejercieron una influencia notable sobre su pensamiento y trabajo compositivo. Donatoni y Maderna coincidieron en 1954, 1956, 1958 y 1961 en el Festival de Música Contemporánea de Darmstadt.

En 1953 comenzó su etapa docente como profesor de composición en los conservatorios de Bolonia, Turín y Milán. Después, fue titular de la cátedra de perfeccionamiento de composición en la Academia de Santa Cecilia de Roma y en la Accademia Chigiana de Siena. Además, fue profesor en el DAMS (acrónimo de Discipline delle Arti, della Musica e dello Spettacolo, un curso de licenciatura) de la Universidad de Bolonia y participó en numerosos seminarios en Europa, América y Australia.

Siempre delicado de salud (desde la juventud sufría depresiones periódicas que interrumpían su trabajo y le obligaban a estar bajo tratamiento), su estado se agravó a partir de principios de los años 80, cuando enfermó de diabetes. En 1998 sufrió un infarto cerebral y su salud se deterioró hasta el punto de que para escribir sus últimas obras orquestales ("Prom y ESA - In cauda V") necesitó la ayuda de algunos alumnos para llevarlas al pentagrama. Un segundo infarto en 2000 lo llevará a la muerte, que sobrevino el 17 de agosto de aquel año. La ceremonia fúnebre se celebró en el Conservatorio de Milán y en ella se interpretó su pieza “Cinis”, una especie de réquiem laico que el autor había compuesto en 1988.


Donatoni escribió dos óperas:“Atem” (1984), representada en el Teatro alla Scala de Milán y “Alfred, Alfred” (1995), con texto del propio compositor, que se representó en el Festival Música de Estrasburgo y poco después se programó en París y en varias ciudades italianas. Escribió abundante música instrumental o para gran orquesta, y evolucionó del neoclasicismo al dodecafonismo.

Entre sus creaciones cabe citar:
- “Algo” (1977) para guitarra (Stefano Cardi)
- “About” (1979) (Giulio Arrigo, violín, Luca Sanzò, viola & Stefano Cardi, guitarra)
- “Antecedente X” (1980)
- “Fili” para flauta y piano (1981)
- “Il sigaro di Armando” (1982)

- “Arpegio” (1986) (Gruppo Musica Insieme di Cremona & dir. Andrea Molino)
- “In Oltre” (1988)
- “Settembre Musica” (1990),
- "Small I" (1993) (Giuseppe Pelura, flauta, Luca Sanzò, viola & Nazarena Recchia, arpa).
- “Refrán 3” para 14 instrumentos(1993) (Dominique My & The Ensemble Fa).
- “ESA - In cauda V", para orquesta (2000) (Los Angeles Philharmonic & dir. Esa-Pekka Salonen).

Otto Nicolai


El 9 de junio de 1810 nació en Königsberg (Prusia Oriental) el compositor y director de orquesta alemán Otto Nicolai, fundador de la Filarmónica de Viena y uno de los músicos más dotados e importantes de su época. Nicolai comenzó a estudiar en su ciudad natal bajo la dirección de su riguroso padre, pero a los 16 años huyó a Berlín, donde recibió la enseñanza de músicos de primer nivel como Zelter y Klein. En 1833 viajó a Roma donde recibió clases de Baini y posteriormente lo nombraron organista de la orquesta de la embajada prusiana.

Pronto comenzó su actividad como director de orquesta y compositor. Escribió óperas en dos idiomas: alemán e italiano, lo que ya era algo excepcional. Había transcurrido medio siglo desde la época de Gluck y Mozart, y no había muchos que dominaran en la misma medida el lenguaje de Weber y de Rossini. Compuso en Italia, sus primeras óperas (en idioma italiano): “Enrico d'Inghilterra” (1839), “Il Templario” (1840) (Chemnitz Opera Chorus & The fresh Robert-Schumann-Philharmonie), una de las varias óperas basadas en la novela de Walter Scott; “Il Proscritto” (1841); “Mariana” (Milán, 1841) y "Gildippe & Odoardo" (Génova, 1841).


Posteriormente trabajó en Viena (1841) y Berlín (1848) donde compuso su obra más conocida "Las Alegres comadres de Windsor" Obertura (Obertura Philharmonia Orchestra London, George Randolph Warren).

Se estrenó el 19 de marzo de 1849 en la Opera Real de Berlín, y le aportó un grandioso éxito en esta ciudad: Acto II "Fenton! - Mein Mädchen" (Bayerisches Staatsorchester, Robert Heger, Edith Mathis & Fritz Wunderlich). El libreto de "Las Alegres Comadres de Windsor" se basa en la comedia homónima del escritor inglés William Shakespeare (1564-1616) que, más tarde, se convertiría también en materia prima del "Falstaff" verdiano.

Es una estupenda síntesis de lo mejor que en aquellos tiempos podía ofrecer el género lírico: belcanto italianizante a la Gaetano Donizzetti (Nicolai había vivido y estudiado en Italia), romanticismo germánico en el estilo de Carl Maria Von Weber, y una muy elegante gracia vienesa, pues fue compuesta para ser estrenada en la capital austriaca (lo que dejó no pocas huellas en la partitura) la cual, sin embargo, se oyó por primera vez en Berlín.

Después de haber vivido provisionalmente en Viena, volvió a esta ciudad en 1841 como director de la orquesta de la ópera. Aquel mismo año formó allí una asociación de músicos y organizó un cuerpo concertante que daría lugar en 1908 a la fundación de la Filarmónica de Viena, cuya celebridad mundial no ha disminuido hasta hoy. Pero entonces intervino el destino en aquella vida en que se mezclaban las victorias y la amargura: Nicolai murió en Berlín el 11 de mayo de 1849, cuando tenía sólo 39 años. Se da la curiosa coincidencia de que Nicolai nació y murió el mismo año que Frédéric Chopin.

Otras obras destacables
Opus 26 – “Variazioni concertanti : Ópera La sonnambula de Bellini”, (Südwestfälische Philharmonie, Hilchenbach)
Opus 30 – “Die Thräne” : voz, trompa y piano (Sofia Kapetanakou Mezzo soprano, Antonis Lagos Horn, Chryssa Grenda Piano)
• Opus 31 - "Ein feste burg ist unser Gott"
Opus 33 – “Pater noster”, para dos coros mixtos
• “Der dritte Psalm” (Psalm no 3) para alto solo.

Carl Nielsen


El 9 de junio de 1865 nació en Nørre Lyndelse, cerca de Odense (Dinamarca) el compositor Carl Nielsen. Se introdujo en el mundo de la música a través de su padre, quien ejerció durante unos años como su profesor. Algún tiempo después comenzó a estudiar con el compositor danés Niels Gade y con un discípulo de Joseph Joachim en el Conservatorio de Copenhague, donde a partir de 1915 trabajó como profesor.


Destacó por sus composiciones premeditadamente simples. Entre 1884 y 1887, estudió en el Conservatorio de Copenhague y después realizó diversos viajes de estudio a Alemania, Austria, Francia e Italia.

Regresó a Copenhague, donde fue violinista de la orquesta del Teatro Real, y en el que, entre 1908 y 1914, fue director de orquesta. En 1916 fue nombrado profesor del Conservatorio de la capital danesa, centro que dirigió en 1931. Entre 1915 y 1921 fue director de orquesta de la sociedad Musikforeninger, en la que dio a conocer gran parte de sus composiciones. Destacan sus seis sinfonías -compuestas entre 1892 y 1925- que reflejan una gran preocupación por el contrapunto (entramado de líneas melódicas), el cromatismo, que se combina con armonías no cromáticas en los puntos álgidos, y la tonalidad progresiva (utilizada también en cierta medida por Gustav Mahler), es decir, la música comienza en una tonalidad y evoluciona hasta finalizar en otra diferente, algo que en el siglo anterior había sido considerado como contrario a la unidad de la sinfonía.

La "Sinfonía nº 1” en sol menor, (Andante) es la primera composición de Nielsen y muestra algunos rasgos de individualidad. La “Sinfonía nº 2”, (Primer movimiento) “Los cuatro Temperamentos” sobre un cuadro que Nielsen vió en una taberna y le inspiró esta composición en cuatro movimientos sobre los cuatro temperamentos (colérico, melancólico, flemático y sanguíneo). En la tercera “Expansiva” (1911) sigue el elemento formal clásico pero el tema y los ritmos son ya personales. En la cuarta “Lo inextinguible” (1916) dio gran originalidad y dinamismo a sus ritmos.


La “Quinta Sinfonía” (1922) presenta una característica aleatoria: en un determinado momento el tambor bordonero debe improvisar y ahogar al resto de la orquesta, es la más larga, aunque sólo presenta dos movimientos, y la sexta “Sinfonía Semplice” (1925) tiene carácter de música de cámara, no es tan dramática como las anteriores y en algunos puntos suena extraña. En el segundo movimiento utiliza sólo nueve instrumentos de la orquesta: piccolo, 2 clarinetes, 2 bajos, trombón y percusión.

Nielsen, como Jean Sibelius, demostró que después de la I Guerra Mundial todavía era posible componer grandes obras tonales fuera del neoclasicismo. Otras composiciones suyas son la cantata “Hymnus amoris” (1896), con texto propio traducido al latín; tres óperas, “Snefrid “(1893), “Saúl y David” (1901) con grandes coros polifónicos y “Mascarada” (Cockerel's Dance) de carácter cómico (1906); música de cámara, himnos y canciones escolares danesas y conciertos para violín, flauta y clarinete.
El 10 de abril de 1891, Nielsen contrajo matrimonio con la escultora danesa Anne Marie Brodersen. El matrimonio permaneció unido hasta la muerte del compositor en 1931.